Östlund, ganador de la Palma de Oro, prepara nuevo proyecto: ‘Triangle of Sadness’

Después de ganar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en mayo pasado con ‘The Square’, el director sueco Ruben Östlund tiene la mirilla puesta en ‘Triangle of Sadness’, una sátira contra el telón de fondo del mundo de la moda.

De acuerdo con la revista Variety, Östlund explica que ‘Triangle of Sadness’ -título que se refiere a un término utilizado por los cirujanos plásticos para fijar, en 15 minutos, una arruga entre los ojos con Botox- cuenta la historia de dos modelos de alto perfil que se acercan al crepúsculo de sus carreras de modelado y buscan retirarse de manera digna.

Así, los protagonistas se enfrentan a diferentes complicaciones: el modelo hombre comienza a quedarse calvo, por lo que ve cómo sus perspectivas se reducen, mientras que la modelo mujer es lesbiana y, por lo tanto, rechaza las atractivas ofertas de hombres ricos.

“En la industria del modelado, la gente comienza a buscar una salida a una edad muy temprana, pero para los hombres es más difícil usar su apariencia para asegurar un futuro financiero estable. Las modelos femeninas, a menudo, tienen la opción de casarse con un tipo muy rico, a menos que estén en la situación de nuestra protagonista mujer”, declaró.

Östlund reveló además que su novia, una fotógrafa de moda, le alertó sobre el tema.

La nueva película del director sueco “utilizará la sátira para crear un cálido retrato de personas tratando de lidiar con una industria cínica y mostrar el grado en que la economía está conectada con la mirada en nuestra sociedad”.

La mayor parte de la película se llevará a cabo en un hotel de yates de lujo y otros lugares internacionales.

Al igual que ‘The Square’, ‘Triangle of Sadness’ se rodará en parte en inglés.

‘The Square’ será lanzada en Estados Unidos por Magnolia Pictures el 27 de octubre. (Redacción)

Exposición del maestro de la subversión llega a la Cineteca


En el segundo semestre del 2018, la exposición sobre el cineasta español Luis Buñuel, el maestro de la subversión, llegará a la Galería de la Cineteca Nacional, que actualmente alberga “Stanley Kubrick: La exposición”.

De acuerdo con el director de Difusión y Programación de la Cineteca, Nelson Carro, documentos, parafernalia y vestuario de la filmografía del famoso cineasta, autor de obras maestras como ‘Bella de día’ (1967) o ‘Viridiana’ (1961), la cual ganó la Palma de Oro en Cannes.

Además de la exposición sobre el autor de ‘Un perro andaluz’ (1928) y ‘Los Olvidados’ (1950), también se organizará una retrospectiva con las películas más emblemáticas del director aragonés.

La Galería de la Cineteca Nacional alberga en la actualidad la exposición sobre
Kubrick, la cual incluye más de 900 piezas, entre proyecciones, objetos originales utilizados durante las filmaciones, como fotografías, vestuario y documentos del cineasta estadounidense.

A la fecha, más de 105 mil espectadores han visitado esta exhibición desde su inauguración, el pasado 1 de diciembre, y concluirá su periodo de exhibición el próximo 30 de julio.

“No eres libre como imaginas. Tu libertad no es más que un fantasma que va por el mundo con un manto de niebla. Cuando tratas de asirla se te escapa sin dejarte más que un rastro de humedad en los dedos.”



Fotógrafa de ‘Viridiana’
Filmografía:

Etapa final (1964-1977):

  1.   Cet obscur objet du désir (Ese obscuro objeto del deseo) (1977) …. director, guionista y editor (producción franco-española)
  2.   Le fantôme de la liberté (El fantasma de la libertad) (1974) …. director, guionista y encargado de efectos sonoros (producción francesa)
  3.   Le charme discret de la bourgeoisie (El discreto encanto de la burguesía) (1972) …. director y guionista (producción franco-hispano-italiana)
  4.   Tristana (1970) …. director, guionista y editor (producción hispano-franco-italiana)
  5.   La voie lactée (La vía láctea) (1969) …. director, guionista y editor (producción franco-italiana)
  6.   Belle de jour (Bella de día) (1966) …. director y guionista (producción franco-italiana)
  7.   Le journal d’une femme de chambre (El diario de una recamarera) (1964) …. director y guionista (producción franco-italiana)

Etapa mexicana (1946-1964):

