Carrera lleva “Ana y Bruno” al Festival de Annecy en Francia

Carlos Carrera, el director mexicano de “El crimen del padre Amaro” y “La mujer de Benjamín”, debutará en el cine animado con la cinta “Ana y Bruno” en el Festival de Annecy en Francia.

“Siempre me ha gustado la animación. De hecho, entré al cine queriendo hacer animación, cortometrajes”, dijo Carrera en una en entrevista telefónica con The Associated Press. “Finalmente se dio la oportunidad con la nueva tecnología de hacer un largometraje y ya estoy trabajando en mi segundo largometraje de animación”.

En 1994, Carrera ganó la Palma de Oro en Cannes con el cortometraje animado “El héroe”. Ahora lleva a Annecy “Ana y Bruno”, la historia de una niña que se hace amiga de unos seres imaginarios que viven en un hospital psiquiátrico. Pese a la premisa sombría, es una película apta para toda la familia.

“Siempre me han gustado las historias que al final son luminosas pero que pasan por un territorio rudo”, dijo el realizador. “El tratamiento que le dimos a la historia equilibra bastante la luz y la oscuridad”.

El equipo de artistas y los fondos con los que se realizó la cinta son mexicanos.

“Lo único triste es que ya se fueron a trabajar a otros países muchos de ellos”, dijo Carrera sobre los artistas que emigraron ante las pocas oportunidades para hacer animación en México.

Carrera empezó a hacer la película en el 2010, pero por la falta de fondos el proyecto se prolongó hasta marzo de 2016. Una vez completado tuvo que esperar para encontrar el foro idóneo para estrenarla. La cinta está realizada en formato de animación 3D.

“La técnica que usamos es complicada. En otros países habría costado cuatro o cinco veces más”, dijo el director, quien trató de darles un acabado especial a los personajes para que tuvieran un aspecto más rústico que, además de evitar que se elevaran los costos, les daba carácter. La cinta costó unos 100 millones de pesos (5,3 millones de dólares).

“Nos alejamos del acabado hiperfotorrealista y se ve el trabajo de las texturas, lo rayones, las manchitas de pintura”, explicó.

El Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, uno de los más prestigiados de este género, se celebrará del 12 al 17 de junio. La película de Carrera se presentará fuera de competencia junto con producciones de países como Estados Unidos, Alemania, Japón, España, Corea del Sur, Noruega, además de la venezolana “Pequeños Héroes” de Joan Pablo Buscarini, sobre tres niños que ayudan a Simón Bolívar a vencer a su enemigo.

“Para mí todas las películas son cine para contar historias humanas, historias que emocionen, no hay diferencia entre géneros. Una película buena puede ser documental, puede ser animación, puede ser ficción”, dijo Carrera. “La animación te permite tener más libertad de imaginación. Ahí sí puedes poner directamente lo que se te ocurra en la cabeza sin pasar por la producción”.

El director, galardonado con siete premios Ariel del cine mexicano, adelantó que su próxima cinta animada trata de un niño muy pobre en un mundo donde la gente tiene que pagar por tener alma. Próximamente también estrenará en el servicio de streaming Blim la serie “Dogma”, sobre dos investigadores que resuelven casos en los que ocurren aparentes milagros. (AP)






‘Un monstruo viene a verme’ nominada a Premios Platino


‘Un monstruo viene a verme’, del director español J.A. Bayona, es la película más nominada para los Premios Platino.

La cinta hablada en inglés, sobre un niño que busca ayuda de un monstruo ante la enfermedad terminal de su madre, consiguió el miércoles siete menciones, incluyendo las categorías de dirección, dirección de fotografía, dirección de arte y cine y educación en valores.

“Neruda” del chileno Pablo Larraín, se enfoca en el poeta galardonado con el Premio Nobel, Pablo Neruda, y la sigue con cinco menciones incluyendo las categorías de mejor película iberoamericana de ficción, dirección, interpretación masculina para Luis Gnecco, quien da vida al poeta, guion y música original.

