“Mis comentarios fueron mal citados; seguiré trabajando”: David Lynch


Veinticinco años después de abandonar sus últimos secretos, la obra maestra de David Lynch regresa para una tercera temporada, anteriormente desconocida, con algunos de los actores originales. Este inesperado regreso al centro del escenario para el agente del FBI Dale Cooper y el misterioso bosque Twin Peaks también ha llevado al cineasta de nuevo a la luz de las estrellas.

Una entrevista mística con el gran hombre.

¿Fue este regreso a Twin Peaks alojado en su subconsciente, como se insinúa en el último episodio, transmitido hace veinticinco años?

Tal vez en mi subconsciente, pero ciertamente no conscientemente. En mi mente, había puesto un punto final final a la serie. Pero siempre creí que nunca dejaría de pensar en Twin Peaks a lo largo de los años, de preguntarme por su argumento y de imaginar lo que podría suceder realmente a sus personajes. La idea de un nuevo proyecto basado en la serie vino a mí hace cinco años.

¿Qué es lo que te hizo querer volver a su laberinto de misterios?

La única manera que puedo explicar este retorno es el amor que tengo por ese universo. De repente, revisar Twin Peaks me pareció lo mejor que pude hacer. Esta tercera temporada coincide casi exactamente con la fecha Laura Palmer hace con Dale Cooper en el último episodio que se emitió. Sé que hay muchas teorías que circulan en Internet sobre un seguimiento planeado hace veinticinco años, pero mi única consideración fue mi amor por el universo de Twin Peaks.

Escribir el guión duró tres años. ¿Cómo lo hicieron usted y Mark Frost?

Nos conocimos ocasionalmente, pero la mayor parte de nuestra colaboración estaba en Skype. Gradualmente creamos dieciocho episodios que, desde nuestro punto de vista, forman una película de dieciocho horas dividida en dieciocho partes. No tuvimos ningún problema en volver al mundo de Twin Peaks. Trabajar en la serie de nuevo fue, para mí, un viaje maravilloso por un camino agradable, de principio a fin.

¿En qué momento se estableció el tono de la trama?

Consideramos el sabor que queríamos dar a esta tercera temporada durante todo el proceso de elaboración. Cada uno de los lugares elegidos para filmar le dio a la serie una atmósfera particular a través de sus detalles, su luz, su acústica y el comportamiento de los individuos que viven allí. Todas estas percepciones produjeron ideas; Lo más importante para nosotros era permanecer fieles a ellos.

¿Qué nuevos elementos narrativos incluye esta nueva temporada?

La narración sigue siendo la misma, pero las herramientas para hacerlo han cambiado. Las primeras dos temporadas fueron filmadas en una película. Esta vez disparamos digitalmente. Así que utilicé todos los medios técnicos disponibles posibles para llevar mis ideas a la vida. En los primeros años del cine, los directores tuvieron que lidiar con ciertas limitaciones técnicas, pero lograron contar sus historias con los medios que tenían disponibles.

¿Podría decir algunas palabras sobre el debate de 35mm / digital?

Digital y 35 mm cada uno tiene sus ventajas y desventajas, pero nada será tan maravilloso como el cine. Dicho esto, el digital está mejorando cada día y su acabado ya se ve muy bien. Permite al director mantener una gran cantidad de control sobre su película.

El elenco reúne a más de 200 actores. ¿No tenías miedo de arruinar la serie?

Hay un riesgo esperando en cada esquina de la calle, pero no debes pensar en eso; Usted tiene que ir donde las ideas le llevan. El mayor desafío que debemos enfrentar siempre como artistas es construir cada pieza de nuestro trabajo de la mejor manera posible y nunca desviarnos de nuestra meta final hasta que lleguemos allí. La trama de esta historia necesitaba un reparto tan grande.

¿Qué tan importante es el largometraje Twin Peaks, Fire Walk with Me, para entender esta secuela?

El público no necesita haber visto las dos temporadas anteriores, o el largometraje, para obtener la nueva trama. Por otro lado, el proceso será más fácil para quienes están familiarizados con ellos, porque tendrán más información para ayudarlos a entender.

¿Qué dice esta nueva temporada de Twin Peaks sobre el hombre que eres hoy?

¡Puedes decirme qué clase de hombre me he convertido después de haberlo visto!