  1.   Simón del desierto (1964) …. director, guionista y editor (mediometraje)
  2.   El ángel exterminador (1962) …. director, guionista y editor
  3.   Viridiana (1961) …. director, guionista y editor (coproducción con España)
  4.   La joven (The Young One) (1960) …. director, guionista y editor (coproducción con los Estados Unidos)
  5.   Los ambiciosos (La fièvre monte à El Pao) (1959) …. director y guionista (adaptación) (versiones en español y francés) (coproducción con Francia)
  6.   Nazarín (1958) …. director, guionista y editor
  7.   La muerte en este jardín (La mort en ce jardin) (1956) …. director, guionista y editor (coproducción con Francia)
  8.   Cela s’appelle l’aurore (Eso se llama la aurora) (1955) …. director, guionista y editor (producción franco-italiana)
  9.   Ensayo de un crimen (1955) …. director, guionista y editor
  10.   El río y la muerte (1954) …. director, guionista y editor
  11.   Abismos de pasión (1953) …. director, guionista y editor
  12.   La ilusión viaja en tranvía (1953) …. director y editor
  13.   Él (1952) …. director, guionista y editor
  14.   El bruto (1952) …. director, guionista y editor
  15.   Robinson Crusoe (Adventures of Robinson Crusoe) (1952) …. director, guionista y editor (coproducción con los Estados Unidos)
  16.   La hija del engaño (1951) …. director y compositor
  17.   Una mujer sin amor (1951) …. director
  18.   Subida al cielo (1951) …. director, guionista y editor
  19.   Los olvidados (1950) …. director, guionista y editor
  20.   Si usted no puede, yo sí (1950) …. guionista
  21.   Susana (Carne y demonio) (1950) …. director, guionista y editor
  22.   El gran calavera (1949) …. director y editor
  23.   Gran Casino (1946) …. director, guionista y editor

Primera etapa (1928-1937):

  1.   Madrid 1936 (España leal en armas) (1936) …. realizador del montaje (documental) (producción española en el exilio)
  2.   ¡Centinela, alerta! (1936) …. productor ejecutivo (producción española)
  3.   ¿Quién me quiere a mí? (1936) …. productor ejecutivo (producción española)
  4.   Don Quintín el amargao (1935) …. productor ejecutivo (producción española)
  5.   La hija de Juan Simón (1935) …. productor ejecutivo (producción española)
  6.   Las Hurdes (Tierra sin pan) (1932) …. director, guionista y editor (cortometraje documental) (producción española)
  7.   L’âge d’or (La edad de oro) (1930) …. director, guionista, editor y musicalizador (mediometraje) (producción francesa)
  8.   Un chien andalou (Un perro andaluz) (1928) …. director, guionista, editor y musicalizador (cortometraje) (producción francesa)

Como actor o intérprete:

  1.   El náufrago de la calle de la Providencia (México, 1971) …. intérprete (mediometraje documental)
  2.   En este pueblo no hay ladrones (México, 1965) …. actor
  3.   Llanto por un bandido (España, 1964) …. actor

Nueva ola de cine rumano se presenta en la Cineteca


Con una producción promedio de 100 películas anuales la cinematografía rumana ha cobrado relevancia en la escena internacional y la Cineteca Nacional acogerá a partir del domingo lo mejor de esa nueva ola.

En conferencia de prensa, Ion Vilcu, embajador de Rumania en México, externó satisfacción por encontrar un espacio para la proyección digna de ese género de su país, reconocido en la última década en festivales de primera línea como Cannes.

De ahí que del 11 al 22 de julio buscarán cautivar al espectador mexicano con cintas como “La muerte del señor Lazarescu”, de Cristi Puiu; “12:08 al este de Bucarest”, de Corneliu Porumboiu, y “4 meses, 3 semanas, 2 días”, de Cristian Mungiu.

La muestra de Cine Rumano “10 años en 10 películas. De la Palma de Oro al Oso de Oro” incluye la proyección de “Perros”, de Bogdan Miricä; “La postura del hijo”, de Calin Peter Netzer; “Graduación”, de Cristian Mungiu; “Sieranevada”, de Cristi Puiu, y “Aferim!”, de Radu Jude, entre otras.

El diplomático sostuvo que esa selección muestra la evolución de la temática y las preocupaciones de la nueva camada de cineastas rumanos interesados en hablar sobre la experiencia comunista, su herencia en lo social y cultural, así como en la transición postcomunista.

Al respecto Nelson Carro, director de Difusión y Programación, indicó que se trata de filmes que hacen una crítica franca a las películas de viejas generaciones que hacían propaganda a favor del Estado.

“Perros” es la cinta encargada de inaugurar la programación el próximo domingo con la presencia de su realizador Bogdan Miricâ, quien posterior a la función platicará con los espectadores sobre el proceso de su creación. (NTX)

‘Maquinaria Panamericana’ hace humor de la ineficiencia 


Una película que hace humor de la ineficiencia corporativa en México llega a la gran pantalla días después de conocerse que el país cayó a su peor lugar en el ranking del Centro de Competitividad Mundial del IMD en nueve años.