La película brasileña “Aquarius”, de Kleber Mendonça Filho; la coproducción argentino-española “El Ciudadano Ilustre”, de Gastón Duprat y Mariano Cohn; la cinta española “El Hombre de las mil caras”, de Alberto Rodríguez y “Julieta”, del director español Pedro Almodóvar, completan la categoría de mejor película iberoamericana.

Entre las cintas nominadas, anunciadas en el Hotel Beverly Hilton de Los Ángeles, también destacan “Desde allá”, de Lorenzo Vigas y “La delgada línea amarilla”, de Celso García, con cuatro menciones.

El actor chileno Alfredo Castro de “Desde allá”, el mexicano Damián Alcázar, de “La delgada línea amarilla”, el español Eduard Fernández, de “El hombre de las mil caras”, y el argentino Óscar Martínez, de “El Ciudadano Ilustre” se medirán con Gnecco en la categoría de mejor interpretación masculina.

La colombiana Angie Cepeda de “La semilla del silencio”, la española Emma Suárez de “Julieta”, la colombiana Juana Acosta de “Anna”, la uruguaya Natalia Oreiro de “Gilda, no me arrepiento de este amor” y la brasileña Sonia Braga de “Aquarius” son las nominadas a la mejor interpretación femenina

Los nominados fueron elegidos por más de 80 expertos internacionales. En la presente edición de los premios están representados 11 países de la región en 42 producciones finalistas. Un jurado internacional y cineastas de las ediciones anteriores de los Premios Platino, que en conjunto suman más de 700 personas, decidirán quiénes serán los ganadores.

La cuarta edición de los Premios Platino del Cine Iberoamericano se celebrará el 22 de julio en una ceremonia transmitida en vivo por TNT para Latinoamérica desde la Caja Mágica de Madrid.

Este año los premios estrenan la categoría de mejor miniserie o teleserie cinematográfica iberoamericana. Las nominadas son “Bala Loca” de Gabriel Díaz y Oscar Godoy (Chile); “Cuatro estaciones en La Habana” de Félix Viscarret (Cuba, España); “El Marginal” de Luis Ortega, Mariano Ardanaz, Javier Pérez y Alejandro Ciancio (Argentina); “El Ministerio del Tiempo” de Marc Vigil, Abigail Schaaff, Jorge Dorado, Paco Plaza y Javier Ruiz Caldera. (España); “La Niña” de Rodrigo Triana y Camilo Vega (Colombia), y “Velvet” de David Pinillos y Manuel Gómez Pereira (España).

Los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano son promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales). (AP)

Oliver Stone dirigirá serie de TV sobre Bahía de Guantánamo


Oliver Stone aceptó dirigir su primer proyecto con guion para televisión: una serie sobre el centro de detención de la Bahía de Guantánamo.

Weinstein Television anunció que adquirió “Guantánamo”, una serie que planea fisgar dentro de “los rincones más oscuros” del centro de detención creado para albergar a militantes islámicos.

Stone planea dirigir toda la primera temporada de la serie, que fue creada por Daniel Voll.

Weinstein TV dijo que el programa seguirá las vidas de los detenidos, soldados, jueces, abogados, periodistas y otros en la Bahía de Guantánamo.

El centro de detención adquirió notoriedad por las técnicas de interrogación usadas con los prisioneros. Actualmente tiene 41 detenidos. (AP)

‘Wonder Woman’ crea un mundo nuevo para las mujeres

En un mundo exclusivo de mujeres no hay estructuras fálicas.

Al menos así se imaginó la directora Patty Jenkins la isla de las amazonas y de su heroica princesa Diana, quien crece hasta convertirse en la Mujer Maravilla.

“¿Columnas? No me parecía muy lógico”, dijo Jenkins en una entrevista reciente. “Se sentían como una imposición en el paisaje, no se sentía como algo que ansiaran hacer las mujeres”.

Como directora de “Wonder Woman” (“Mujer maravilla”) Jenkins ha creado nuevos mundos para las mujeres dentro y fuera de la pantalla. No sólo ayudó a imaginar cómo se vería la isla de las amazonas y contrató a decenas de actrices para que fueran sus residentes guerreras, es la primera mujer en dirigir una película de superhéroes de gran presupuesto y su éxito podría abrir el camino para otras.