¿Twin Peaks marca realmente el final de su carrera cinematográfica, como anunció?

No. Mis comentarios fueron mal citados. No dije que dejaría de hacer películas, sólo que nadie sabe qué nos depara el futuro.

Entonces, ¿podemos esperar que Laura Palmer y Dale Cooper vuelvan a aparecer en veinticinco años?

Si lo hacen, realmente seré muy viejo; Pero estoy seguro de que ¡seguiré trabajando! (Benoit Pavan)

#Cannes2017: Restauran ‘Belle de jour’, la obra maestra de Buñuel

Filmada principalmente en París, durante la época del gaullismo (1966), la legendaria Belle de Jour fue adaptada de una novela de Joseph Kessel, con el guión escrito por Jean-Claude Carrière.

La obra maestra de Luis Buñuel narra la famosa historia de una mujer burguesa fascinada con la idea de prostituirse, y cuenta con la estrella Catherine Deneuve, que había brillado recientemente en Les Demoiselles de Rochefort. 

Algunas anécdotas del gran éxito masoquista del surrealista español.

Joseph Kessel
Un famoso reportero, Joseph Kessel es una figura emblemática de los años sesenta. Su novela, que tiene lugar en 1923 cuando el surrealismo acaba de emerger, relata los vagabundeos de una mujer burguesa que se prostituye en burdeles. Luis Buñuel tuvo la idea de adaptarlo a los tiempos actuales, sin trajes.

La burguesía

Luis Buñuel procedía de una familia burguesa tradicional. Belle de Jour es una película sobre la burguesía, filmada en una ciudad donde están representadas todas las clases sociales: París. El director de cine plantea la pregunta: ¿Qué es hoy la burguesía en París? Aunque la película se encuentra en un espacio cerrado, el escenario de París también tiene su importancia.

El daylily

La Belle de Jour (daylily) sólo florece durante el día. Séverine Sérizy, la joven burguesa encarnada por Catherine Deneuve, sólo ofrece sus encantos entre las dos y las cinco de la tarde en el burdel de Madame Anaïs. (Redacción)

Asistente poco conocido de Kubrick es saludado en Cannes 


Ningún lugar en la Tierra es más devoto al cine de autor que el Festival de Cine de Cannes. Los directores son alabados con prolongadas ovaciones, mientras las estrellas de cine desfilan bajo una tormenta de flashes por la alfombra roja.

Pero así como el talento conocido es adorado, quienes contribuyen casi en el anonimato suelen ser olvidados. Una película en Cannes, “Filmworker”, rinde homenaje a uno de los colaboradores menos conocidos y más trabajadores de uno de los más grandes visionarios del séptimo arte.

La cinta, dirigida por Tony Zierra, es sobre Leon Vitali, quien por años fue la mano derecha de Stanley Kubrick. Pese a su proximidad especial con el realizador y sus significativas contribuciones a su filmografía, Vitali era— hasta el estreno de “Filmworker” — una figura casi totalmente ignorada en la historia del cine.

Aún más extraordinario es cómo se convirtió en el leal asistente de Kubrick. Vitali era un actor con una notable y ascendente carrera a quien Kubrick seleccionó para el papel de Lord Bullingdon, el arrogante yerno del personaje principal de Ryan O’Neal, en “Barry Lyndon”. Era su papel más grande hasta la fecha, un gran impulso a su carrera, pero a Vitali lo que más le interesaba era aprender de Kubrick y su arte.

Tras pasar algo de tiempo en las salas de edición de sus próximos filmes, Vitali convenció a Kubrick de su seriedad. Y así de fácil dejó de lado la actuación para dedicarse a trabajar con Kubrick las dos siguientes décadas, hasta la muerte del director en 1999.

Con una devoción servil, desde la mañana hasta la noche (y a veces más), Vitali trabajó como un todólogo para Kubrick. Entrenó a actores, supervisó restauraciones, pidió catering y siguió instrucciones tan obsesivas del cineasta como montar un monitor de video para poder seguir los pasos de su gato moribundo.

“Hice un cambio verdaderamente radical en mi vida y eso fue cuando dije ‘estoy más interesado en eso’ de lo que estaba en la actuación”, dijo Vitali en una entrevista, sentado afuera de un hotel en Cannes. “Esa es la decisión consciente más grande que yo haya tomado. Hubo algunos sacrificios, pero también hubo recompensas”.