En “Maquinaria Panamericana”, que se estrena el viernes, los empleados de una empresa de equipo pesado disfrutan siestas en sus escritorios, imprimen memes a color y desconectan los teléfonos para comer pasteles de cumpleaños en horas laborales. Pero si algo tienen de positivo es que son muy unidos y leales.

La película de ficción fue filmada en las instalaciones de una compañía real, igualmente llamada Maquinaria Panamericana (MAPSA), la cual estaba a punto de ser demolida para convertirse en un centro comercial. Joaquín Del Paso, director de la cinta y nieto del director de la empresa, se inspiró y quiso aprovechar la oportunidad.

“Es un lugar para mí fantástico porque retrata un México de otra era que sin embargo seguía vivo”, dijo Del Paso en una entrevista con The Associated Press. “Fue el núcleo de nuestra vida familiar cuando éramos pequeños”.

“Cuando cerraron significó mucho para todos y nos quedó marcado ese momento histórico como a muchos mexicanos que perdieron todo”, agregó sobre la forma en la que la crisis económica de 1995 afectó a la compañía.

El IMD (International Institute for Management Development), con sede en Suiza, es una escuela de negocios de renombre cuyo ranking de competitividad se creó en 1989 y es un referente económico y empresarial. En la lista publicada el 31 de mayo, México quedó en el lugar 48 de un total de 63 países, su peor desempeño desde el 2008 (por debajo de Rusia y Turquía, y por encima de Bulgaria y Rumania).

El instituto compila para su ranking 260 indicadores, en su mayoría datos duros como empleo y estadísticas de comercio, así como un tercio provenientes de una encuesta de opinión a ejecutivos que mide la percepción de negocios en cuanto a temas como corrupción, medio ambiente y calidad de vida.

Para su película, Del Paso conformó el elenco con actores profesionales y empleados de la MAPSA real. El mundo de sus personajes se desmorona cuando el dueño, don Alejandro, amanece muerto en su apartamento en las instalaciones de la compañía, que no ha sido renovada desde la década de 1990.

“El interior de la empresa es México 1990 y el exterior es México 2017”, dijo el realizador mexicano. “Este choque que agarra este nivel hasta metafórico de México como un país que se le prometió una modernidad a la que tal vez nunca llegó por la cantidad de problemas de los que nos rodeamos”.

El actor Javier Zaragoza interpreta al contador Jesús Carlos, quien a través de los altavoces de la empresa da mensajes alentadores a los empleados y les pone música instrumental para que trabajen más a gusto.

Cuando muere don Alejandro queda al descubierto que el contador le sacaba dinero, pero por amor a la empresa, o quizá solo para salvar su pellejo, les dice a sus colegas que ha escucharlo la voz del dueño desde el más allá y le ha indicado que sigan trabajando para salvar a MAPSA.

“Es la paranoia bordeando a la esquizofrenia”, dijo Zaragoza.

El humor llega a puntos cumbre cuando en plena depresión por el cierre de la empresa los trabajadores transfieren una llamada de una extensión a otra hasta que recorre toda la oficina. A medida que cae la noche en MAPSA, los empleados empiezan a perder la razón en su encierro.

“Yo me imagino como el infierno de Dante”, apuntó Zaragoza, quien consideró esta transición como un acierto del guion de Del Paso y Lucy Pawlak por su retrato de los trabajadores. “México es surrealista, somos surrealistas totalmente”.

Esa imposibilidad de salir, pese a que la puerta está abierta, recuerda mucho a “El ángel exterminador” de Luis Buñuel.

“Lo admiro mucho como uno de los mejores cineastas mexicanos aunque haya nacido en España”, dijo sobre el emblemático realizador. “Creo que encontró este tono entre la comedia, la tragedia y la ironía y a la vez estas cosas inexplicables que suceden en México”.

“Maquinaria Panamericana” se estrenó en el Festival de Cine de Berlín en 2016 y ha recorrido con éxito cerca de 60 festivales nacionales e internacionales, incluyendo el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, donde obtuvo el Premio Mezcal a la mejor película mexicana. Ahora está nominada en los premios Ariel del cine mexicano en las categorías de mejor guion, mejor ópera prima y actriz revelación, para Irene Ramírez.

“Ella está realmente creyendo que van a salvar a la empresa porque su vida es su trabajo”, dijo Ramírez sobre su personaje, la secretaria Soledad, que vive de manera muy profunda el duelo por la muerte de don Alejandro. “Está inmersa en este mundo machista en el que como la traten así es”.

