‘Las hijas de Abril’, un regreso afortunado para Michel Franco

Para Michel Franco la adolescencia es algo más que una edad en la que no se es niño ni adulto.

“Me interesa entenderlo como una etapa formativa en la que muchas cosas terminan de definirse”, dijo el cineasta mexicano en una entrevista reciente con The Associated Press. “De adolescente cometes los peores errores o por el contrario descubres las cosas que te van a hacer feliz por el resto de tu vida. Es una etapa muy interesante y llena de contrastes”.

Es un tema que ha abordado en cintas como “Daniel y Ana” y “Después de Lucía”, y más recientemente “Las hijas de Abril”, que le mereció su tercer premio en el Festival de Cine de Cannes el pasado mayo y que se estrena este fin de semana en México.

La cinta sigue a Valeria, una joven de 17 años interpretada por la actriz mexicana Ana Valeria Becerril que se enfrenta a un embarazo y al regreso de su distanciada madre a su vida.

“La pura imagen de una adolescente embarazada, que es como empieza esta película, es una imagen muy bella, llena de vida y llena de esperanza, pero también te da mucho nervio ver a una chica embarazada a los 17 años porque sabes que tal vez ni ella está consciente de todo lo que le viene por delante”, explicó el realizador.

Inicialmente Franco, que en 2015 ganó el premio al mejor guion en Cannes por “Chronic”, rodada en Los Ángeles, pensó filmar “Las hijas de Abril” fuera de México con una actriz estadounidense. Pero mientras escribía el guion, decidió que sería mejor volver a su país.

“Estoy convencido de que no hay un lugar donde pueda hacer mejor cine que en México”, dijo. “Quiero mucho a mi país. Me duele mucho también ver cuánta gente no vive con plenitud en México por muchos motivos, por todos los conflictos que hay, pero eso también se puede retratar en el cine”.

El cineasta ha sido galardonado en Cannes con el premio a la mejor película en la sección Un Certain Regard por “Después de Lucía” (2012), el premio al mejor guion por “Chronic” (2015) y el premio del jurado de Un Certain Regard por “Las hijas de Abril”.

“Regresar de Cannes por tercera vez con un premio y que se vuelva un motivo de festejo a nivel nacional, que el país se apropie de la película también _ me parecería un desperdicio irme a ser extranjero y perder esto en cualquier lugar”, recalcó.

“Las hijas de Abril” trata tanto de Valeria como de su madre, una atractiva española que tras el nacimiento de su nieta comienza a tener un comportamiento cada vez más errático y a sentir atracción por el padre de la bebé. El papel es interpretado a la perfección por la española Emma Suárez, la estrella de “Julieta” de Pedro Almodóvar.

“Me sedujo mucho este personaje y lo primero que tenía que hacer era liberarme de tabús, prejuicios y moralidad”, dijo Suárez a la AP. “La ley esencial para interpretar un personaje es no juzgar, entonces yo tenía que defender a esta Abril como fuera, … (hacer) que el espectador sintiera empatía, que de alguna manera comprendiese a esta mujer porque hay muchas Abriles en el mundo, más de las que nos podríamos imaginar”.

“Es más”, agregó la actriz, “yo seguramente en algún momento de mi vida me he comportado como Abril y soy inconsciente de ello”.

Por su parte Becerril, que al momento de filmar tenía 19 años, relató que para inspirarse escuchó testimonios de madres solteras que le hicieron ver que en muchos casos se embarazaban para evadir la soledad.

Valeria “se ve un poco obligada a madurar de golpe, a tomar decisiones no solo por ella sino por su hija y por su casa y eso lo hace más interesante, sobre todo el hecho de saber que se va a equivocar”, dijo Becerril.

Con el fin de plasmar una relación tan fuerte como la de Abril y Valeria, Franco siguió un método poco común. Primero, les pidió a Becerril y Suárez que vivieran con Joanna Larequi, que interpreta a la hija mayor de Abril, en la casa donde se rodaron muchas de las escenas. Incluso les dio libertad para modificar la decoración a su gusto. Luego filmaron en orden cronológico e incluyeron múltiples escenas de improvisación al tiempo que Franco iba editando.