Cuando era niña la Mujer Maravilla de Lynda Carter fue una inspiración para Jenkins y la recordó como “la encarnación de todo lo que quería ser como mujer”.

“Cuando jugaba a ser la Mujer Maravilla podía hacer cosas increíbles y salvar al mundo”, dijo la cineasta de 45 años.

Ese es el sentimiento que espera evocar con el público de “Wonder Woman”, que se estrena a nivel mundial el viernes. Gal Gadot interpreta a la protagonista que descubre sus superpoderes y lucha por la justicia junto a los humanos tras ir con un espía encantador (Chris Pine) a Londres durante la Primera Guerra Mundial.

La israelí Gadot no creció con la Mujer Maravilla, pero siempre buscaba personajes poderosos para interpretarlos.

“Generalmente las mujeres son las damiselas en peligro, o las mujeres con el corazón roto o las compañeras, pero en la vida real no es así. En la vida real nosotras damos vida, tenemos bebés, tenemos carreras, somos muchas cosas más”, dijo Gadot de 32 años quien está casada y tiene dos hijas. 

“La Mujer Maravilla simboliza la magnificencia de una mujer y lo increíbles que son las mujeres. Creo que es una película importante no sólo para las mujeres y las niñas, sino para los niños y los hombres … No se le puede dar poder a las mujeres si no educas a los hombres y no enseñas a los niños, así como es importante para las niñas estar expuestas a este mensaje y ver la película, es importante que los niños tengan una figura femenina fuerte que puedan admirar”.

La Mujer Maravilla fue creada en 1941, pero esta es su primera película en solitario. Jenkins quería llevarla a la gran pantalla desde hace más de una década, pero los estudios dudaban del encanto de la superheroína y su lazo de la verdad.

“No entiendo por qué alguien que no ha tenido ninguna representación en las películas de gran presupuesto por 75 años hace que 15 niñas por minuto lleguen a mi puerta vestidas como ella en Halloween, ¿eso no es igual al signo de dólares?”, dijo Jenkins.

Connie Nielsen, quien interpreta a la madre de Diana, la reina amazona Hipólita, tampoco creció con la Mujer Maravilla, pero tuvo muchos modelos de mujeres poderosas en Dinamarca.

“La Dinamarca en la que crecí era una Dinamarca en la que las mujeres estaban completamente liberadas y el mundo entero se había abierto para nosotras”, dijo. “En las revistas a comienzos de la década de 80, los hombres eran retratados haciendo la limpieza en los anuncios para aspiradoras y las mujeres ya no posaban sobre un Ford Mustang”.

Así que Nielsen sintió la necesidad de cuestionar porqué en una isla poblada sólo por mujeres su personaje usaba tacones. Ella y Gadot son altísimas, pero aun así llevan plataformas en la película.

“Tuve esa conversación varias veces y Patty fue implacable”, dijo Nielsen. “Ella estaba convencida de que te paras diferente (en tacones), y es verdad”.

Los vestuarios, incluyendo las plataformas, tuvieron que ser considerados durante el entrenamiento físico de equitación, arquería y esgrima para las actrices. Para Robin Wright, quien creció viendo la serie de televisión de la Mujer Maravilla, entrenar y filmar con las amazonas fue lo mejor.

“Creo que era un poco abrumador para los hombres porque era muy inusual. Creo que había como 120 amazonas”, dijo Wright, quien interpreta a la guerrera Antiope, la tía de Diana y su maestra. “Es una energía diferente en el set y fue genial para nosotras. Nos sentíamos como un equipo de mujeres que nos cuidábamos entre nosotras”.

Wright calificó a Jenkins como “la mayor porrista de todas”.

Con el estreno de la película esta semana, Jenkins se pregunta lo que la Mujer Maravilla podría significar para una nueva generación de aspirantes a superhéroes y cineastas.