“Filmworker”, que busca distribución en Cannes, es una oda a la dedicación resuelta y modesta de “las personas en los créditos”, como dijo Zierra — los soldados de infantería esenciales pero rara vez celebrados del cine. Vitali sacrificó su propia fama para comprometerse a ayudar a realizar la visión de Kubrick, aun cuando eso a menudo significó sufrir la famosa quisquillosidad del director cascarrabias y sus ocasionales regaños.

Vitali tuvo una ventana a una de las mentes más brillantes del cine y desempeñó un papel fundamental en “The Shining” (“El resplandor”), “Full Metal Jacket” (“Nacido para matar”, o “Cara de guerra”) y “Eyes Wide Shut” (“Ojos bien cerrados”). (En esta última, varios de los personajes enmascarados fueron interpretados por el asistente).

Pero el humilde Vitali, que entonces tenía tres hijos pequeños, también renunció a muchas cosas en su vida al servicio de Kubrick. El astro de “Full Metal Jacket” Matthew Modine lo recuerda como una figura tipo Igor con su “Sí, amo”.

“Honestamente puedo decir que nunca me senté y pensé: ¿valió la pena? Me sentaba y pensaba que no había nada que pudiera hacer al respecto”, dijo Vitali. “A veces las cosas no están en tu poder. Eres llevado hasta ahí”.

Vitali vio “Filmworker” durante su estreno en Cannes acompañado de sus tres hijos, ahora adultos. Cuando la película terminó, el teatro se puso de pie y lo saludó con un aplauso entusiasta y sustancioso mientras Vitali sonreía y asentía con gratitud. Fue uno de los momentos más emotivos del festival: un minuto bajo los reflectores para un modesto “trabajador del cine”.

“Supongo que estaba un poco en estado catatónico”, dijo Vitali. “Fue maravilloso estar ahí con mis tres hijos. Sinceramente, no me esperaba ese tipo de acogida”.

Zierra calificó el momento como “la última escena” de su película. “El fin”, dijo el director, “fue esa noche”. (AP)

Entre abucheos y aplausos #Cannes2017 debate el auge de Netflix


El Festival de Cine de Cannes ha servido este año como una consulta popular en torno a Netflix, con votos registrados en abucheos y aplausos, y algunas de las figuras más grandes del cine expresando a viva voz sus opiniones.

Como el festival de cine más grande y prestigioso del mundo, Cannes a menudo ha sido una especie de ayuntamiento ostentoso en la Riviera francesa que mide las fluctuaciones de la industria del cine. Este año, el impacto sísmico de Netflix y sus crecientes ambiciones con el séptimo arte han sido protagonistas.

El festival por primera vez tiene dos películas de Netflix compitiendo por la codiciada Palma de Oro, su máximo premio: “Okja” del director surcoreano Bong Joon-ho y “The Meyerowitz Stories (New and Selected)” de Noah Baumbach, protagonizada por Adam Sandler. Estas selecciones desataron protestas de los exhibidores franceses, aterrados con la idea de que uno de los más grandes honores del cine vaya a una película que no se exhibirá en pantalla grande.

Cuando no se pudo alcanzar un acuerdo entre Netflix y los cines franceses, el Festival de Cannes declaró que el próximo año las películas realizadas solo para streaming no se aceptarán en la competencia. Pero esa medida ha hecho poco por apaciguar las pasiones alrededor de Netflix o las ansiedades por el futuro de la experiencia cinematográfica.

El logotipo de Netflix, que aparece antes de sus dos películas, ha sido recibido con vítores y abucheos. Cuando la proyección de “Okja” tuvo que ser interrumpida por un error técnico, el festival emitió rápidamente un comunicado prometiendo que no se trató de ningún juego sucio contra Netflix.

Cuando se trata de Netflix, en Cannes no están tranquilos.

“Mientras esté con vida, lucharé por una cosa que temo que las nuevas generaciones no conocen: … la hipnosis de la gran pantalla para el espectador”, declaró el presidente del jurado, el realizador español Pedro Almodóvar, al inaugurar el festival.