“Supongo que tiene mucho que ver con que no fui a la escuela de cine y entonces hago las cosas como creo que es mejor hacerlas desde el sentido común”, dijo el director, quien estudió comunicación. “Cuando todos tenemos la misma película en la cabeza es difícil que … te equivoques de camino”. (AP)

Ricardo Darín recibirá el Premio Donostia en San Sebastián

El actor argentino Ricardo Darín recibirá el Premio Donostia a la trayectoria en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en septiembre, anunciaron el miércoles los organizadores.

El reconocimiento coincidirá con la presentación de “La cordillera”, un thriller político del realizador argentino Santiago Mitre protagonizado por Darín, ambientado en una cumbre de presidentes latinoamericanos. En el filme, Darín, como el mandatario argentino Hernán Blanco, se enfrenta a un conflicto familiar en un momento en que debe tomar la decisión más importante de su carrera política.

La cinta se estrenó en mayo en el Festival de Cine de Cannes y su llegada a los cines argentinos está prevista para mediados de agosto. En España se podrá ver tras su paso por el Festival de San Sebastián, que se celebra entre el 22 y el 30 de septiembre.

Darín, de 60 años, contaba ya con una larga carrera en cine y televisión en Argentina cuando dio el salto al escenario internacional con “Nueve reinas”, la ópera prima de Fabián Bielinsky, en el 2000. Su versatilidad interpretativa le ha llevado a trabajar con cineastas como Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fernando Trueba, Damián Szifron, Pablo Trapero y Cesc Gay.

El actor argentino no es ajeno al festival de la ciudad vasca. En 2014 presentó allí “Relatos salvajes” de Szifron, que fue reconocida por el público como la mejor película europea, y al año siguiente obtuvo la Concha de Plata a la mejor interpretación masculina por “Truman” de Gay, un premio que compartió con el coprotagonista de la cinta, Javier Cámara.

Próximamente compartirá pantalla con Penélope Cruz y Javier Bardem en la nueva película del director iraní Asghar Farhadi, aún sin título. (AP)

HBO Latin America expande acceso a su programación sin contratar otro servicio

Sin necesidad de contratar otro servicio, HBO Latin America expande el acceso a su programación mediante la suscripción online a HBO GO que se lanzó el 15 de junio en 17 países adicionales de América Latina.
Por primera vez los consumidores en México pueden suscribirse a HBO GO como un servicio independiente a través de las tiendas digitales desde cualquier dispositivo con iOS y Android 2 para obtener acceso inmediato al contenido.

Como parte de la oferta para los nuevos suscriptores que contratan el servicio a través de las tiendas digitales (Apple App Store y Google Play Store) HBO ofrece un mes gratis de prueba.
“En 2016 HBO cumplió 25 años de haber comenzado su aventura en el territorio Latinoamericano y siempre hemos tratado de estar atentos al desarrollo de más plataformas de distribución de contenido con la mejor señal en alta resolución”, comentó Francisco Smith, EVP de Distribución y Desarrollo de Medios de HBO Latin America.
Destacó que hoy en día el consumidor busca acceder con más facilidad a los contenidos que se ofrecen. También exige una mejor calidad al momento de ver lo que a él le guste, a la hora que quiera y en el lugar que pueda hacerlo.
“México es un ejemplo de crecimiento de más del 15 por ciento de los hogares con banda fija. El contenido siempre tendrá un valor extraordinario de producción. Por ello ofrecemos no sólo títulos relevantes de todo el mundo, sino grandes producciones originales”.
La compañía también anunció que HBO GO estará disponible en los dispositivos de cuarta generación de Apple TV, que permite “streaming” de video directamente al televisor.
La suscripción online a HBO GO permite a los fans tener acceso fácil e inmediato a todo lo mejor del catálogo de contenido exclusivo de HBO. Sólo hace falta un dispositivo móvil y una conexión de banda ancha.
“HBO ofrece toda la librería histórica de producción de hace 40 años. Hay programas que hicieron mucho ruido pero no llegaron a todos los hogares del territorio latinoamericano debido a que no existían los elementos tecnológicos para que pudieran contratar los servicios.
“Pero hoy todas esas personas tienen la oportunidad de ver ‘Los Sopranos’, ‘’Epitafios’, ‘Capadocia’ y demás títulos del tesoro que tenemos. Asimismo, tendrán acceso a todo lo nuevo y exclusivo que nos caracteriza, a aquellas películas taquilleras y las nuevas temporadas como la séptima de ‘Game of Thrones’”.
El servicio HBO GO estará disponible en México a un costo de 149 pesos al mes.
“Sabemos que hay una fuerte demanda de nuestros fans por tener acceso online a contenido premium y ahora el contenido exclusivo de HBO está más accesible que nunca”, puntualizó Smith. (NTX)