Parte de este machismo se refleja en la forma en la que Soledad obedece al despotismo del contador, una situación que podría resultar familiar a más de una trabajadora en México, donde según datos de la OCDE de 2016, en vez de disminuirse creció la brecha salarial por género en la última década. (AP)

#Annecy2017: Estas son las películas en competición a mejor largometraje de animación en @annecyfestival


Estas son las películas en competición a mejor largometraje de animación en ANNECY 2017.  
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‘Zombillénium’ (2017) de Arthur DE PINS y Alexis DUCORD.

 

En el parque de diversiones Zombillenium, los monstruos tienen melancolía. Los zombis, los vampiros y los hombres lobo son verdaderos monstruos cuyas almas pertenecen al Diablo, sin embargo, están cansados ​​de tener que entretener a seres humanos consumistas… Hasta la llegada de Héctor, un oficial de reglamentos de seguridad, que decidió cerrar el parque. El vampiro, director del parque, debe, por lo tanto, morderlo…

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‘Tehran Taboo’ (2017), de Ali SOOZANDEH.

 

La vida de tres mujeres con fuerza de voluntad y un joven músico se cruzan en la sociedad esquizofrénica de Teherán, donde el sexo, el adulterio, la corrupción, la prostitución y las drogas coexisten con estrictas leyes religiosas. En esta bulliciosa metrópolis moderna, evitar la prohibición se ha convertido en un deporte cotidiano y romper tabúes puede ser un medio de emancipación personal.

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‘Lu Over the Wall’ (2017), de Masaaki YUASA.

 

Kai es un niño que vive en un pueblo de pescadores solitario. Un día, conoce y se hace amigo de Lu, una sirena que le gusta cantar y bailar. Pero la gente del pueblo siempre ha pensado que las sirenas traen desastre. Algo pasa que pone una grieta enorme entre Lu y los aldeanos, poniendo en peligro la ciudad.

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‘Loving Vincent’ (2017), de Dorota KOBIELA y Hugh WELCHMAN.

 

Este es el primer largometraje en el mundo que ha sido pintado completamente, con el objetivo de contar la vida de Vincent Van Gogh. Cada uno de los 65 mil cuadros de la película fue pintado a mano por 115 pintores profesionales que viajaron de toda Europa a los estudios de ‘Loving Vincent’ para formar parte en esta producción única.

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‘Ethel and Ernest’ (2016), Roger MAINWOOD.

 

La verdadera historia de los padres de Raymond Briggs, Ethel y Ernest. Son dos londinenses comunes que se enamoran en medio de un inmenso cambio social a mediados del siglo XX, experimentando la depresión, la Segunda Guerra Mundial, la austeridad de posguerra y la agitación cultural. Cuarenta años de cambio, un amor perdurable.

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‘In This Corner of the World’ (2016), de Sunao KATABUCHI.

 

La joven Suzu deja Hiroshima en 1944 para casarse y vivir con la familia de su marido en Kure, una ciudad portuaria militar. La guerra hace que sus condiciones de vida sean cada vez más difíciles, pero a pesar de esto, la joven cultiva alegría y entusiasmo por la vida. Pero en 1945, los bombardeos pusieron su coraje a prueba.

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‘Big Fish & Begonia’ (2016), de Xuan (Tidus) LIANG y Chun (Breath) ZHANG.


Chun es un ser celestial a cargo de las begonias. Cuando cumple 16 años, es enviada al mundo humano disfrazado de delfín como parte de un ritual de la mayoría de edad. Kun, un ser humano, salva su vida, pero pierde la suya en el proceso. Con la ayuda de su amiga Qiu, trata de revivir el espíritu de Kun para agradecerle por salvarla.

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‘Animal Crackers’ (2017), de Tony BANCROFT, Scott Christian SAVA y Jaime MAESTRO.

 

Owen Huntington es un hombre de familia cuya vida se pone al revés cuando hereda un circo descuidado y una misteriosa caja de galletas de animales. ¡La magia de las galletas llevará a su familia a vivir las aventuras más fantásticas que jamás hubieran imaginado!

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‘A SILENT VOICE’ (2016), de Naoko YAMADA.

 

Una colegiala sorda llamada Shoko conoce a un chico llamado Shoya en su nueva clase cuando transfiere las escuelas primarias. Shoya, que no es sordo, lidera a la clase para intimidar a Shoko sobre su discapacidad. Años más tarde, Shoya, atormentado por su pasado, decide ir a ver a Shoko para tratar de reparar lo que hizo en la escuela convirtiéndose en su amiga.

