Crean Premios “Quirino” de cine de animación iberoamericano

Representantes de festivales y de la industria del cine de animación iberoamericanos anunciaron hoy aquí la creación de los premios “Quirino”, que recompensarán a partir del próximo año a las mejores películas y cortometrajes animados de la región, España y Portugal.

El puerto español de Tenerife, en las islas Canarias, acogerá el próximo año la primera edición de los Premios que serán entregados en una fecha aún por precisar durante el primer semestre de 2018.

El anuncio fue realizado este jueves en la ciudad de Annecy, este de Francia, durante la celebración de la 41 edición del festival internacional de cine de animación, el más importante del mundo.

El grupo de fundadores de los premios explicó que los principales objetivos de los galardones son “poner en valor el talento y la industria de la animación iberoamericana; generar lazos y redes entre ambos lados del océano y construir un mercado iberoamericano de la animación donde circulen las obras audiovisuales”.

También se persigue “premiar la animación en todos sus formatos, largometrajes, cortos, piezas de escuela, series, series on line y generar un foro de coproducción iberoamericano en paralelo a los premios”, explicaron las fuentes.

Los trofeos llevan el hombre de Quirino en honor al creador del primer largometraje de animación de la historia, Quirino Cristiani, quien en 1917 dirigió “El Apóstol”, una producción argentina en donde se utilizaron 58 mil dibujos en 35 milímetros.

“De su trabajo se hizo eco incluso el gigante Disney, que viajó a Argentina en 1941 con el motivo del estreno de Fantasía. Es por esto que los Premios Quirino rinden homenaje al talento y la creatividad iberoamericana”, precisaron los fundadores de los premios en un boletín informativo.

La gala de entrega de premios “reunirá a representantes de la floreciente industria latinoamericana junto con la de Portugal, Andorra y España creando un puente entre ambos continentes y construyendo un verdadero hermanamiento para desarrollar juntos el gran mercado que es Iberoamérica”, destacaron las fuentes.

Los Premios Quirino cuentan con el patrocinio principal de Turismo de Tenerife y la colaboración de algunos de los principales eventos internacionales de animación que se celebran en el panorama iberoamericano como son El Festival de Animación, Videojuegos y Cómics de Cuernavaca (México).

También están apoyados por la firma 3D Wire, el Mercado Internacional de Animación, Videojuegos y New Media (Segovia, España) y numerosos profesionales de la animación iberoamericana. 

Habrá segunda temporada de ’13 reasons why’

La segunda temporada de la serie “13 reasons why” se empezó a filmar esta semana con varios de los actores que integrarán ese proyecto, incluida la actriz australiana Katherine Langford, quien da vida al personaje “Hannah Baker”.

Existían dudas si ese personaje, que protagonizó la primera temporada, seguiría en la secuela, pues ya se acabaron las cintas que dejó en las que narraba la problemática de la trama.

Sin embargo fue la misma artista quien confirmó su participación en esa serie original en la plataforma Netflix, en la que también participan Dylan Minnette, Alisha Boe y Ross Butler, entre otros actores.

Con un mensaje en inglés “Temporada dos, regreso en sus zapatos”, en su cuenta oficial de Snapchat, acompañada de una imagen, anunció la noticia a todos sus seguidores.

En tanto el actor estadunidense Christian Navarro agradeció a todas las personas que desearon buena suerte para el arranque de ese programa.

“Listo para hacer magia, el día uno estuvo genial, haremos nuestro mayor esfuerzo para mostrar algo que nos haga sentir orgullosos”, puntualizó, de acuerdo con el portal del canal MTV en Latinoamérica.

Ese show se basa en el libro homónimo en español “Por trece razones”, escrito por Jay Asher, que trata sobre las consecuencias cuando una joven se suicida en su casa, pero para esto dejó 13 cassettes detallando los motivos que la llevaron a su decisión.