Blood Window llega a México: terror, ciencia ficción, thriller, gore y más

La muestra de talento iberoamericano de cine de terror, ciencia ficción, thriller, gore y cine bizarro, titulada Blood Window, realizará su segunda edición, del 23 al 28 de junio, en salas de arte de Cinépolis de la Ciudad de México, Guadalajara y Puebla.

La muestra es una plataforma de promoción de los talentos iberoamericanos especializados en dichos géneros y que para esta ocasión ha incluido un programa de formación llamado “Blood Window Forum”, que consiste en una convocatoria de “pithing” para corto y largometraje mexicano.

El programa tiene como fin promover la industria cinematográfica en la región, incentivar el emprendimiento de las industrias creativas y apoyar las instituciones de formación y docencia. Esta convocatoria cerró con la inscripción de más de 40 proyectos de largometrajes y más de 60 de cortometrajes.

Paralelamente a las proyecciones de las películas, se realizarán “masterclass”, “workshops” y actividad de “networking” para complementar la formación especializada a través de expertos en el ámbito del género fantástico.

Las películas que comprenden la muestra de Blood Window son: “Madre”, Chile, de Aaron Burns; “El ataúd de cristal”, España, Haritz Zubillaga; “El muerto cuenta su historia”, Argentina, Fabían Forte; “Hipersomnia”, Argentina, Gabriel Grieco; “1974, la posesión de altair”, México, Víctor Dryere.

También “Mal nosso”, Brasil, Samuel Galli; “Terror 5”, Argentina, Federico Rotstein, Sebastian Rotstein; “El vigilante”, México, Diego Ros; “La región salvaje”, México, Amat Escalante; “La hermandad”, México, Alejandro G Alegre.

Confirman quinta temporada de “Luther”


La serie de cuatro partes “Luther”, escrita por Neil Cross y protagonizada por Idris Elba, quien ha recibido un Golden Globe y Sag Award por su interpretación de “John Luther”, comenzará a rodar su quinta temporada a principios de 2018.

Cross dijo que aún quedan asuntos por resolver en la serie. “La cuestión es que nos hemos estado haciendo la misma pregunta: ¿Porque amamos a John? y ¿Qué es lo que está tramando?

“En cuanto a mí, tengo miedo de los monstruos, la cara en la ventana, la mano debajo de la cama, la sombra al final de la calle. ¿Quién va a detenerlos, si no es John Luther?”

Relató que al final llamaron a algunos viejos amigos para preguntarles si les gustaría saber que sucedió después con la historia que se emitió por la señal de BBC y resultó que sí quisieran conocer. “Así que eso es lo que vamos a hacer. Vamos a averiguar qué sucede después”.

Por su parte, el actor Idris Elba, afirmó: “Neil, la televisora y yo hemos estado hablando de una nueva temporada y estoy encantado de que hemos sido capaces de unir todos los componentes. Estoy ansioso por volverme a poner el abrigo”.

Piers Wenger, director de BBC Drama dijo que “Luther” es uno de los dramas más emblemáticos de BBC One y están muy emocionados de que Idris Elba esté retomando su papel de “John Luther”.

