La cinta de horror “It” domina taquillas

Por LINDSEY BAHR

LOS ÁNGELES.— La adaptación de la novela “It” de Stephen King debutó por todo lo alto, al recaudar 117,2 millones de dólares este fin de semana y dominar así las taquillas de los cines de Estados Unidos y Canadá.

“It” es ahora no solamente la cinta de horror con mejor debut y el mejor estreno en septiembre en todos los tiempos, sino que ganó más del doble de sus predecesoras.

Antes de esta semana, “Paranormal Activity 3” tenía el mejor estreno para una película de horror, con 52,6 millones de dólares en 2011 y el mejor estreno en septiembre fue “Hotel Transylvania 2”, con 48,5 millones de dólares en 2015.

“Rebasamos las proyecciones más optimistas y audaces y creo que pudiera haber espacio para crecer más este fin de semana”, dijo Jeff Goldstein, presidente de distribución nacional de los estudios Warner Bros.

Goldstein dijo que se mostró conservador con los cálculos el domingo debido a los factores combinados de la clasificación restringida de la película, la popularidad de las proyecciones nocturnas, el inicio de la temporada de fútbol americano y el huracán Irma.

Pero sin importar si hay un alza cuando se reporten las cifras definitivas el lunes, el éxito de “It” es asombroso, especialmente considerando que costó solamente 35 millones para producir.

Además, los críticos coincidieron con las audiencias, al dar reseñas generalmente positivas.

Protagonizada por Bill Skarsgard como el payaso homicida Pennywise y nuevos rostros como los siete niños del Losers Club, la película es la primera parte de una serie de dos. La segunda está planeada para 2019.

“No creo que nadie pudo imaginar un estreno de más de 100 millones para esta película”, dijo en analista de comScore Paul Dergarabedian.

El dominio de “It” hizo que el resto de la lista de las 10 películas más taquilleras se viera anémico. La otra debutante, la comedia romántica de Reese Witherspoon “Home Again”, consiguió apenas 9 millones de dólares. En tercer puesto estuvo “The Hitman’s Bodyguard”, con 4,9 millones. “Annabelle: Creation” se llevó el cuarto, con 4 millones y el drama policial “Wind River” cerró las cinco primeras, con 3,2 millones.

Sin embargo, un éxito masivo como el de “It” tiene el potencial de beneficiar las taquillas en su totalidad, estimulando más asistencia del público a las salas.

“Es un negocio cíclico”, dijo Dergarabedian. “Septiembre va ser el agosto que deseábamos tener. Pudiéramos estar encaminados a un mes récord después de un verano pésimo”. (AP)

A continuación, las ventas calculadas en las taquillas cinematográficas de Estados Unidos y Canadá, de acuerdo con comScore. Las cifras finales serán dadas a conocer el lunes:

1. “It”, 117,2 millones de dólares.

2.”Home Again”, 9 millones.

3.”The Hitman’s Bodyguard”, 4,9 millones.

4.”Annabelle: Creation”, 4 millones.

5.”Wind River”, 3,2 millones.

6.”Leap!” 2,5 millones.

7.”Spider-Man: Homecoming”, 2 millones.

8.”Dunkirk”, 2 millones.

9.”Logan Lucky”, 1,8 millones.

10.”The Emoji Movie”, 1,1 millones.

Del Toro gana el León de Oro con “The Shape of Water”

Por JILL LAWLESS y SIAN WATSON

VENECIA. — Guillermo del Toro ganó el León de Oro, el máximo premio del Festival de Cine de Venecia, por su película de suspenso sobre monstruos “The Shape of Water”, con lo que coronó el evento de 11 jornadas en el que los demonios de las divisiones sociales y los desastres ambientales fueron los temas dominantes.

Un jurado presidido por la actriz estadounidense Annette Bening declaró ganador al cineasta mexicano, cuya cinta se impuso a “Suburbicon” de George Clooney y “Downsizing” de Alexander Payne, que también competían por el mismo galardón.

Del Toro, de 52 años, dijo que espera que este triunfo inspire a los jóvenes directores a “tener fe en cualquier cosa en la que tengan fe”.