“Soy una cineasta que quiere hacer películas exitosas, claro. Quiero que mi película sea celebrada”, dijo. “Pero también hay toda una persona diferente en mí que está sentada y viendo lo que ocurre ahora, que espera, no por mí, que esta película no decepcione las expectativas, porque quiero ver la señal que le enviaremos al mundo”. (AP)

Trump hace ver ‘House of Cards’ como redundante

La locura de la política del mundo real y la presidencia de Trump han hecho que ‘House of Cards’ se sienta redundante.

Este martes, 30 de mayo, la serie insignia de Netflix estará de regreso.
En su quinta temporada, Frank Underwood es más corrupto y menos sutil que nunca.

Sin embargo, una trama repetitiva, demasiados personajes unidimensionales y el alargamiento de la historia han hecho que House of Cards sea aburrida.

Esta quinta temporada llega sin la colaboración de su creador Beau Willimon, quien renunció como showrunner después de la cuarta temporada.

Gana ‘The Square’ la Palme d’Or;  en el film Ruben Östlund retrata las disfunciones sociales  


La comedia negra ‘The Square’, del director sueco Ruben Östlund, ganó la Palme d’Or en el Festival de Cannes.

En un competencia que, según los especialistas, ha sido mediocre, Sofia Coppola se llevó el premio a mejor director por su film ‘The Beguiled’.

‘The Killing of a Sacred Deer’, de Yorgos Lanthimos, y ‘You Were Never Really Here’, de Lynne Ramsay, ganaron ambas, de forma sorpresiva, el premio a mejor guión.

Diane Kruger ganó el premio a la mejor actriz por su participación en ‘In the Fade’ y Joaquin Phoenix al mejor actor por ‘You Were Never Really Here’.

Después de socavar la figura paterna en Snow Therapy, en ‘The Square’ Ruben Östlund reflexiona sobre el altruismo y la pérdida de valores en forma de una comedia dramática cáustica. 

‘The Square’ marca su debut en la competición.

El cine de Ruben Östlund ha sido en gran medida desconocido hasta que salió del anonimato en 2014 con Snow Therapy.

El largometraje, con su guión finamente afinado, ganador del Premio del Jurado en Un Certain Regard, dio una mirada irónica a una pareja en plena crisis, contra el inmaculado telón de fondo de una estación de esquí alpina golpeada por una avalancha.

Rubén Östlund es uno de esos cineastas que no duda en saltar con los dos pies en las zonas sensibles, y desde su primera película se ha fijado con el placer indiscutible de caricaturizar la pérdida gradual de los valores morales que una vez unieron nuestras sociedades.

Con ese fin, le gusta traernos personajes en situaciones que nunca esperaban enfrentar, en un acercamiento a un experimento sociológico.

Y esta es su preocupación una vez más en ‘The Square’, que narra la historia de Christian, un padre querido por sus valores humanos y por la calidad de su obra en un museo sueco de arte contemporáneo, pero cuyos principios están seriamente sacudidos por una profunda crisis existencial. Ruben Östlund describe cómo se sintió impresionado por el auge del individualismo en su país mientras trabajaba en el guión de Play (2008), que retrataba la raqueta a la que un grupo de niños cayó víctima.

Cinematográficamente hablando, el director sueco trabajó con gran detalle en la retórica de la película con el fin de “desestabilizar” al espectador.

Junto a Terry Notary y Claes Bang, la película cuenta con Dominic West, ex héroe de la serie The Wire y la actriz estadounidense Elisabeth Moss, quien también figura en el reparto de la temporada 2 de Top of The Lake de Jane Campion. (Redacción)

FEATURE FILMS – COMPETITION
PALME D’OR

THE SQUARE directed by Ruben ÖSTLUND

The Palme d’or was awarded by Juliette Binoche and Pedro Almodóvar.

 

70th ANNIVERSARY AWARD

Nicole KIDMAN

The 70th Anniversary Award was awarded by Will Smith.

« “I feel blessed to be able to work in this profession. The 70th celebration was incredible; it was the celebration of cinema and stories.” – Nicole KIDMAN, Video from Nashville, Tennessee – »

GRAND PRIX

120 BATTEMENTS PAR MINUTE (BPM – Beats Per Minute) directed by Robin CAMPILLO

The Grand Prix was awarded by Costa-Gavras and Agnès Jaoui.