Wong Kar-wai, Premio Lumiere

El cineasta chino Wong Kar-wai recibirá el prestigiado Premio Lumiere de este año a toda una carrera cinematográfica, dio a conocer el Instituto Lumiere de Lyon que concede el galardón.

El premio le será entregado durante una ceremonia que tendrá lugar durante el festival Lumiere de la ciudad de Lyon, este de Francia, que se celebrará entre el 14 y el 22 de octubre de este año.

El Instituto Lumiere, que lleva el nombre de los hermanos creadores del cinematógrafo, explicó que concedió el premio al cineasta chino por “sus películas inclasificables llenas de belleza, así como por la huella que deja en la historia del cine y por lo que su obra tiene de espléndido e inacabado”.

“Es un gran honor para mi ser el receptor de este premio y un gran orgullo unirse a los que ya ha premiado, pertenecer de una cierta manera a este instituto inspirado por los fundadores del cine”, declaró el director de cine chino.

El cineasta originario de Hong Kong ha realizado diez largometrajes en sus 25 años de carrera, entre ellos “In the mood for love” (2000), una de sus películas más admiradas.

Wong Kar wai sucederá en el palmarés del premio Lumiére a la “mítica” actriz francesa Catherine Deneuve, quien recibió el año pasado el premio Lumiére por su “larga y gran” trayectoria de 60 años y más de cien películas.

Desde 2009 en que fue fundado el premio y el festival Lumiére el trofeo fue recibido por Clint Eastwood Prix Lumière, Quentin Tarantino, Pedro Almodóvar y Martin Scorsese, entre otras grandes figuras de la cinematografía mundial. (NTX)

‘Las hijas de Abril’ se estrena el próximo 23 de junio, luego de ganar premio en Cannes

Para el cineasta Michel Franco, es invaluable el apoyo que cineastas como Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu y Guillermo del Toro, entre otros, le brindaron en la reciente edición del Festival de Cine de Cannes, donde obtuvo el Premio del Jurado por su película “Las hijas de Abril”.

En charla con los medios a propósito del estreno del filme, el próximo 23 de junio, Franco compartió que encontró en ellos “demasiada buena onda. Al primero que vi fue a Cuarón. Yo estaba tomando un café y de repente un tipo muy entusiasta que en un principio no reconocí porque traía lentes y lucia muy delgado (Alfonso), me dijo: Cómo estás Michel, cómo vas, cómo te sientes, necesitas algo.

“Abiertamente había mucho orgullo de parte de ellos y de Diego (Luna), Gael (Garcia), Salma (Hayek) y muchos otros que no salen en esa borrachera de mariachi”, agregó con gran emoción esta tarde, en compañía de su elenco principal Emma Suárez, Ana Valeria Becerril, Enrique Arrizon y Joanna Larequi.

De acuerdo con el también director de “El último paciente” y “Después de Lucía”, “había esa sensación de amistad de parte de los colegas mexicanos que querían que a la película le fuera bien”.

Sostuvo que para su fortuna Cannes estaba de manteles largo y festejaba su 70 aniversario, por lo que estaban convocados Cuarón, Iñárritu y Del Toro, quienes “me daban consejos, cada uno completamente diferentes.

“Unos se sorprendían de que les dijera que estaba muy nervioso, otros me decían que era normal. Cada director tiene su personalidad y así eran sus consejos”, agregó Franco, quien descartaba la posibilidad de obtener un galardón dado que las estadísticas dicen que ganarse un tercer premio consecutivamente era imposible.

Tras mencionar que la recepción de la película fue muy buena en Cannes, mencionó que continuará haciendo cintas en México, aunque adelantó que su siguiente proyecto lo filmará en Estados Unidos.

“Me encantaría enormemente trabajar con los mexicanos porque insisto quiero seguir haciendo películas aquí en México pero cuando sale el chance de poder trabajar con Uma Thurman, porque le encanta la película y sobre todo el trabajo de Emma Suárez, claro que también es interesante filmar una película con ella o traerlos aquí y combinar”, señaló.