“En mi caso, son los monstruos”, declaró el cineasta, que ha dirigido películas de demonios y otras criaturas fantásticas entre las que se cuentan “Hellboy” y “El laberinto del fauno”.

La victoria le da a “The Shape of Water” un impulso antes de la temporada de premios de Hollywood. La película trata sobre una joven muda, interpretada por Sally Hawkins, que se enamora de una misteriosa criatura marina a la que mantienen encerrada en un laboratorio de alta seguridad.

Muchos espectadores en Venecia elogiaron la audaz mezcla de géneros de la cinta: Es una película de monstruos, un thriller de la Guerra Fría y en ocasiones incluso un musical.

Del Toro dijo que su victoria era una reivindicación de las cintas sobre monstruos, la ciencia ficción y otros géneros cinematográficos que a veces son ridiculizados.

“Este es un hermoso incentivo, un hermoso acto de amor, y me parece que es algo muy necesario”, declaró el cineasta a la prensa. “Llegó la hora de que entendamos que no se puede legitimar solo a ciertos géneros” y no a otros.

Del Toro dijo que la “misión de su vida” ha sido mostrar que es posible que las películas de ciertos géneros posean inteligencia, arte y belleza.

La 74ta edición del festival cinematográfico más antiguo del mundo atrajo a estrellas como Clooney, Matt Damon y Jennifer Lawrence a la lujosa isla Lido en la ciudad de los canales.

La cinta de Del Toro fue una de las varias que abordaron la preocupación del trato que da la humanidad a la Tierra y el de los seres humanos entre sí.

Otras películas abarcaron temáticas similares: la furia de una pequeña localidad en “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”, de Martin McDonagh; la agonía espiritual del ecodrama “First Reformed”, de Paul Schrader; los inmigrantes que huyen de la guerra, la sequía y el hambre en el documental “Human Flow”, de Ai Weiwei; y “mother!”, de Darren Aronofsky, una emocionante parábola de la Madre Tierra bajo ataque.

El Gran Premio del Jurado para el segundo lugar fue otorgado a “Foxtrot”, del israelí Samuel Maoz. La cinta es un estudio fascinante sobre el dolor de una familia y la manera como un trauma tiene eco a través de generaciones.

Maoz, ganador del León de Oro en 2009 por su película de guerra “Lebanon”, tuvo cierta recepción negativa en Israel porque “Foxtrot” critica al ejército, la institución más respetada del país.

El cineasta dijo que ninguna sociedad podría florecer cuando “los críticos son considerados traidores”.

“Si critico el lugar donde vivo, lo hago porque me preocupa”, señaló. “Lo hago porque quiero protegerlo. Lo hago por amor”.

Por su parte, el francés Xavier Legrand fue elegido mejor director por su primer largometraje “Custody”, que también obtuvo el premio del festival a la mejor opera prima.

El palestino Kamel El Basha, de gran experiencia en los escenarios, recibió el galardón al mejor actor por su papel en el drama “The Insult”, dirigido por el libanés Ziad Doueiri, mientras que la británica Charlotte Rampling fue elegida mejor actriz por su trabajo en la cinta “Hannah”, de Andrea Pallaoro.

Otros ganadores fueron el western australiano “Sweet Country” de Warwick Thornton, película que se llevó el premio Especial del Jurado, y “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”, de McDonagh, que obtuvo el galardón al mejor guion.

El actor estadounidense Charlie Plummer, de 18 años, fue nombrado el mejor actor joven por su interpretación de un chico solitario que entabla una amistad con un viejo y cansado caballo de carreras en la película “Lean on Pete” de Andrew Haigh.

La cinta “Nico, 1988”, dirigida por la italiana Susanna Nicchiarelli, ganó la sección Horizontes para cineastas más nuevos y vanguardistas. Narra la biografía de Nico, el excantante de Velvet Underground.

Venecia tiene el antecedente de darle un impulso a películas para que ganen en los premios de Hollywood.

La edición de este año del festival produjo una cosecha de posibles aspirantes a los Oscar, como Frances McDormand por “Three Billboards”, Helen Mirren y Donald Sutherland por “The Leisure Seeker” y Jennifer Lawrence por “mother!”.