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‘HAVE A NICE DAY’ (2017), de Jian LIU.

 

Recientemente presentado en la competición internacional de la Berlinale, ‘Have a Nice Day’ es un trabajo de gran alcance, un poderoso e inquietante trabajo de un brillante cineasta Jian Liu, quien ya estuvo en competición en Annecy 2010 con Piercing 1.

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Alcoholismo, guerra y redención, temas que HBO expondrá en serie de documentales


Con la intención de promover el diálogo y estimular la conciencia sobre problemáticas del mundo actual, que poco se abordan en espacios de televisión, entre ellas alcoholismo, guerra y redención, se expondrán en una serie de documentales en HBO durante junio y julio.

La programación especial arrancará con la proyección de “Risky Drinking”, el 19 de junio. La cinta lleva el público a la intimidad de la vida de cuatro personas muy distintas: un joven profesional, una madre soltera, un migrante y un joven abuelo, que tienen un enemigo en común: el alcoholismo.

Basado en casos de estudio y el análisis de expertos, el documental aborda los riesgos del abuso del consumo de bebidas alcohólicas a lo largo de varias etapas de la vida y cómo esa conducta perjudicial afecta las vidas y las relaciones de las personas.

En Estados Unidos, alrededor de un tercio de los adultos tienen o tuvieron problemas con el exceso de bebida en algún momento de sus vidas. El documental coloca a los televidentes ante el desafío de reconocer cuándo su relación con la bebida puede ponerlos en riesgo y ofrece información valiosa sobre cómo adoptar un estilo de vida más saludable.

Otra temática alude a la situación actual en Siria, que viene atrayendo la atención de los medios, de grupos de abogados y de las redes sociales en todo el mundo, acompañada por la reivindicación de que se haga justicia contra la violación de los derechos humanos.

Dicha temática se plantea en el documental original de HBO “Cries from Syria”, que se estrena el 26 de junio y hace un relato importante de la crisis humanitaria en el país y de la guerra civil que lo asola desde hace cinco años.

Con filmaciones de escenas de guerra obtenidas por activistas y periodistas locales, imágenes y relatos devastadores de manifestantes, líderes revolucionarios, ciudadanos comunes y chicos, muchos de ellos testimonios de atrocidades indescriptibles, este documental cuenta la historia de un pueblo que, pese al enorme sufrimiento, nunca perdió la esperanza de tener un futuro mejor.

El ciclo concluirá con “Rock and Hard Place”, el 3 de julio, la cinta muestra muy de cerca las vidas de jóvenes delincuentes que tienen la oportunidad de redimirse. Se trata de una producción en la que está profundamente involucrado Dwayne Johnson, quien es retratado en la pantalla.

La producción sigue a jóvenes detenidos que participan en el programa de rehabilitación “Miami-Dade County Corrections & Rehabilitation Boot Camp Program” en busca de una segunda oportunidad: la de negociar el cambio de un largo periodo de detención por un recomienzo.

Este documental muestra la intimidad de las vidas de los detenidos durante un severo campamento de 16 semanas, donde instructores los llevan al límite. Los que logran terminar el programa pueden convertirse en miembros productivos de la sociedad y son sustancialmente menos propensos a volver a prisión.

Entre los participantes el índice de reincidencia es de menos del 15 por ciento, mientras que el índice nacional de reincidencia de detenidos es de aproximadamente el 70%.

Al abordar las crueldades de la guerra, la importancia de dar una segunda oportunidad a la juventud y los efectos nocivos del abuso de bebidas alcohólicas, estos documentales originales de HBO revelan verdades que necesitan ser oídas, con la esperanza de inspirar a otras personas a actuar y a enfrentar realidades de la sociedad actual. (NTX)

‘Wonder Woman’ es un éxito que Hollywood no puede ignorar 

Batman es el superhéroe con la señal de luz, pero la Mujer Maravilla envió una señal tan grande el pasado fin de semana que Hollywood no la puede ignorar.

“Wonder Woman” (“Mujer Maravilla”), dirigida por Patty Jenkins, recaudó 103,3 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá en su primer fin de semana, superando por mucho las estimaciones de la industria y marcando un nuevo récord para una película dirigida por una mujer. También superó a todas las cintas protagonizadas por superheroínas juntas, aunque no son muchas y no ha habido ninguna otra en 12 años.