Hilary Salmon, productora ejecutiva de BBC Studios, añadió: “Estamos tremendamente orgullosos de traer al emblemático programa de “Luther” a BBC1.

El regreso de John Luther siempre es un gran evento, pero esta vez vamos a aumentar el nivel para hacer el espectáculo más grande, más audaz y, por supuesto, más aterrador que nunca”.

De acuerdo con un comunicado, “Luther” es producido por BBC Studios, el brazo de producción comercial de la BBC y coproducido con BBC America. Los productores ejecutivos son Idris Elba y Neil Cross, Marcus Wilson y Hilary Salmon para BBC Studios y Elizabeth Kilgarriff para la BBC.

 

‘Cars 3’ destrona a ‘Wonder Woman’


‘Cars 3’ llegó a toda velocidad al primer lugar por venta de boletos en taquillas de Norteamérica este fin de semana con 53,7 millones de dólares, destronando así a “Wonder Woman”, que ostentó el primer lugar por dos fines de semana consecutivos.

“Wonder Woman”, en su tercera semana en cartelera, sumó 41,3 millones dejando su total en 275,1 millones.

La debutante “All Eyez On Me” superó las expectativas al recaudar 26,4 millones colocándose en el tercer puesto, enterrando aún más a “The Mummy”, que en su segundo fin de semana cayó al cuarto lugar con 14,5 millones.

El thriller de Mandy Moore “47 Meters Down” quedó en quinto puesto con 11,2 millones, mientras que la comedia “Rough Night” tuvo un mal comienzo colocándose en séptimo lugar únicamente con 8 millones de dólares.

A continuación las 10 películas con mayores ingresos por taquilla en Estados Unidos y Canadá de viernes a domingo, según cifras compiladas el lunes por comScore.

1. “Cars 3”, 53,6 millones de dólares.
2. “Wonder Woman”, 41,2 millones
3. “All Eyez On Me”, 26,4 millones
4. “Mummy, The”, 14,5 millones
5. “47 Meters Down”, 11,2 millones
6. “Pirates Caribbean:Dead Men Tell No Tales”, 8,9 millones
7. “Rough Night”, 8 millones
8. “Captain Underpants: The First Epic Movie”, 7,1 millones
9. “Guardians Of The Galaxy Vol. 2”, 5 millones
10. “It Comes At Night”, 2,6 millones

‘Cars 3’, una competencia constante

Por Kathleen Kelly

El cine tiene el fabuloso don de sacar a flote lo que traemos en nuestro interior. Es por ello que siempre digo que es totalmente subjetivo.

Una película de dibujos animados para niños puede dejar una gran lección para los no tan niños.

Ese ha sido el caso de Cars 3, dirigida por Brian Fee, que movió fibras y dejó pequeñas lecciones, sobretodo cuando constantemente te cuestionas sobre el siguiente paso.

‘Cars 3’, la tercera parte de las aventuras del bólido rojo de Pixar, no solo mantiene la emoción propia de una competencia constante del legendario Rayo McQueen, sino también el buen humor.

A mi parecer deja mucho homenaje a las películas de Rocky 3 y 4, aunque mantiene su originalidad en el mensaje y el final.

El planteo de la nueva aventura de McQueen, es similar al de Rocky 3, cuando Balboa le teme al nuevo talento, Mr. T, y en el declive de sus días de gloria. En Cars 3 es Tormenta Jackson, o Jackson Storm, el nuevo corredor de última generación y tecnología de punta, que llega a la Copa Piston y deja atrás al Rayo McQueen.

Además de la derrota del campeón, parte del entrenamiento del Rayo McQueen transcurre en una playa, como cuando Sylvester Stallone (Rocky Balboa) y Carl Weathers (Apollo Creed) entrenaron velocidad y Balboa se enfrentaba a sus demonios en la arena antes de la final y definitiva pelea contra Mr. T (Clubberg Lang).