La adquisición de Netflix sobre Millarworld

Por: Víctor De Lucio

@elipsigrafo

Netflix, empresa de contenidos por internet bajo el esquema “por demanda” (streaming), informó el pasado 7 de agosto que realizó la adquisición de los derechos de los productos de Millarworld, tanto en su versión impresa como de otros relacionados. El objetivo sería la creación conjunta de nuevos cómics, así como la adaptación de títulos existentes a películas y series televisivas.

Millarworld Limited es una empresa que reúne una gama de publicaciones bajo el concepto creatror-owned, es decir, historias que son propiedad de sus creadores y no de las editoriales que las publican (como sucede tradicionalmente bajo los sellos Marvel y DC). Mark Millar, fundador de dicha empresa, llegó a declarar que incluso otorgaba a los ilustradores la mitad de lo que se le pagara por una adaptación al cine de su obra (mitad Millar como escritor, mitad el ilustrador).

Mark Millar

La adquisición de Netflix es jugosa pues incluye títulos como: Reborn, Jupiter’s Circle, Jupiter’s Legacy, Chrononauts, Superior, Nemesis, entre otros. Los más conocidos por ya haber sido llevados al cine son Kick-Ass (Vaughn, 2010 y Wadlow, 2013), Kingsman: the Secret Service (Vaughn, 2015) y Wanted (Bekmambetov, 2008); y al parecer no podrían formar parte de la adquisición de Netflix por esta misma situación.

Millar tiene una larga trayectoria, ha escrito prácticamente a todos los grandes personajes y equipos de superhérores en DC y Marvel antes de enfocarse a sus propias creaciones. Quién sabe por qué, pero su paso por Marvel arrojó mayores impactos, baste mencionar que él escribió los cómics de The Ultimates, Ultimate Fantastic Four, Civil War, Old Man Logan, sobre los cuales hubo una ligera base para hacer las respectivas versiones cinematográficas de The Avengers (Whedon, 2012), Fantastic Four (Trank, 2015), Capitain America: Civil War (Russo y Russo, 2016) y Logan (Mangold, 2017).

Netflix comenta en su comunicado que estas películas recaudaron cerca de tres billones de dólares en taquilla, mientras que las películas comentadas dos párrafos arriba habrían hecho lo propio con un billón de dólares, ambas cifras a nivel global y, aunque los detalles de la transacción por Millarworld no se revelaron, los montos anteriores hablan de que la obra de Millar, de forma indirecta, le reporta influencia.

De eso a compararlo con un “moderno Stan Lee”, como menciona Ted Sarandos, Chief Content Officer de Netflix, hay una gran distancia pues, independientemente del camino cubierto por Millar y su esfuerzo personal, las condiciones de los mercados de los cómics y del cine son muy diferentes a las de antaño, por no hablar de los procesos de producción y formas de contratación.

Por otro lado, la comparación no es tan hueca como parece, ya que la adquisición hasta el momento se asemeja a una mera compra de ideas y argumentos con éxito moderadamente comprobado, justo como se había estandarizado hace 60 años.

Otro elemento de contexto es la compra que hiciera Disney sobre Marvel en 2009, y el anuncio de Disney de sacar sus contenidos de Netflix, a concretarse en 2019, para lanzar su propio proyecto de streaming. En el caso extremo de que Marvel/Disney decidieran sacar a sus personajes de Netflix, esta tiene ya en sus manos la gama de Millarworld a su disposición.

Apple le apuesta en grande al streaming de video

MICHAEL LIEDTKE

SAN FRANCISCO.— La televisión es una de las pocas pantallas que Apple no ha conquistado, pero eso podría cambiar pronto. La empresa más rica del mundo parece interesada en tener sus propios programas dignos de nominaciones al Emmy, a la altura de “Game of Thrones” de HBO o “Stranger Things” de Netflix.

Apple trajo a los veteranos ejecutivos de la TV Jaime Erlicht y Zack Van Amburg de Sony Corp. en junio y les dio 1.000 millones de dólares para gastar en programas originales durante el próximo año, de acuerdo con un reporte del Wall Street Journal que cita fuentes anónimas.

La programación estará disponible sólo en un canal por subscripción, probablemente ligado al servicio de streaming Apple Music. Apple rechazó hacer declaraciones al respecto.