Las reseñas positivas (93% en Rotten Tomatoes) y el boca a boca (una calificación de A en CinemaScore) han hecho que la película sea obligatoria. La Mujer Maravilla, esa princesa guerrera amazona que estuvo por última vez en la cumbre en la década de los 70, dominó el momento con su lazo de la verdad. El lunes Warner Bros. tuvo que aumentar su estimado de ingresos del fin de semana en casi 3 millones de dólares porque el público continuó yendo a verla el domingo.

“Wonder Woman” es un éxito en una industria cinematográfica que pocas veces pone a cineastas mujeres detrás de las cámaras para sus grandes producciones, y no solo es un éxito sino que podría ser uno importante.

Definitivamente dio esa sensación en su primer fin de semana, cuando multitudes de personas acudieron al cine con camisetas que decían “Todos somos Diana” y miles de niñas se disfrazaron de la Mujer Maravilla mientras múltiples estrellas de cine elogiaron el filme como “un agente de cambio”.

“Soy una cineasta que quiere hacer películas exitosas, claro. Quiero que mi película sea celebrada”, dijo Jenkins previo al estreno. “Pero tengo a otra persona dentro de mí que está sentada viendo lo que está pasando y que también espera, no por mí, que esta película supere las expectativas, porque quiero ver la señal que eso le enviará al mundo”.

El objetivo de Jenkins pareció cumplirse para el primer fin de semana de “Wonder Woman”, una película de 150 millones de dólares con toda una campaña publicitara detrás que pasó una década en desarrollo antes de llegar, finalmente y decenas de superhéroes después, a la gran pantalla.

“Wonder Woman” no superó los estrenos de otras adaptaciones de DC Comics: las muy criticadas “Batman v. Superman” y “Suicide Squad”. Pero a diferencia de esas películas, es tan buena que podría seguir teniendo resultados positivos en las próximas semanas.

“El impulso está con nosotros en todas las formas posibles”, dijo el jefe de distribución de Warner Bros. Jeff Goldstein.

Ese no era el caso antes del fin de semana. “Wonder Woman” llegó a la pantalla inmediatamente después de cintas decepcionantes de DC Comics y de una taquilla de principios de verano poco lustrosa, excepto por “Los Guardianes de la Galaxia Vol. 2”.

Pero lo más importante, Jenkins y “Wonder Woman” rompieron una barrera hasta ahora insuperable en Hollywood como una rareza: un éxito de taquilla veraniego dirigido por una mujer. “Quizás esto despierte conciencia de que las directoras son una fuerza con la que lidiar”, dijo Paul Dergarabedian, analista de medios senior para comScore.

Eso ha sido especialmente difícil de obviar este verano. Sofia Coppola, cuya cinta de próximo estreno “The Beguiled” presenta la misma historia de 1971 de Don Siegel y Clint Eastwood pero desde una perspectiva femenina, se convirtió la semana pasada en apenas la segunda mujer que se alza con el premio a la mejor dirección en el Festival de Cine de Cannes.

“Trato de seguir trabajando y tengo un punto de vista femenino que aprovecho”, dijo Coppola recientemente. “No quiero hablar tanto de política. Siento que ese no es mi papel. Pero estoy feliz de presentar mi trabajo”.

Jessica Chastain, quien fue miembro del jurado en Cannes, también recibió un efusivo aplauso por cuestionar la calidad de los personajes femeninos vistos en el festival. Su compañera del jurado Maren Ade, la directora alemana de “Toni Erdmann”, se refirió a la escasez de mujeres cineastas.

“Después pasar un tiempo siempre rodeada de hombres haciendo este trabajo, a una le da la impresión de que este quizás no es un buen trabajo para una mujer”, dijo Ade. “Creo que eso es completamente errado y pienso que necesitamos que muchas más mujeres hagan cine. Todos queremos que la industria del cine refleje a la sociedad moderna”.

Con sus películas de acción y basadas en libros de historietas, el verano ha sido por años la temporada que más atrae al género masculino, donde una versión con mujeres de Ghostbusters es suficiente para desatar una tempestuosa guerra cultural. Pero Jenkins y Coppola tienen compañía este año.

La próxima semana Lucia Aniello, guionista y directora de “Broad City”, estrenará su comedia de solteras “Rough Night”. Y en agosto Kathryn Bigelow volverá con el thriller “Detroit”, sobre los disturbios en esa ciudad. El verano se perfila como uno atípicamente duro para la misoginia en los multicines.

Sin embargo, investigadores que han pasado años graficando la falta de progreso para las directoras en Hollywood no creen que haya grandes cambios.

“Casos de alto perfil, como los de Kathryn Bigelow y Patty Jenkins, pueden sesgar dramáticamente nuestra percepción de cómo les está yendo a las mujeres realmente como directoras”, dijo la profesora de la Universidad Estatal de San Diego Martha M. Lauzen, directora ejecutiva del Centro para el Estudio de las Mujeres en la Televisión y el Cine.