« “This film can be thought of as a tribute to those who died and especially those who are living, who fought, were subjected to harsh treatment and who put their life on hold during this time. People are never as fine or as strong as when they come together. – Robin CAMPILLO – »

BEST DIRECTOR PRIZE

Sofia COPPOLA for THE BEGUILED

The Best Director Prize was awarded by Fan BingBing and Gabriel Yared.

« “I like to thank my father, who taught me to write and how to be a film director, and my mother, for teaching me how to be an artist. Thanks as well to Jane Campion, for being a role model and inspiring women to be directors.” – Sofia COPPOLA – »

BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR

Joaquin PHOENIX in YOU WERE NEVER REALLY HERE directed by Lynne RAMSAY

The Best Performance by an Actor Prize was awarded by Jessica Chastain.

 

BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS

Diane KRUGER in AUS DEM NICHTS (In The Fade) directed by Fatih AKIN

The Best Performance by an Actress Prize was awarded by Irène Jacob and Paolo Sorrentino.

« “Fatih, my brother, thank you for having believed in me; you gave me a strength that I never believed I could possess. I can’t receive this award without thinking of those who have been victims of terrorism. Please know that you are not forgotten.” – Diane KRUGER – »

JURY PRIZE

NELYUBOV (Loveless) directed by Andrey ZVYAGINTSEV

The Jury Prize was awarded by Maren Ade and Guillaume Gallienne.

« “I’d like to thank all the members of the Jury, and one in particular: Will Smith. He really exists!” – Andrey ZVYAGINTSEV – »

BEST SCREENPLAY EX-ÆQUO

Yorgos LANTHIMOS and Efthimis FILIPPOU for THE KILLING OF A SACRED DEER

Lynne RAMSAY for YOU WERE NEVER REALLY HERE

The Best Screenplay Prize was awarded by Marisa Paredes and Park Chan-wook.

 
SHORT FILMS – COMPETITION
PALME D’OR

XIAO CHENG ER YUE (A Gentle Night) directed by QIU Yang

 

SPECIAL DISTINCTION BY THE JURY

KATTO (The Ceiling) directed by Teppo AIRAKSINEN

The Palme d’or and the Jury Special Mention for Shorts Films were awarded by Uma Thurman and Cristian Mungiu.

Michel Franco,  el mexicano más premiado en Cannes; ‘Las hijas de abril’ gana el premio del Jurado de #UCR

Con su tercer premio en Cannes, Michel Franco se convirtió en el director mexicano más premiado en la historia del festival.

Su película “Las hijas de abril” ganó el premio del jurado en la sección “Un certain regard” (Una cierta mirada) de la 70 edición del festival internacional de cine de Cannes.

El anuncio fue realizado en la ceremonia de clausura de la sección, considerada la segunda más importante del certamen, cuyo jurado fue presidido este año por la actriz Uma Thurman.

El filme mexicano es el cuarto con la que Franco ha participado en el festival de cine de Cannes en donde ha ganado dos premios anteriormente.

En 2012, Franco ganó el premio a la mejor película de “Una cierta mirada” con su largometraje “Después de Lucía” y en 2015 obtuvo el de la mejor dirección por “Chronic” en la sección oficial por la Palma de Oro.

Protagonizada por Ana Valeria Becerril como Valeria, Emma Suárez como su madre y Joanna Larequi como su media hermana Clara, “Las hijas de Abril” presenta la historia de una chica de 17 años que está embarazada.

“No lo abordo desde la perspectiva de cuál sería la solución, simplemente me trato de poner en los zapatos del personaje principal. ¿Qué hace una chavita (chica) de 17 años embarazada que está convencida de que quiere tener a su bebé?”, dijo Franco antes de su participación en el festival. “En este caso al inicio de la película prefiere mantener a su propia madre alejada, pero cuando llega para ayudarle las cosas se complican todavía más”.

La cinta “Lerd” del iraní Mohammad Rasoulof, sobre la influencia de una compañía monopólica en un pueblo remoto, se llevó el premio Un Certain Regard, mientras que el galardón al mejor director fue para el estadounidense Taylor Sheridan por “Wind River”, un thriller sobre un agente novato del FBI que investiga el asesinato de una niña en una reserva indígena.