“Las hijas de Abril”, que llega al circuito comercial de México luego de su estreno en Cannes, narra la historia de “Valeria”, una joven de 17 años que luego de dar a luz a una niña, se ve envuelta en una serie de dramas provocados por su propia madre, “Abril”, una mujer que no asume el paso de los años y se comporta como una “veinteañera”. (NTX)

“El papel del cine es hablar de política”: Costa-Gavras

Galardonado con el Premio Luis Buñuel del Festival Internacional de Cine de Huesca, el director franco-griego Costa-Gavras afirmó que sus películas nacen de ver las cosas que le dan una profunda emoción.

“Con cada película hago un espectáculo, no un discurso político ni académico, un espectáculo parecido a los del teatro griego, que mostraba muy bien los problemas de la sociedad”, apuntó.

Konstantinos Gavras, conocido como Costa-Gavras, subrayó que todas las películas son políticas ya que hablan de la sociedad y eso de uno u otro modo eso es hablar de política, “y el papel del cine es ese”.

“Ese espectáculo debe despertar emociones, la risa, llorar, odiar, y con esas emociones continuamos nuestra vida o no hacemos nada”, dijo en rueda de prensa acompañado por el cineasta español Alex de la Iglesia, también galardonado con el Premio Luis Buñuel.

Para Gavras, autor de películas reconocidas como “Desaparecido”, filmada en México; “Z”; “Estado de sitio”; o “Amén”, cada película que ha hecho, al menos 22, “es la película de mi vida”.

Aseguró que “ahora estoy escribiendo la película de mi vida que quiero hacer, pues las películas son como los hijos que tenemos, algunos tienen una vida fácil, cómoda, pero otros la tienen difícil”.

“Hay películas que tienen un papel importante en la vida de un director, pero esto no se puede programar. Se hace la película y luego pasa lo que pasa”, comentó.

Al ser cuestionado sobre si es cierto que alguna vez le ofrecieron dirigir “El Padrino”, aseguró que sí, “pero leí el libro y era muy malo. Francis Ford Coppola hizo una película extraordinaria que no tiene que ver con el libro”, dijo.

Al recordar “Desaparecido”, rodada en México, protagonizada por Jack Lemmon y Sissy Spacek, sobre las desapariciones durante la dictadura de Augusto Pinochet en Chile, resaltó que la relación con Lemmon fue perfecta.

“Yo di el guión a Lemmon y me llamó tres días después, cuando uno generalmente espera 15 días, un mes; me dijo: basta! tu dices, yo hago. Fue una relación extraordinaria, ha habido una relación con otros actores muy buena, pero la relación con Jack fue perfecta”, afirmó.

Para el cineasta, los actores son los verdaderos colaboradores del director, no así el director de fotografía, no el escenógrafo. “Podemos elegir un actor que no es bueno y se destruye la historia”, acotó.

De la Iglesia manifestó su satisfacción de recoger el Premio Luis Buñuel de la 45 edición del Festival Internacional de Cine de Huesca y de poder conocer a Gavras, “el maestro, referencia importantísima”.

“Este señor representa un tipo de cine único, un cine que quizás nos va a costar muchísimo imitar e igual es imposible de conseguir”, dijo.

“Va a ser difícil volver a repetir el modelo de pensamiento y trabajo de la cinematografía de Costa, conocido como el director político. Otros se entretienen, pero él nos explica cómo es el mundo, es algo que ya no ocurre, no lo tenemos en las pantallas que pueblan nuestras pantallas”, expresó.

“Gracias al hecho de ser un pequeño bufón es que estoy aquí”, bromeó y manifestó sentirse abrumado, de estar frente a Costa Gavras cuyo trabajo es espectacular, importante, a la hora de entender lo que ocurre en el mundo. (NTX)

‘Pequeños héroes’, un film que se desmarca del cine de Hollywood

El cineasta argentino Juan Pablo Buscarini se enfrentó al reto de contar la vida de Simón Bolívar en el primer filme latinoamericano de animación que apuesta por la técnica de la captura de movimiento y que, dijo en una entrevista, tiene la intención de “desmarcarse del cine Hollywood”.