“Aunque su éxito es alentador, es importante tomar en cuenta el panorama general y seguir contando el número de mujeres que trabajan en la pantalla y detrás de las cámaras para poder tener una conversación sobre la representación y el empleo de mujeres fundamentada en una realidad verificable”.

Según un estudio reciente del centro, las mujeres representaron el 7% de los directores de las 250 películas más lucrativas de 2016 en Estados Unidos. El porcentaje en 1998 fue de 9%. (AP)

“Fear the walking dead”, un retrato de la esencia de la humanidad


La tercera temporada de la serie “Fear the walking dead” no se centra en los zombies, sino en la esencia de la humanidad.

De acuerdo con la actriz Alycia Debnam-Carey, la trama presentará qué haría la gente si hubiera un apocalipsis, cómo sobreviviría y también dónde estaría la lógica de la cuestión moral.

“Los televidentes podrán ver cuáles son las cosas características importantes que necesitamos como ser humano, como la verdad, la razón, la ética, la naturaleza”, explicó la australiana.

Para ella lo magnífico de esta tercera etapa del “spin off” es que habrá bastantes personajes nuevos; que reunificará a la familia, y en la que todos podrán interactuar, a diferencia de la entrega dos y demostrarán sus habilidades de lucha.

Comentó que durante las grabaciones aprendió mucho y consideró un gran desafío sacar adelante este proyecto, en el que hay actores -que describió como magníficos- con quienes le gustó trabajar todos los días.

“Profesionalmente estar en este ambiente donde son culturas diferentes ha sido una experiencia grande; agradezco poder aprovechar todo lo que pueda y ver hacia dónde nos lleva esto”, puntualizó.

Un gran abanico de desafíos hay en esta teleserie, que se estrenará el próximo domingo por el canal AMC, pues dijo que hubo escenas difíciles que al mismo tiempo fueron pesadas y emotivas para su personaje.

“Se manejan muchos temas abrumadores, tenemos un sistema muy bueno de soporte, apoyo maravilloso, poder trabajar juntos, gracias a eso todo se facilita”.

Aseveró que en la historia se desarrollará acción y los personajes tendrán momentos de solidaridad que los convertirá en líderes y guerreros.

Respecto a su participación, detalló que en la primera temporada era una jovencita que tenía planes para el futuro, que deseaba salirse de Los Ángeles para hacer su vida; en la segunda se muestra cómo se colapsa la sociedad, lo cual le afectó para aprender de la historia de su familia.

“En la tercera emerge como mujer y sale de las sombras de la vida y empieza a empoderarse”, concluyó. (NTX)

Carrera lleva “Ana y Bruno” al Festival de Annecy en Francia

Carlos Carrera, el director mexicano de “El crimen del padre Amaro” y “La mujer de Benjamín”, debutará en el cine animado con la cinta “Ana y Bruno” en el Festival de Annecy en Francia.

“Siempre me ha gustado la animación. De hecho, entré al cine queriendo hacer animación, cortometrajes”, dijo Carrera en una en entrevista telefónica con The Associated Press. “Finalmente se dio la oportunidad con la nueva tecnología de hacer un largometraje y ya estoy trabajando en mi segundo largometraje de animación”.

En 1994, Carrera ganó la Palma de Oro en Cannes con el cortometraje animado “El héroe”. Ahora lleva a Annecy “Ana y Bruno”, la historia de una niña que se hace amiga de unos seres imaginarios que viven en un hospital psiquiátrico. Pese a la premisa sombría, es una película apta para toda la familia.

“Siempre me han gustado las historias que al final son luminosas pero que pasan por un territorio rudo”, dijo el realizador. “El tratamiento que le dimos a la historia equilibra bastante la luz y la oscuridad”.

El equipo de artistas y los fondos con los que se realizó la cinta son mexicanos.

“Lo único triste es que ya se fueron a trabajar a otros países muchos de ellos”, dijo Carrera sobre los artistas que emigraron ante las pocas oportunidades para hacer animación en México.

Carrera empezó a hacer la película en el 2010, pero por la falta de fondos el proyecto se prolongó hasta marzo de 2016. Una vez completado tuvo que esperar para encontrar el foro idóneo para estrenarla. La cinta está realizada en formato de animación 3D.

“La técnica que usamos es complicada. En otros países habría costado cuatro o cinco veces más”, dijo el director, quien trató de darles un acabado especial a los personajes para que tuvieran un aspecto más rústico que, además de evitar que se elevaran los costos, les daba carácter. La cinta costó unos 100 millones de pesos (5,3 millones de dólares).