La experiencia de Netflix en Cannes, que culminó en una fiesta en una villa el domingo por la noche, llevará sin duda al gigante del streaming a reconsiderar sus estrategias para el festival. Ted Sarandos, director de contenido de Netflix, dijo a la publicación Variety que un regreso a Cannes era “menos atractivo” por el cambio en las reglas.

El distanciamiento lleva a una pregunta: ¿Quién necesita más del otro, Cannes o Netflix?

Por gran parte de sus 70 años de historia, Cannes ha sido un lugar importante e influyente para que estrellas, cineastas y compañías de cine reclamen su derecho en la industria. Netflix, como su rival de streaming Amazon Studios, ha hecho de los festivales un foco, adquiriendo películas de Sundance a Venecia y usando los reflectores de lugares como Toronto y Cannes para lanzar sus cintas. La naturaleza global de Cannes hace que este festival sea ideal para Netflix, que se ha expandido a 190 países.

Netflix también se está embarcado en su más ambiciosa incursión en el cine de alto presupuesto, con producciones que incluyen “War Machine” de Brad Pitt este viernes, “Okja” en junio, y “Bright”, con Will Smith, en diciembre. Smith, un miembro del jurado de Almodóvar, habló a favor del servicio.

“En mi casa, Netflix no ha sido más que un total beneficio”, dijo el actor.

Otros también lo elogiaron.

“Bong logró hacer lo que él hizo con este filme — su tamaño, su alcance — como resultado de que ellos le dieran una especie de carta blanca y el presupuesto que necesitaba para hacerlo, cuando otras personas no lo hicieron”, dijo el astro de “Okja” Jake Gyllenhaal.

Nuevos jugadores como Netflix y Amazon les han dado a los cineastas una opción necesaria a los limitantes estudios de Hollywood, que notablemente este año no tienen presencia en el festival de Cannes. Y Netflix, que recientemente superó los 100 millones de suscriptores (cerca de la mitad en Estados Unidos), está lista para seguir aprovechando las carencias de los estudios.

Grandes cadenas de cine se han negado a proyectar películas de Netflix si éstas están simultáneamente disponibles para streaming, una movida que Netflix ha criticado. Amazon, que también tiene varias películas en Cannes, ha sido menos perturbadora al presentar sus cintas en cines mucho antes de que lleguen a los suscriptores de Amazon Prime. Todd Haynes, cuya entrada en Cannes “Wonderstruck” en un estreno de Amazon, dijo que su división de cine está integrada por “verdaderos cineastas”.

Pero los estrictos guardianes franceses de la tradición dictan que cualquier filme que se exhiba en las salas de cine debe esperar tres años antes de llegar a los servicios de streaming.

“Si vas a Nueva York, hay menos salas de cine que en el pasado. En Roma hay muy pocos cines. En Francia tenemos muchos. ¿Por qué? Porque existe un sistema que protege todos estos cines”, dijo Thierry Fremaux, director de Cannes, quien calificó la controversia de Netflix como “el inicio de una nueva discusión”.

Al entrar el festival en su segunda semana el lunes, el furor había comenzado a disminuir. Después de todo, las películas de Netflix, hechas por directores de renombre internacional, terminaron siendo bastante buenas.

Quizás Cannes y Netflix sí pueden coexistir. (AP)

 

 

Nicole Kidman y su don de la ubicuidad en #Cannes2017

Nicole Kidman devela un nuevo capítulo en una carrera ya considerable, con cuatro nuevos proyectos en el Festival de Cine de Cannes que la hacen casi ubicua en el magno evento de la Riviera francesa.

“Estoy en ese lugar en mi vida donde trato de simular que tengo 21 años y que estoy empezando mi carrera”, Kidman, quien cumple 50 el próximo mes, dijo a reporteros el lunes. “Quiero probar cosas nuevas y apoyar a los cineastas en los que creo”.

Los proyectos de Kidman este año en Cannes incluyen la comedia familiar brutalmente oscura de Yorgos Lanthimos “The Killing of a Sacred Deer”, que se estrenó el lunes. El domingo debutó “How to Talk to Girls at Parties” de John Cameron Mitchell, una farsa romántica con punks y extraterrestres ubicada en la década de 1970.

Aún por estrenarse están “The Beguiled” de Sofia Coppola, una versión femenina del filme de Clint Eastwood de 1971, y la segunda temporada de la aclamada serie de Jane Campion “Top of the Lake”, en la que Kidman da vida a un personaje que ha descrito como “una lesbiana feminista radical”.