‘Pequeños héroes’ nació en 2009 con la intención de dar un paso de gigante para la animación latinoamericana y de contar la historia épica de Bolívar (1783-1830), que lideró la emancipación suramericana frente a España, a través de una técnica jamás utilizada en el cine infantil del continente.

Se trata la captura de movimiento, un proceso que permite capturar los movimientos de los actores gracias a un traje especial compuesto de sensores que rastrean todas sus expresiones, dando vida a personajes digitales altamente realistas.

Tras cosechar un Goya por la producción argentino-española “El Ratón Pérez”, este director de seis largometrajes se enamoró inmediatamente de la ambición técnica del proyecto, rodado en 3D y que se presentó fuera de competición en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, el más importante del mundo en su género.

Con tintes del género de aventuras, tres niños huérfanos -una mestiza, un esclavo y un hijo de herreros- descubren unos planos de importancia capital para la gesta de Bolívar y emprenden un viaje para encontrar y ayudar al militar venezolano a completar su lucha por la independencia de las Américas.

En opinión de Buscarini, el filme “se sale de los cánones” del cine infantil, dominado por los estudios norteamericanos.

“Desmarcarse del cine de Hollywood no es una pretensión, ni un esnobismo, sino una obligación. Querer imitar lo que hacen con menos presupuesto y quedarse en una copia a medio camino no seria sensato. Por eso estamos condenados a diferenciarnos”, afirmó.

“Latinoamérica tenía que empezar por hacer una película de animación así. Si queremos explicar una causa noble y potente para todo el continente suramericano ¿qué mejor que contar la vida y hazañas de Simón Bolívar?”, sostuvo.

El Libertador, como se le conoce popularmente, genera además simpatías en toda América Latina, un continente que el venezolano soñó unido como si fuera un único país, recordó.

Sin embargo, ni el cineasta, ni el guionista Enrique Cortés tuvieron en ningún momento la intención de filmar “una película patriótica”, y, por ello, la historia se centra en las peripecias de Arturo, Pilar y Tico, los tres niños huérfanos.

“Las películas con mensaje (nacionalista) no funcionan entre el público infantil”, reconoció el cineasta, que instó a ver leer esta producción “al estilo de un filme de Indiana Jones”.

Reconoce que es difícil al acercarse a una “figura épica” como la de Bolívar, del mismo modo que sería complicado abordar la vida de otras figuras de la historia universal como Napoleón o Alejandro Magno.

“Tanto bronce, tanta estatua, tanto mausoleo… Llega un momento en que dudas, ¿cómo vas a hacer que hable con un niño?”, reflexionó Buscarini, quien dejó claro que, pese al tono épico de algunos momentos, la película huye de la veneración nacionalista.

La emoción y la voz “firme pero cálida” del doblador de Bolívar, el actor Simón Pestana, fue clave para evitar que el Libertador “hablara en todo momento como si estuviese dando un discurso y conseguir, así, un personaje de carne y huesos que despertara cierto afecto entre los más pequeños”.

Asimismo, con la intención de apostar por un doblaje muy natural, los encargados de poner voz a los protagonistas fueron tres niños de edades similares a sus ‘alter ego’ en la pantalla, una práctica poco habitual en las producciones audiovisuales infantiles.

El filme, que se estrenará en salas a finales de julio, ha sido posible gracias a la financiación y el apoyo de la Villa del Cine, el complejo cinematográfico patrocinado por el Gobierno de Venezuela, que dio un nuevo impulso al proyecto en 2014, cuando este estaba estancado.