Pero también tiene mucho de Rocky 4. La nueva forma de entrenar, fuera del asfalto y la tierra, con simuladores, recuerda tanto a la nueva revelación de la Unión Soviética, Iván Drago (Dolph Lundgren), que su entrenamiento y monitoreo de rendimiento era a base de máquinas y computadoras, muy similar a la forma de preparación de Tormenta Jackson.

Mientras que McQueen se abre ventanas en la tierra, lodo, arena, como Balboa en las montañas y áspero clima de Rusia en fechas decembrinas.

‘Cars 3’ se encarga de contarnos una historia de constante lucha entre la nueva y la vieja escuela; entre el paso del tiempo que crispa, preocupa y angustia mucho, especialmente cuando resta facultades para dedicarse a un oficio y una pasión.

Para desempolvar el miedo y comprender el nuevo rumbo, Rayo necesitará la ayuda de Cruz Ramírez, una joven y entusiasta mecánica de carreras que tiene un plan para ganar, además de la inspiración del mítico Hudson Hornet y algunos giros inesperados.

Y sin presumir de feminista, deja al género femenino bien parado. Ya que destaca que una mujer no está imposibilitada a lograr sueños en un mundo dominado por los hombres, a sumar para el triunfo y a mostrar que sacando el miedo y canalizando el enojo en algo positivo se puede conseguir la bandera a cuadros.

En #annecyfestival, el 2D le gana al 3D


Pese a que el mercado mundial del cine de animación está dominado por el 3D, la 41 edición del Festival Internacional de Cine de Annecy, considerado “el Cannes” de la animación, dio el premio a dos expresivas películas en 2D.

La gran ganadora, realizada en 2D, fue la japonesa ‘Lu Over the Wall’, realizada por Masaaki Yuasa, la cual obtuvo el Premio Cristal a mejor largometraje de animación.
En ‘Lu Over the Wall’, Kai es un niño que vive en un pueblo de pescadores solitario. Un día, conoce y se hace amigo de Lu, una sirena que le gusta cantar y bailar. Pero la gente del pueblo siempre ha pensado que las sirenas traen desastre. Algo pasa que pone una grieta enorme entre Lu y los aldeanos, poniendo en peligro la ciudad.


Este año, en el festival de animación más importante del mundo, trabajos franceses y japoneses dejaron poco espacio para alguien más, con excepción de Vincent Van Gogh:

‘Loving Vincent’ (2017), de Dorota Kobiela y Hugh Welchman, además de obtener el Premio del Público, recibió una ovación de pie de 10 minutos durante su estreno mundial en Annecy se autorizó su comercialización en más de 90 países por parte de su productora Cinema Management Group:

Éste es el primer largometraje en el mundo que ha sido pintado completamente, con el objetivo de contar la vida de Vincent Van Gogh. Cada uno de los 65 mil cuadros de la película fue pintado a mano por 115 pintores profesionales que viajaron de toda Europa a los estudios de ‘Loving Vincent’ para formar parte en esta producción única.
El Premio del Jurado de Annecy fue para el film del japonés Sunao Katabuchi, ‘In This Corner of the World’, también realizado en 2D:

En este film, la joven Suzu deja Hiroshima en 1944 para casarse y vivir con la familia de su marido en Kure, una ciudad portuaria militar. La guerra hace que sus condiciones de vida sean cada vez más difíciles, pero a pesar de esto, la joven cultiva alegría y entusiasmo por la vida. Pero en 1945, los bombardeos pusieron su coraje a prueba.
Estos son todos los ganadores del Festival de Animación de Annecy 2017:
Largometrajes:

Premio CRISTAL

“Lu Over the Wall,” (Masaaki Yuasa, Japan)
Premio del PÚBLICO

“Loving Vincent;” (Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Pologne, Royaume-Uni, Poland, United Kingdom)
Premio del JURADO

“In This Corner of the World,” (Sunao Katabuchi, Japan)

Cortometraje:

AUDIENCE AWARD
“Grandpa Walrus,” (Lucrèce Andreae, France)


JURY DISTINCTION

“The Ogre,” (Laurène Braibant, France)