La omnipresencia de la actriz en el festival, junto con su acostumbrada elegancia en la alfombra roja, le ha merecido el apodo de la “Reina de Cannes”.

“Fue una especie de confluencia de sucesos”, dijo Kidman de su extensa presencia en el evento. “No estaba consciente de que esto ocurriría”.

Pero sí reconoció que las películas, que llegan tras su trabajo en la miniserie de HBO “Little White Lies” y su actuación nominada al Oscar en “Lion”, son el resultado de su resolución de mantenerse “audaz y abierta” a nuevos desafíos.

“Todavía tengo esa pasión, a esta edad, por la actuación y el cine y la narración y por desafiar los límites y salirme de mi zona de confort para probar cosas con desenfreno”, dijo Kidman.

Como era de esperarse por las cintas previas de Lanthimos (“The Lobster”, ”Dogtooth”), la reacción en Cannes ante el más reciente filme del realizador griego fue mixta. Tanto vítores como abucheos se escucharon tras su proyección matutina, aunque la crítica elogió en su mayoría el terror alegórico de Lanthimos.

“El material en acopio es brutal”, dijo Lanthimos. “Nunca lidiamos con él con seriedad. A Nicole le gusta decir que yo le dije todo el tiempo que esto era una comedia, y así lo creo”.

Kidman habló en repetidas ocasiones de su sed como actriz y de su deseo en esta etapa de su vida de trabajar con cineastas jóvenes intransigentes.

“He trabajado mucho. No tengo que trabajar. Trabajo porque es mi pasión. Trabajo porque es mi manera de expresarme”, dijo. “Siempre he tenido ese espíritu un poco rebelde de que no quiero conformarme y quiero encontrar la forma de no hacerlo. Así soy yo”.

Pero Kidman también dijo que mantiene su vida profesional separada de su vida familiar con el cantante Keith Urban y sus cuatro hijos.

“Esta película”, dijo de “The Killing of a Sacred Deer”, ”mis hijos no la verán”.  (AP)

‘Happy End’: un retrato de la “ceguera de la humanidad” ante la migración

Ganador dos veces de la Palma de Oro con ‘The White Ribbon’ (‘Das Weisse Band’, 2009) y ‘Love’ (‘Amour’, 2012), el director austriaco Michael Haneke presentó este lunes, en La Croisette, ‘Happy End’, filmada en la Costa de Ópalo en el norte de Francia con dos de sus actores favoritos: Jean-Louis Trintignant y Isabelle Huppert.

De acuerdo con los organizadores del Festival, la crisis migratoria en Europa sirve a Haneke como un prisma para resaltar el cinismo prevaleciente de nuestros tiempos.

A nadie puede extrañarle lo imposible que es imaginar que la crisis migratoria tenga un final feliz, ya que los migrantes están condenados a vagar en la selva de Calais.

Para hacer frente a esta realidad, Michael Haneke ha elegido representar la salvaje indiferencia de una familia burguesa en el norte de Francia, la cual vive fuera de la realidad social de su entorno.

 

Jean-Louis Trintignant asume el papel del patriarca cínico, Isabelle Huppert y Mathieu Kassovitz juegan el rol de sus hijos. Toby Jones, la joven Fantine Harduin y la actriz belga Laura Verlinden completan el retrato de familia.

En palabras de Isabelle Huppert, esta película es “más factual que psicológica”. Se ocupa de la “ceguera de la humanidad” más que del sufrimiento real de los migrantes.

Ésta es la cuarta colaboración de Michael Haneke con la actriz francesa.

En cuanto al veterano actor Jean-Louis Trintignant, ésta es su segunda colaboración con el director austriaco; la primera fue en ‘Love’.

El actor considera a Haneke “uno de los más grandes directores del mundo”.

En ‘The Meyerowitz Stories’, la actuación de Sandler recuerda a su participación en ‘Punch Drunk Love’


Adam Sandler no es precisamente un asistente asiduo del Festival de Cine de Cannes, pero este año el comediante estadounidense era la gran atracción y estaba ganando algunos de sus mejores elogios en su carrera por ‘The Meyerowitz Stories’.