Aunque 1.000 millones de dólares es mucho dinero, es un pelo de gato para Apple, cuya fortuna asciende a 262.000 millones en efectivo. Pero es suficiente para colocar a Apple en el grupo más importante de empresas tecnológicas que producen su propio contenido para televisión.

LA HISTORIA NO SE REPITE

Hollywood ha temblado con la idea de que Apple ponga la mira en la televisión, como lo hizo con la música.

Hace casi 15 años, el entonces director general de Apple, Steve Jobs, convenció a las discográficas de que le permitan a la empresa vender música en formato digital en su tienda iTunes por 99 centavos de dólar por canción, un acuerdo que satisfizo a la industria ante la creciente amenaza de la piratería desatada por Napster. Con el tiempo el dominio de Apple en la música digital irritó a los ejecutivos musicales, quienes vieron cómo la empresa se quedaba con una gran parte de sus ganancias.

El cine y la televisión han sido mucho más difíciles de dominar para Apple. El interés de la empresa por transformar la TV ha sido un secreto a voces por años, pero hasta ahora Hollywood ha desdeñado los esfuerzos de Apple para convertirse en un intermediario digital indispensable para el video.

De alguna manera Netflix le ganó a Apple dando el primer golpe con su innovador servicio de streaming. Lanzado en 2007, el servicio fue pionero en ofrecer a los espectadores temporadas enteras de series en cualquier dispositivo con una conexión a internet. Esto le dio nueva vida a programas existentes como “Breaking Bad”, cuyo creador reconoce a Netflix por permitirle sobrevivir, pero también impulsó la creación de otras series hechas para ser consumidas vorazmente.

Netflix también ayudó a desatar una ola de creatividad en Hollywood. Fue seguida por rivales como Amazon y Hulu, que también impulsaron populares servicios de streaming, así como cadenas como CBS y Walt Disney Co., propietaria de ABC y ESPN, entre otros canales.

LA NECESIDAD DEL NEGOCIO

Todo esto ha aumentado la presión para que Apple mejore su participación en la televisión, y también porque la popularidad cada vez mayor del streaming afecta su negocio de renta y venta de video en iTunes.

Apple “no se quiere quedar atrás”, dijo Debby Ruth, vicepresidente senior de investigación de consumo de la firma Magid. “Esta es su manera de reclamar su territorio”.

Este año la empresa estrenó sus dos primeras series originales _ “Planet of the Apps” y “Carpool Karaoke” _ en su servicio Apple Music, que tiene 27 millones de subscriptores. Pero ningún programa ha generado expectativas entre el público o ha sido aclamado por la crítica.

La contratación reciente de Erlicht y Van Amburg señala la intención de Apple de hacer un escándalo mayor. Los ejecutivos ayudaron a orquestar programas exitosos como “Breaking Bad” de AMC y más recientemente entraron al streaming con “The Crown”, que se estrenó en Netflix el año pasado y tiene 13 nominaciones a los premios Emmy, que se entregan el 17 de septiembre.

Apple tiene también un arma secreta: cientos de millones de iPhones e iPads en las manos de sus fieles seguidores. Fácilmente podría transformarlos en una plataforma mercadológica para atraer a los usuarios a su servicio de televisión.

A LA CONQUSTA DE HOLLYWOOD

Pero la empresa tiene una gran cuesta que subir.

Netflix tiene más de 100 millones de subscriptores a nivel mundial y un catálogo que agregará 1.000 horas de programación original tan sólo este año. Y HBO se ha convertido en el metrónomo de los Emmy desde que comenzó su programación original hace 20 años.

Ambas compañías superan por mucho los supuestos 1.000 millones de Apple en presupuesto de producción. HBO gasta unos 2.000 millones anualmente en sus programas, que obtuvieron 111 nominaciones al Emmy este año, más que cualquier otro canal. Netflix, que tiene el segundo mayor número de nominaciones a los Emmy con 91, gastará unos 6.000 millones en programación este año.

Apple sigue experimentando en televisión, dijo Gene Munster, un especialista en Apple y socio de la empresa de investigación y capital riesgo Loup Ventures. “En 10 años les aseguro que Apple estará invirtiendo 10.000 millones en un año o nada”, dijo Munster. “Será una o la otra”.