Jasmine Trinca de la película “Fortunata”, dirigida por el italiano Sergio Castellitto y que versa sobre una estilista en busca de sus sueños, se llevó el premio a la mejor actriz, y la cinta “Bárbara” del francés Mathieu Amalric, sobre una actriz en el proceso de construcción de un personaje, el galardón a la mejor narrativa poética.

El jurado estuvo integrado por el director egipcio Mohammed Diab, el actor francés Reda Kateb, el director belga Joachim Lafosse y el director artístico del festival de cine, Karovy Vary Karel Och, bajo la presidencia de la actriz Uma Thurman. (Agencias)

‘You Were Never Really Here’, la búsqueda oscura y violenta de Joaquín Phoenix


Habiendo presentado ‘We Need to Talk sobre Kevin’ en Cannes en 2011, la directora escocesa Lynne Ramsay regresa a la competencia en Cannes con ‘You Were Never Really Here’, un thriller dramático protagonizado por Joaquin Phoenix.

En su nuevo largometraje, una historia oscura adaptada de la novela homónima de Jonathan Ames, Lynne Ramsay vuelve a examinar las relaciones entre adultos y niños, un tema ya tratado en ‘We Need to Talk About Kevin’, que pintaba la relación ambigua entre una madre Y su hijo violento. La película, que trajo aplausos particulares para la actuación de Tilda Swinton, presentó a la joven actriz Ezra Miller al público.

En ‘You Were Never Really Here’, Joe, un veterano de la guerra, intenta salvar a mujeres del mundo del tráfico sexual en el que están metidas. Pero uno de esos rescates no sale como él pensaba, y el infierno se desata en un burdel de Manhattan, donde la violencia y la corrupción hacen despertar la bestia que lleva dentro. De esta manera la venganza se convierte en su motivación. La joven que intenta salvar es interpretada por Ekaterina Samsonov, quien también aparece en Wonderstruck por Todd Haynes, en Competición.

‘You Were Never Really Here’ marca el regreso de Lynne Ramsay al Festival de Cannes. Habiendo ganado el premio del jurado en dos ocasiones por los cortometrajes ‘Small Deaths’ en 1996 y ‘Gasman’ en 1998; la directora presentó ‘Ratcatcher’ en Un Certain Regard en 1999 antes de entrar en el concurso con ‘We Need to Talk sobre Kevin’ en 2011. La cineasta, que alterna entre cortos y largometrajes, también fue miembro del jurado en 2013 bajo la presidencia de Steven Spielberg.


La directora Lynne Ramsay, izquierda, y el actor Joaquin Phoenix posan para los fotógrafos durante  la foto llamada del film ‘You Were Never Really Here’ en el Festival de Cannes este sábado.

Zandvliet: “Los niños pagan el precio de la guerra”

La cinta danesa nominada al Oscar, “Land of Mine” (“Bajo la arena”), muestra un lado de los nazis pocas veces retratado en el cine: el de un grupo de adolescentes capturados tras la Segunda Guerra Mundial que son obligados a limpiar una playa danesa de miles de minas que dejaron sus compatriotas años antes.

“Siempre he estado interesado en la historia de Europa y leí que forzamos a los soldados alemanes a limpiar las playas”, dijo el director danés Martin Zandvliet en entrevista telefónica con The Associated Press. “No me sorprendió, pero cuando descubrí que violamos la convención de Ginebra a la hacerlo empecé a leer más sobre el tema”.

El hecho de que fueran soldados sin la preparación adecuada no fue lo que sorprendió al director sino su corta edad: “Empecé a ir a los cementerios y veía lo jóvenes que eran estos muchachos, ahí fue cuando decidí hacer una película al respecto”, dijo.

El realizador usó algunos de los nombres de los soldados para la película, aunque les cambió los apellidos. La idea de la justicia y la inocencia de un grupo de soldados tan jóvenes son dos de los grandes temas que generan reflexión en esta historia y su retrato humano de la guerra.