La película dirigida por Noah Baumbach se estrenó este domingo en competencia por la Palma de Oro, el principal galardón del famoso festival.

El filme es protagonizado por Sandler y Ben Stiller, quienes interpretan a unos hermanos en la disfuncional familia de un artista que envejece, interpretado por Dustin Hoffman.

Para muchos, la actuación de Sandler recuerda algunos de sus inusuales papeles dramáticos, como en “Punch Drunk Love” de Paul Thomas Anderson.

El actor dijo a los reporteros que su primer pensamiento al hacer la película era que no “quería decepcionar a nadie”. (AP)

#Cannes2017 da buena acogida a “Las hijas de abril” de Michel Franco


La película mexicana “Las hijas de abril” del director Michel Franco recibió hoy aquí una buena acogida, “perturbó y emocionó” en su estreno mundial en la sección “Un certain regard” (Una cierta mirada) en la que compite.

La película, la máxima apuesta del cine mexicano en la 70 edición del festival de Cannes, fue aplaudida esta tarde en su primer pase en la sala Debussy del Palacio de Festivales del balneario de la Costa Azul.

El largometraje compite con una veintena de todo el mundo en la sección, considerada la segunda más importante del festival, cuya presidenta del jurado es la actriz estadunidense Uma Thurman.

“Estoy muy nervioso, se nota, y muy contento. Espero que disfruten de la película y sobre todo de la actuación de estos tremendos talentos”, declaró Michel Franco al público en referencia al elenco de actores de su película, antes de comenzar la función.

Franco fue presentado por el delegado general del Festival de cine de Cannes, Thierry Frémaux, quien eligió al filme, el cuarto de Franco seleccionado por el certamen más prestigiado del mundo.

“Siempre México tiene una presencia importante en Cannes. Muchas gracias por la invitación Thierry. Gracias por confiar otra vez en una película mía”, añadió Franco, quien en 2012 ganó con “Después de Lucía” el premio a la mejor película de “Una cierta mirada” y también fue laureado en la sección oficial por “Chronic”.

“Las hijas de abril” dura una hora y 43 minutos y cuenta la historia de una menor de edad embarazada que recibe la visita de su madre española, papel que interpreta la actriz ibérica Emma Suárez.

La relación entre ambas se va deteriorando porque su mamá considera que su hija no está preparada para cuidar a su bebé recién nacida y decide darla en adopción.

“Es uno de los personajes más difíciles que he interpretado porque es un personaje que está en las antípodas de mi por eso fue un reto para mi”, declaró en rueda de prensa Emma Suárez, de quien Franco se deshizo en elogios.

Franco confió en que la presencia de Suárez en un papel protagónico ayude a la película a que se distribuya en España.

En la cinta destaca la participación también de los jóvenes actores Ana Valeria Becerril, Enrique Arrizon y Joanna Larequi, entre otros.

La película, filmada en continuos planos secuencia en Vallarta y la Ciudad de México principalmente, será estrenada en México el próximo 30 junio en 440 salas de toda la República.

“No hago las películas para Cannes, aunque las he exhibido casi todas aquí, las hago para el público” reiteró Michel Franco quien estuvo acompañado en la presentación en Cannes de las principales actrices y actores de su película, así como de sus productores Lorenzo Vigas y Moisés Zonana.  (Notimex)

Tras su éxito en festivales, la ‘Tempestad’ llega a México 

Para la directora Tatiana Huezo, las recientes nominaciones de su documental “Tempestad” al premio Ariel demuestran que el género puede estar a la altura de la ficción y competir con todo derecho en categorías como sonido y música, que antes parecían reservadas para la ficción.

“Pienso que ‘Tempestad’ y muchas otras películas documentales están cada vez más lejos de esta idea mal habida que ha contaminado al documental a lo largo de su historia de ser una pieza aburrida, informativa, mal hecha, fuera de foco y con mal sonido”, dijo Huezo en una entrevista con The Associated Press en la Ciudad de México.

“Tempestad”, que se estrena el viernes en los cines mexicanos, presenta el relato de dos mujeres mexicanas, una encarcelada en una prisión controlada por el crimen organizado y otra que busca a su hija desaparecida. Compite junto con el documental “Bellas de noche” de María José Cuevas, sobre vedettes mexicanas de la década de 1970, en la categoría de mejor película.