“Tras su entrada, no hubo ningún cambio sobre la idea original”, aseguró Buscarini. (EFE)

‘Ana y Bruno’ se estrena con éxito en ‘el Cannes’ de la animación

La película ‘Ana y Bruno’, dirigida por el mexicano Carlos Carrera, el largometraje más “ambicioso” de la historia del cine de animación mexicano, se estrenó con éxito en la 41 edición del Festival Internacional de Cine de Annecy, considerado “el Cannes” de la animación.

Tras 11 años de trabajo, y luego que la filmación estuvo detenida por dos años debido a dificultades de financiamiento, la película logró terminarse y fue estrenada a nivel mundial la noche del martes en la sección oficial del festival, pero fuera de competencia, en el cine Pathé de Annecy.

El público internacional y especializado que acudió a la proyección aplaudió y planteó numerosas preguntas sobre el primer largometraje de animación en trecera dimensión (3D) estereoscópica, realizado por el director del corto “El héroe”, Palma de Oro en Cannes, y de la película “El crimen del padre Amaro”.

“Ana y Bruno” comenzó con la idea de ayudar a la animación mexicana, “estamos felices de estrenar aquí, es un honor. Las reacciones del público han sido maravillosas, los comentarios que hemos recibido son increíbles” declaró el productor de la película, Pablo Baksht Segovia.

Baksht Segovia afirmó que Carrera, quien no pudo asistir al estreno, “está triste por no haber venido, pero muy ilusionado y muy contento de que nos hayan seleccionado acá”.

“Estos festivales nos ayudan mucho y este nos está ayudando a cerrar los tratos de distribución en los que estamos trabajando”, destacó.

“La verdad estuvo increíble el recibimiento. Annecy es el mejor lugar para estrenar una película de animación y el público estuvo fenomenal y los comentarios de gente de muchos países que decían que les encantó la historia y que era algo diferente”, declaró el director de arte de la película, Marec Fritzinger.

La película, de una hora y 35 minutos de duración y que gira en torno a la vivencia de un duelo, cuenta la historia de una niña que escapa de un hospital psiquiátrico con la ayuda de los seres imaginarios que ven los pacientes.

“Ana y Bruno” es “universal y a la vez mexicana”, y destaca por su guión, su humor, diferente, su imagen y su calidad técnica.

Según Marec Fritzinger, la imagen tuvo muchos referentes visuales y sus creadores se inspiraron en genios de la pintura para crear el ambiente y la iluminación, así como en filmes clásicos como “Macario”, entre otras fuentes.

Algunas de las voces protagonistas de los alrededor de 80 personajes que aparecen en la historia ambientada a mitad del siglo XX, fueron interpretadas por los reconocidos actores Damián Alcázar, Marina de Tavira y Héctor Bonilla, entre otros.

“Ana y Bruno”, que tuvo uno de los mayores presupuestos de la historia del cine mexicano de animación, no tiene fecha de estreno en México, en donde se espera que sea proyectada en próximos festivales de cine como el de Morelia, si las fechas de estreno lo permiten, precisó Pablo Baksht.

De acuerdo con el experto José Iñesta, ‘Ana y Bruno’ es el mejor largometraje de la historia del género de animación en México.

“Es mi punto de vista pero, honestamente, creo que la película es el mejor largometraje de este tipo que ha hecho México”, declaró en Annecy, el director del principal festival mexicano de cine animación, “Pixelatl”, José Iñesta.

“No quiero demeritar ningún otro tipo de proyecto porque todos son un reto, pero Ana y Bruno tiene esta calidad artística, esa estética diferente, que desde mi punto de vista la hace el mejor largometraje mexicano que se haya producido”, reiteró el director del festival Pixelatl, que se celebra cada año en Cuernavaca, Morelos.

“Sé que tardó muchísimos años en realizarse, que era más ambiciosa al principio de como terminó, pero aún así tiene una estética diferente, tonos mexicanos y un humor también diferente que la pueden convertir en una muy buena representante de México”, concluyó José Iñesta, referencia del sector en México.