“Claro que no son inocentes, inocentes”, dijo. En el caso de los personajes “escribí sus historias previas y algunos hicieron cosas terribles, pero las hicieron porque les lavaron el cerebro”.

En la actualidad la mayoría de las minas han sido retiradas en Dinamarca, aunque durante el rodaje encontraron una mina real. En la cinta, la imagen de las explosiones es impactante, aterradora y al mismo tiempo cautiva en su brutalidad.

“No usamos efectos generados por computadora para nada, todos son efectos análogos, explosiones reales con harinas y polvos, no hieren a nadie. A los chicos les enseñamos cómo caminar en estas explosiones reales, mostrándoles poco a poco que no era peligroso, el encargado de las explosiones llevó a su propia hija e hizo que caminara por ellas”.

El director también buscó usar el mínimo de edición posible para las detonaciones y en caso de que fuera necesario hacía que los actores volaran un poco por los aires para tener este efecto realista. Por su parte, la fotografía de Camilla Hjelm destaca por su uso de luz natural en exteriores. Hjelm fue galardonada en 2016 con el premio Carlo di Palma de la Academia Europea de Cine por su trabajo en la cinta.

“Mi esposa hizo la fotografía, es una camarógrafa muy talentosa y siempre dijimos que queríamos una imagen lo más bella posible, casi como si fuera una playa paradisiaca”, apuntó el director. “Casi como si los humanos arruinaran al mundo y no al revés”.

La cinta protagonizada por Roland Møller, Louis Hofmann y Joel Basman, cuyo título original es “Under sandet”, se estrena el viernes en México. Estuvo nominada en la categoría de película extranjera en la pasada edición de los Oscar.

“Fue un gran honor y todo el equipo estaba muy contento”, dijo Zandvliet sobre su mención en los Premios de la Academia. “Me da mucho gusto que hayamos estado entre estas cinco películas y ojalá apoye a la cinta para que la vean”.

Para el director de “Funny Man” (2011) y “Applause” (2009), el mensaje de “Land of Mine” es más relevante que nunca ante el cierre de fronteras, la crisis de refugiados y las tensiones por intolerancia racial y religiosa en Europa.

“Creo que es aterrador cómo nos tratamos ahora, y lo poco que aprendimos de una guerra que pasó hace apenas 70 años. Este ha sido el más largo periodo de paz que ha tenido Europa en mucho tiempo y creo que deberíamos revisar cómo es nuestra relación”, apuntó Zandvliet, quien se encontraba en Copenhague realizando la postproducción de “The Outsider”, una historia de mafia en Japón de la década de 1950 protagonizada por Jared Leto. “El mundo ha aumentado mucho más el terror que el amor y la esperanza… Desafortunadamente los niños pagan el precio de las guerras de los adultos”. (AP)

El camino de Francia en mayo a Los Ángeles…

El camino de Francia en mayo a Los Ángeles en febrero es largo, pero el Festival de Cine de Cannes ha sido históricamente un semillero de campañas para los Premios de la Academia.

Los Oscar no suelen estar en la mente de los cineastas o asistentes en Cannes; el festival representa sus propios logros, como un espectáculo tan prestigioso o más, para muchos, que el de Hollywood. El potencial para el Oscar, sin embargo, nace a menudo en Cannes, donde el talento muchas veces hace un espacio para saludar a la Asociación de la Prensa Extranjera, que entrega los Globos de Oro.

Ninguna cinta ganadora de la Palma de Oro se ha alzado con el Oscar a la mejor película desde “El artista” de 2011. Y, en todo caso, festivales de otoño como Toronto, Venecia y Nueva York se han reafirmado como el principal camino a los Premios de la Academia _ un camino que han seguido filmes galardonados como “Moonlight” (“Luz de luna”), ”Birdman” y “12 Years a Slave” (“12 años esclavo”).