No es la primera vez que cintas de no ficción se miden por el premio principal de los Ariel, el equivalente mexicano del Oscar, pero estas películas llegan como dos importantes contendientes tras haber sido celebradas por el público y la crítica.

El documental de Huezo también está nominado en las categorías de dirección, edición, fotografía, música original, sonido y largometraje documental. Y ambas cintas fueron reconocidas el año pasado en el Festival Internacional de Cine de Morelia: “Bellas de noche” se llevó el premio al mejor largometraje documental, y “Tempestad” el premio del público.

“Muy sorprendida gratamente de que la academia haya tomado esta decisión tan especial, tan importante para el cine en México, esta decisión de poder reconocer al documental como película igual que una ficción y abrir las categorías que antes eran feudo de la ficción”, dijo Huezo.

“Tempestad” ha causado sensación a su paso por cerca de 70 festivales internacionales y nacionales en los que ha recibido 20 premios. Una de las protagonistas de la cinta, Miriam Carbajal, era su amiga desde hacía muchos años.

“La historia llegó literalmente a mi puerta, un año después de que ella saliera de la cárcel”, dijo Huezo.

Carbajal fue acusada de tráfico de personas y encarcelada sin ninguna prueba que justificara los cargos en su contra. En México la gente suele afirmar que las víctimas de este tipo de errores de la justicia están involucradas con el crimen organizado o son cuestiones de ajuste de cuentas. La historia de “Tempestad” busca mostrar que no.

“Es una historia que te confronta con la realidad que estamos viviendo. Lo más importante de la película es que plantea de una forma muy cercana la posibilidad de que lo que le sucedió a estos personajes nos podría suceder a cualquiera”, dijo Huezo.

Uno de los riesgos narrativos que asumió la documentalista fue no presentar a Carbajal en pantalla; solo se escucha su voz mientras narra las imágenes terribles de lo que vivió en la cárcel.

“Tomé la decisión de vincular la voz no a un solo rostro sino a muchos rostros a lo largo del camino, justamente para poder transmitirle al espectador eso: ‘a cualquiera de las personas a lo largo del viaje podría sucederle lo mismo'”, dijo la realizadora.

Carbajal fue llevada de su trabajo en el sureño estado de Quintana Roo a una prisión en Matamoros, en el estado de Tamaulipas, fronterizo con Estados Unidos y uno de los más afectados por el narcotráfico en México. Tamaulipas está controlado principalmente por el cartel de los Zetas y como el estado, la prisión en la que fue encarcelada Carbajal estaba azotada por el crimen organizado.

La historia de Carbajal es presentada a través de imágenes intrigantes de mujeres viajando en autobuses, mercados, retenes militares y de una tempestad que se aproxima. Pese a no presentarla, logra evocar en el espectador su relato.

La segunda mujer que retrata Huezo es Adela Alvarado, una madre que trabaja en un circo y busca a su hija desaparecida desde hace más de una década. Huezo dijo que desde el estreno de la película, en febrero del año pasado en el Festival de Cine de Berlín, Alvarado no ha dado con su hija.

“Quería encontrar una segunda voz que equilibrara el primer testimonio, que la acompañara, que detuviera el viaje porque ‘Tempestad’ es un road movie que cruza México de norte a sur”, dijo la directora. “Me impacta muchísimo saber que hay miles de madres que están buscando a sus hijos en este país porque yo también soy madre”.

Hasta ahora los testimonios de ambas mujeres no han sido cuestionados por las autoridades.

“Ojalá las instituciones se acercaran no para cuestionarlo, sino para sensibilizar y entender esos casos que no son nada más números”, dijo el productor Ernesto Celis.

La cinta contó con el apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía así como estímulos fiscales. Las zonas del país en donde se filmó son tan riesgosas que necesitaron seguir un protocolo de seguridad y no salir de sus alojamientos a partir de ciertas horas. También contaron con personas que acompañaron y cuidaron a la producción.

Para Huezo, valió la pena el esfuerzo para vincular al espectador a estas dos mujeres.

“Sentir a través de ellas, quererlas, acompañarlas, llorar con ellas, reírnos con ellas y ojalá contagiarnos de su fuerza, de su dignidad y del coraje que han tenido para compartir su voz y también para seguir adelante con sus vidas”, dijo. (AP)