“Nos alejamos del acabado hiperfotorrealista y se ve el trabajo de las texturas, lo rayones, las manchitas de pintura”, explicó.

El Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, uno de los más prestigiados de este género, se celebrará del 12 al 17 de junio. La película de Carrera se presentará fuera de competencia junto con producciones de países como Estados Unidos, Alemania, Japón, España, Corea del Sur, Noruega, además de la venezolana “Pequeños Héroes” de Joan Pablo Buscarini, sobre tres niños que ayudan a Simón Bolívar a vencer a su enemigo.

“Para mí todas las películas son cine para contar historias humanas, historias que emocionen, no hay diferencia entre géneros. Una película buena puede ser documental, puede ser animación, puede ser ficción”, dijo Carrera. “La animación te permite tener más libertad de imaginación. Ahí sí puedes poner directamente lo que se te ocurra en la cabeza sin pasar por la producción”.

El director, galardonado con siete premios Ariel del cine mexicano, adelantó que su próxima cinta animada trata de un niño muy pobre en un mundo donde la gente tiene que pagar por tener alma. Próximamente también estrenará en el servicio de streaming Blim la serie “Dogma”, sobre dos investigadores que resuelven casos en los que ocurren aparentes milagros. (AP)






‘Un monstruo viene a verme’ nominada a Premios Platino


‘Un monstruo viene a verme’, del director español J.A. Bayona, es la película más nominada para los Premios Platino.

La cinta hablada en inglés, sobre un niño que busca ayuda de un monstruo ante la enfermedad terminal de su madre, consiguió el miércoles siete menciones, incluyendo las categorías de dirección, dirección de fotografía, dirección de arte y cine y educación en valores.

“Neruda” del chileno Pablo Larraín, se enfoca en el poeta galardonado con el Premio Nobel, Pablo Neruda, y la sigue con cinco menciones incluyendo las categorías de mejor película iberoamericana de ficción, dirección, interpretación masculina para Luis Gnecco, quien da vida al poeta, guion y música original.

La película brasileña “Aquarius”, de Kleber Mendonça Filho; la coproducción argentino-española “El Ciudadano Ilustre”, de Gastón Duprat y Mariano Cohn; la cinta española “El Hombre de las mil caras”, de Alberto Rodríguez y “Julieta”, del director español Pedro Almodóvar, completan la categoría de mejor película iberoamericana.

Entre las cintas nominadas, anunciadas en el Hotel Beverly Hilton de Los Ángeles, también destacan “Desde allá”, de Lorenzo Vigas y “La delgada línea amarilla”, de Celso García, con cuatro menciones.

El actor chileno Alfredo Castro de “Desde allá”, el mexicano Damián Alcázar, de “La delgada línea amarilla”, el español Eduard Fernández, de “El hombre de las mil caras”, y el argentino Óscar Martínez, de “El Ciudadano Ilustre” se medirán con Gnecco en la categoría de mejor interpretación masculina.

La colombiana Angie Cepeda de “La semilla del silencio”, la española Emma Suárez de “Julieta”, la colombiana Juana Acosta de “Anna”, la uruguaya Natalia Oreiro de “Gilda, no me arrepiento de este amor” y la brasileña Sonia Braga de “Aquarius” son las nominadas a la mejor interpretación femenina

Los nominados fueron elegidos por más de 80 expertos internacionales. En la presente edición de los premios están representados 11 países de la región en 42 producciones finalistas. Un jurado internacional y cineastas de las ediciones anteriores de los Premios Platino, que en conjunto suman más de 700 personas, decidirán quiénes serán los ganadores.

La cuarta edición de los Premios Platino del Cine Iberoamericano se celebrará el 22 de julio en una ceremonia transmitida en vivo por TNT para Latinoamérica desde la Caja Mágica de Madrid.

Este año los premios estrenan la categoría de mejor miniserie o teleserie cinematográfica iberoamericana. Las nominadas son “Bala Loca” de Gabriel Díaz y Oscar Godoy (Chile); “Cuatro estaciones en La Habana” de Félix Viscarret (Cuba, España); “El Marginal” de Luis Ortega, Mariano Ardanaz, Javier Pérez y Alejandro Ciancio (Argentina); “El Ministerio del Tiempo” de Marc Vigil, Abigail Schaaff, Jorge Dorado, Paco Plaza y Javier Ruiz Caldera. (España); “La Niña” de Rodrigo Triana y Camilo Vega (Colombia), y “Velvet” de David Pinillos y Manuel Gómez Pereira (España).

Los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano son promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales). (AP)