JEAN-LUC XIBERRAS AWARD FOR A FIRST FILM

“The Blissful Accidental Death,” (Sergiu Negulici, Romania)
JURY AWARD

“Wicked Girl,” (Ayce Kartal, Turkey)
CRISTAL FOR A SHORT FILM

“The Burden,” (Niki Lindroth Von Bahr, Sweden)
TV AND COMMISSIONED FILMS

JURY AWARD

“Moby “Are You Lost in the World Like Me?,” (Steve Cutts, United Kingdom)
CRISTAL FOR A COMMISSIONED FILM

“Material World,” (Anna Ginsburg, United Kingdom)
TV SERIES & SPECIALS

JURY AWARD FOR A TV SERIES

“The Man-Woman Case,” Episode: “Wanted,” (Anaïs Caura, France)

SPECIAL DISTINCTION FOR A TV SERIES

“BoJack Horseman,” Episode: “Fish Out Of Water,” (Mike Hollingsworth, United States)

CRISTAL FOR A TV PRODUCTION

“Revolting Rhymes Part One,” (Jakob Schuh, Jan Lachauer, Bin-han To,United Kingdom)
GRADUATION FILMS

JURY DISTINCTION

“Pas à pas,” (Charline Arnoux, Mylène Gapp, Léa Rubinstayn, Florian Heilig, Mélissa Roux, France)
JURY AWARD

“Summer’s Puke is Winter’s Delight,” (Sawako Kabuki, Japan)
CRISTAL FOR A GRADUATION FILM

“Sog,” ( Jonatan Schwenk, Germany)
ANIMATION OFF-LIMITS

OFF-LIMITS AWARD

“Dix puissance moins quarante-trois seconde,” (France)
HONORARY CRISTAL

Georges Schwizgebel

John Hopewell, Emilio Mayorga and Lorena Jaramillo contributed to this article

Pixar presenta en Annecy ‘Coco’, inspirada en el Día de Muertos mexicano


La productora estadunidense Pixar presentó hoy imágenes inéditas de su nueva película “Coco”, inspirada en la tradición mexicana del Día de Muertos, en el marco del 41 festival de cine de animación de Annecy, Francia, considerado el más relevante en su tipo a nivel mundial.

“Al situar la historia durante el Día de Muertos, una fiesta que nos ha fascinado siempre, elegimos mandar una carta de amor a México”, declaró a la prensa en Annecy la productora de la película, Darla K. Anderson.

“Lo interesante y cautivador del Día de Muertos es que es una celebración y no un duelo”, explicó por su parte a medios franceses Adrián Molina, quien dirigió la cinta junto con Lee Unkrich, realizador de “Toy Story 3”.

“Cada vez que hemos ido a México hemos sentido su amor por la vida y por nuestras películas”, agregó Molina, quien es de origen mexicano.

Los asistentes al evento en Annecy pudieron ver un extracto de unos pocos minutos de la nueva película de Pixar, partes del guión gráfico, de la animación y secuencias en baja definición.

La cinta de la filial de Disney, desarrollada durante cinco años, cuenta la historia de Miguel, un músico apasionado, pero al que su familia le impide cumplir sus sueños.

Según fuentes de la prensa de la industria cinematográfica, el actor mexicano Gael García Bernal pone la voz de uno de los personajes.

La película será la segunda de la factoría Pixar de este año y, según sus creadores, incluye mucha música, pero no es una comedia musical.

Medios franceses elogiaron la riqueza visual de algunas de las escenas de la cinta exhibidas este viernes en el festival de Annecy, en particular la del reino de los muertos.

La presentación del filme fue una de las que suscitó más interés entre la prensa internacional y los asistentes al certamen de Francia, donde la película se estrenará en noviembre próximo. (NTX)

‘La tortuga roja’ busca armonía con la naturaleza

Para el director holandés Michael Dudok de Wit la armonía entre la naturaleza y el hombre, reflejada en su película animada “La tortuga roja”, se ha perdido.

“Siento que como humanos nos hemos olvidado que somos parte de la naturaleza, nunca hemos dejado de serlo y siempre lo seremos, pero lo hemos olvidado”, dijo en entrevista desde Gran Bretaña.