La película, dirigida por el cineasta mexicano Carlos Carrera, es el largometraje más “ambicioso” y el más costoso de la historia del cine de animación mexicano, que ha disparado en los últimos años su producción anual de dos hasta veinte largometrajes al año actualmente. (NTX)

“No hay que hacer lo que quieren sino lo que quieres”: Del Toro en #annecyfestival


El cineasta mexicano Guillermo del Toro ejerció hoy aquí de “padrino” del primer campus sobre cine de animación del principal festival de cine animado del mundo, los encuentros cinematográficos de Annecy.

El director tapatío ofreció la primera clase magistral del recién inaugurado “MIFA Campus”, un nuevo espacio del mayor mercado mundial de películas de animación cuya edición de este año fue inaugurada este martes paralelamente al festival de cine de Annecy, al este de Francia.

En la plática, que se celebró con un auditorio lleno de público compuesto sobre todo por jóvenes talentos de la animación cinematográfica mundial, Del Toro reflexionó sobre la rapidez de la evolución del mundo del cine y de la imagen en general y afirmó que sus películas cada vez tienen más secuencias de animación.

“Con la animación puedes expresar muchas emociones, de una manera distinta que con otros medios”, comentó el director de “El laberinto del fauno”, quien participa por segundo año consecutivo en el festival de Annecy.

El certamen nombró al cineasta mexicano como “padrino” de la primera edición de su campus que tiene por objetivo “desarrollar el conocimiento de la industria de la animación y facilitar el encuentro de los más grandes artistas, fuentes de inspiración y de energía”.

En la plática, de más de hora y media de duración y celebrada bajo un intenso calor, Del Toro animó a los estudiantes y nuevos talentos del género de la animación a ser innovadores, a confiar en sí mismos y en sus proyectos y a ser originales.

“No hay que hacer lo que quieren sino lo que quieres. La mejor manera para ser animador es querer serlo”, declaró Del Toro entre otros comentarios de ánimo a los nuevos realizadores.

El director de cine habló también acerca de su larga experiencia cinematográfica, y sobre el cambio de narrativas que representa la realidad virtual y elogió el trabajo de Alfonso Cuarón y de Alejandro González Iñárritu con los que explicó que reflexionaba sobre el futuro del cine.

Desde su llegada a Annecy Del Toro se ha reunido con numerosos estudiantes, entre otros alumnos de la célebre escuela parisina de Gobelins, considerada la mejor del mundo de cine de animación.

A la “masterclass” del director también asistió buena parte de la cifra récord de 25 mexicanos del sector del cine de animación que participan este año en el certamen galo, entre ellos varios directores premiados en certámenes internacionales.  (NTX)

Recibirán Alex de la Iglesia y Costa-Gavras premio Luis Buñuel en Huesca

El director franco-griego, Konstantinos Gavras, conocido como Costa-Gavras, y el realizador español Alex de la Iglesia recibirán mañana los Premio “Luis Buñuel” de la 45 edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, noreste español.

El certamen celebra su edición 45 con estos dos homenajes que buscan reflejar su doble vocación nacional e internacional, potenciando a su vez el cortometraje como esencia del mismo.

La directora del festival, Azucena Garanto, señaló que “contar con dos de los nombres más importantes de la historia del séptimo arte, ambos provenientes del mundo del cortometraje, es un acontecimiento único que muestra una vez más el peso y la historia del festival”.

Ambos realizadores se han erigido como grandes referentes del cine mundial con un lenguaje y una forma de expresión muy personal que han conseguido plasmar en la pantalla y transmitir al espectador.

La obra de Costa-Gavras está marcada por el cine de denuncia social y política; las desapariciones durante la dictadura de Augusto Pinochet en Chile en “Desaparecido”, la complicidad entre la CIA y la dictadura cívico-militar en Uruguay entre el 1973 y el 1985, en “Estado de sitio”; o las torturas del estalinismo en “La Confesión”, son algunos ejemplos.