Aun así, Cannes impulsó el año pasado las campañas de eventuales nominadas como “Hell or High Water” (a mejor película), las actrices Isabelle Huppert (“Elle”) y Ruth Negga (“Loving”), “The Lobster” (a mejor guion) y la ganadora del Oscar a mejor cinta en lengua extranjera “El viajante”. El festival de 2015 produjo casi 20 candidaturas, incluyendo para “Mad Max: Fury Road” (“Mad Max: Furia en el camino”), ”Carol”, ”Inside Out” (“Intensa Mente”) y “El hijo de Saúl”.

Puede que este año el evento en la Riviera francesa, que termina el domingo con la entrega de la Palma de Oro y otros premios, no produzca tantos candidatos, pero las ovaciones a un número de actores y películas pueden servir como un indicador.

ADAM SANDLER — Cuando Sandler se sumerge en un drama suele recibir elogios. Pero más allá de sus papeles en “Punch-Drunk Love” (“Embriagado de amor”) y “Spanglish”, su tierna interpretación de un padre recién divorciado en “The Meyerowitz Stories (New and Selected)” de Noah Baumbach fue elogiada como un nuevo clímax en la carrera del comediante. El estreno de Netflix también podría despertar interés por Dustin Hoffman, que con su clásica distinción hace del quisquilloso padre de Sandler en el filme.

NICOLE KIDMAN — La pregunta no es tanto si Kidman volverá a los Oscar el próximo año sino con qué película. Tuvo dos en la competencia en Cannes: la continuación de “The Lobster” de Yorgos Lanthimos, “The Killing of a Sacred Deer”, y “The Beguiled” de Sofia Coppola, una nueva versión del thriller de la guerra civil de Don Siegel “El engaño” de 1971. Aunque la nominación para “The Lobster” sugiere un apoyo considerable para las comedias dementes de Lanthimos, la hermosa pieza de época “The Beguiled”, en la que Kidman interpreta a la directora de un internado para niñas en Virginia, es probablemente la mejor apuesta. Si la cinta, que se estrena el 30 de junio, recibe el impulso suficiente, podría generar atención para otros también, como Colin Farrell (quien actúa con Kidman en “Sacred Deer”), Kirsten Dunst y Coppola.

ROBERT PATTINSON — La excompañera de Pattinson en “Twilight” (“Crepúsculo”), Kristen Stewart, ha usado Cannes para mostrar otro lado de sí misma en filmes como “Clouds of Sils Maria” (“Las nubes de María”) y “Personal Shopper” (“Fantasmas del pasado”). Ahora Pattinson lo hace también. Su estilo desaliñado y sucio como un asaltante de bancos de Queens en “Good Time” de Benny y Josh Safdie fue de inmediato elogiado como lo mejor que del actor de 31 años ha hecho en su carrera.

WIND RIVER — Como guionista de “Hell or High Water” y “Sicario”, los relatos de Texas de Taylor Sheridan ya le han merecido una reputación para los dramas policiacos intensos. “Wind River”, que se estrenó primero en Sundance en enero, marca tres éxitos consecutivos para el realizador, que ahora debuta como director. La película sigue la investigación de un asesinato en una reserva indígena y es protagonizada por Jeremy Renner, quien también se destaca con su actuación.

THE FLORIDA PROJECT — La cinta previa de Sean Baker, “Tangerine”, no llegó a los Oscar, aunque sí quedó en múltiples listas de las 10 mejores películas y recibió premios de la crítica, pese a haberse filmado con un iPhone. Para “The Florida Project”, Baker usó una cámara de 35mm para narrar la historia de un par de niñas pobres de 6 años que viven en moteles baratos de Orlando a las sombras de Walt Disney World. Fue uno de los pocos éxitos de fugitivos en el festival.

WONDERSTRUCK —”Wonderstruck” de Todd Haynes no contará con actuaciones de artistas de renombre como su último filme, “Carol”, con Cate Blanchett y Rooney Mara. Pero “Wonderstruck”, su adaptación de la novela juvenil de Brian Selznick, narra con meticulosa destreza dos historias paralelas, una en 1927 y la otra en 1977. Gran parte del filme transcurre sin diálogos — por lo que se la ha comparado con “The Artist” — y Haynes usa todas sus habilidades cinemáticas para crear su magia. La música de Carter Burwell, además, es digna de reconocimiento. (AP)