La cinta, que estuvo nominada al Oscar y se estrena este fin de semana en las salas mexicanas, fue producida por el legendario estudio japonés Ghibli que también ha estado detrás de películas como “El viaje de Chihiro” y “Mi vecino Totoro”.

En ella un hombre naufraga y llega a una isla tropical donde conoce a una gran tortuga roja que se convierte en una mujer y con quien tiene un hijo.

“El hombre simboliza la civilización, de ahí viene… La mujer simboliza la naturaleza”, dijo Dudok de Wit. “El hijo de alguna manera es la fusión de los dos, es totalmente humano pero no está civilizado”.

El hijo es un gran nadador, el mar es su elemento y puede entender a las tortugas. Es la armonía entre el hombre y la mujer, agregó el director.

Aunque la historia suena como una leyenda asiática la idea provino de un personaje totalmente occidental: Robinson Crusoe. Dudok de Wit se preguntaba cómo reaccionaría un hombre ante una situación tan extrema como estar solo en una isla.

Hacer una película donde no existe el diálogo fue todo un reto. Los personajes gritan, hacen sonidos, pero no hablan. “No se sentía bien, los cambiamos y lo intentamos pero no se sentía bien. Al final de cuentas mis productores japoneses me llamaron y dijeron ‘hemos estado pensando en los diálogos y por qué no mejor los quitamos todos’”, recordó Dudok de Wit.

En la producción se esmeraron para que el lenguaje corporal y los gestos fueran claros, dando como resultado una historia con un idioma universal.

Otro de los puntos destacados de la cinta es la textura de los dibujos, similar a una acuarela. En director usó carboncillo, que se puede notar especialmente en las escenas nocturnas, para resaltar el grano del papel y darle una dimensión mayor al dibujo.

“Escaneamos todos los dibujos en grafito blanco y negro y coloreamos todo con Photoshop… La belleza del grafito es que en unos pocos minutos puedes hacer muchas de las partes”, explicó.

El coloreado con Photoshop fue lo más lento. A pesar de esta tecnología la película fue hecha casi en su totalidad con técnicas clásicas de dibujo bidimensional, indicó el director.

“A los humanos nos encantan los dibujos, la estilización de la realidad”, dijo el director. “Me gustan los dibujos porque no son perfectos, la animación por computadora puede ser demasiado perfecta, demasiado limpia”.

La única excepción son las tortugas que fueron hechas por computadora ya que era muy difícil animar su figura moviéndose lentamente. “Le decía a los encargados del arte por computadora ‘por favor, esto tiene que mantenerse en el estilo de la película, se tiene que ver tan natural que solo los expertos puedan notarlo’”.

El director tardó unos cuatro años en desarrollar la historia y la siguiente fase fue hacer una versión muy básica de la película y buscar financiamiento. Finalmente el equipo de dibujantes trabajó en el sur de Francia por unos tres años.

“Todavía me cuesta trabajo creerlo porque son muy grandes y sus películas son adoradas en Europa y son enormes en Asia”, dijo el director sobre Ghibli. “Un día de manera totalmente inesperada me mandaron una carta para invitarme a trabajar con ellos, dijeron ‘no prometemos nada, quizá no funcione pero intentémoslo’”.

Este es el primer largometraje del director y la primera colaboración del estudio con un cineasta no japonés.

“Lo importante es que uno no sea de un país u otro sino que se sientan profundamente conectados con la obra del artista”, dijo Dudok de Wit, cuyo cortometraje “Father and Daughter” se puede encontrar en YouTube.

El resultado les valió su nominación al Oscar en la categoría mejor película animada que finalmente se llevó “Zootopia”.

“Fue fantástico cuando escuché cuando fuimos nominados… pero para ser honestos no tenía ilusiones. Sabía que una película de animación por computadora ganaría, eso ha pasado en los últimos 10 años”, dijo Dudok de Wit.  (AP)

El director holandés Michael Dudok de Wit.