Por su parte, Alex de la Iglesia es uno de los nombres más internacionales del cine español, cuenta con un lenguaje visual potente y barroco, donde la cultura popular, el esperpento y la parodia le han permitido crear un imaginario totalmente propio.
Muestra clara de ello son títulos icónicos como “El día de la bestia”, “La Comunidad” o “Las brujas de Zugarramurdi”.

Ambos cineastas, cuyas filmografías acaparan innumerables premios y reconocimientos de los principales festivales y galardones a nivel mundial, recibirán mañana el galardón en el Teatro Olimpia de esta ciudad aragonesa.

Los nombres de Costa-Gavras y Alex de la Iglesia se unen así a un largo listado de premiados donde se encuentran iconos como José Luis Borau, Stephen Frears, Bertrand Tavernier, Carlos Saura, Aki Kaurismaki, los hermanos Vittorio y Apolo Taviani, Angela Molina o el pasado año Jean Claude Carrière, doble premio Oscar y guionista del propio Buñuel que a su vez ha trabajado con el propio Gavras.

El pasado día 9, en el marco de la inauguración del certamen, la actriz y directora española Leticia Dolera recibió el Premio Ciudad de Huesca que otorga el festival.
Dolera reivindicó la necesidad de que se cuenten más historias desde el punto de vista de las mujeres.
Inmersa en la escritura de lo que será su segundo largometraje, después de “Requisitos para ser una persona normal”, Dolera manifestó su interés por seguir combinando sus tres facetas cinematográficas, absolutamente relacionadas entre sí.

Así mismo, resaltó la importancia de que existan festivales de cine como el de Huesca, que sirven de apoyo a las directoras y directores del futuro. (NTX)

El genio de Van Gogh llega al cine con un filme de animación pintado al óleo

Una bala en el abdomen y otra en el pecho le quitaron la vida Vincent van Gogh, un final trágico que el filme Loving Vincent explica en 65 mil fotogramas pintados al óleo por 125 artistas al estilo del genio holandés, y que ahora compite en la sección oficial del Festival de Animación de Annecy.

Escrita y dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, la película se grabó en un principio con actores y, después, fue pintada al óleo a mano fotograma por fotograma, una técnica jamás utilizada en la historia del cine y que se preestrena en el festival francés.

“Vincent Van Gogh es probablemente el único pintor que en su carrera abordó un espectro tan amplio de temas que son muy personales: su habitación, su bar favorito, su cartero… De hecho si pones los cuadros uno detrás del otro casi crean las viñetas de un guión”, ha explicado Kobiela, que ha dedicado los últimos siete años de su carrera a Loving Vincent.

Los cineastas eligieron como protagonista un personaje real pintado por Van Gogh (1853-1890), el hijo de su cartero llamado Armand Roulin, que se embarca en un viaje al lugar donde murió, Auvers-sur-Oise, para descubrir qué le pasó a aquel pintor loco que había entablado una gran relación con su padre.

“Es extraño que Van Gogh se suicidara justo en el momento en que empezó a tener de éxito, cuando comenzó a recibir el reconocimiento que su obra merecía, e incluso tenía una exposición independiente en París”, ha señalado la directora, que tardó tres años en escribir el guión del filme.

Tras el rodaje con los actores, entre los que figuran caras conocidas como Douglas Booth o Jerome Flynn, un total de 377 pinturas de prueba fueron necesarias para reimaginar los intérpretes como personajes retratados por Van Gogh y, a la vez, de forma que pudieran ser reconocibles para los espectadores.

“Loving Vincent es algo muy valiente en el mundo del cine”, ha apuntado la cineasta polaca, que recordó que, en la última misiva que Van Gogh envió a su hermano, el artista escribió: “Tan solo podemos hablar a través de la pintura”. Eso es precisamente lo que hace la película. (EFE)