EL LEGADO DE JOBS

Jobs habló sobre sus ambiciones de cambiar la televisión con su biógrafo Walter Issacson poco antes de morir en el 2011. “Quería hacer por los televisores lo que había hecho con las computadoras, los reproductores de música y los teléfonos: hacerlos simples y elegantes”, escribió Isaacson.

Pero nunca se materializó una televisión de Apple. En vez de eso, Apple ha actualizado periódicamente su Apple TV, que no es un televisor sino un reproductor de streaming que se conecta a las televisiones. El aparato ha perdido su participación en el mercado ante otras opciones como Roku, Amazon y Google, de acuerdo con la firma de investigación Park Associates.

Crear programación exitosa le podría dar a Apple un impulso mayor para para pedir programas de otras importantes casas productoras de Hollywood. Incluso podría llevar a la empresa a finalmente lanzar su propio set de streaming para televisión.

Presumiblemente Apple también querría emular la capacidad de Netflix para explotar el uso de datos para determinar qué le gusta ver al público. El análisis de datos de Netflix ha ayudado a atraer otros 25,5 millones de subscriptores tan solo en Estados Unidos desde el estreno en febrero de 2013 de su primera serie original, “House of Cards”.

Pero si Apple decide que necesita algo más ayuda con el streaming de video, Munster cree que hay un tercio de probabilidades de que pueda comprar a Netflix para obtener instantáneamente la distinción y experiencia en televisión que tanto necesita. (AP)

Festival de Cine de Toronto le da un papel estelar al tenis 

JAKE COYLE

TORONTO.— Aunque rara vez son un éxito en la gran pantalla, las películas sobre tenis tienen un papel estelar este año en el Festival Internacional de Cine de Toronto, que comienza el jueves con “Borg/McEnroe”.

La cinta, protagonizada por Shia LaBeouf como John McEnroe y Sverrir Gudnason como Bjorn Borg, inaugura el festival canadiense de 10 días, considerado una plataforma de lanzamiento para las películas más anticipadas del otoño.

Este año el tenis recibe más atención que nunca en el festival, donde también se estrenará la confrontación entre Billie Jean King y Bobby Riggs “Battle of the Sexes”, así como el documental “Love Means Zero”, sobre el entrenador Nick Bollettieri.

Convenientemente, las películas llegan en momentos en que se acercan las finales del U.S. Open en Flushing, Nueva York, aunque por este mismo motivo McEnroe, un popular comentarista, no asistiría al festival. McEnroe también había expresado escepticismo por el filme al quejarse de que los realizadores y actores no se reunieron con él antes de comenzar el rodaje.

Ha sido dubitativo respecto a las cintas de tenis en general. “Son todas terribles”, dijo el año pasado a Vanity Fair.

Puede que LaBeouf no satisfaga a McEnroe; para empezar, el actor es zurdo. Pero LaBeouf ha igualado y superado al tenista con sus berrinches. El Festival de Cine de Toronto representa su primera aparición prominente desde su arresto de julio por embriaguez en un lugar público y otros cargos.

LaBeouf fue visto gritándole a policías en Savannah, Georgia, que “un hombre negro me arrestó por ser blanco”. El actor luego se disculpó por su comportamiento: “Mi total irrespeto a la autoridad es problemático por decir lo menos, y completamente destructivo por decir lo peor”, dijo. “Caí de nuevo. Espero haber tocado fondo”.

“Borg/McEnroe” se enfoca en la rivalidad y las finales de Wimbledon de 1980 entre ambas leyendas del tenis de temperamentos diferentes. Es una producción sueca dirigida por el cineasta danés Janus Metz Pedersen. La distribuidora independiente Neon prevé estrenarla en el otoño boreal, aunque no se ha anunciado la fecha.

Mientras otros deportes como el boxeo y el béisbol han protagonizado incontables películas, Hollywood en general se ha negado a darle un papel estelar al tenis. Claro que están “Strangers on a Train” (“Pacto siniestro”) de Alfred Hitchcock, en la que una estrella de tenis era arrastrada a un retorcido plan de asesinato; la nominada al Oscar “Match Point” (“La provocación”) de Woody Allen; y la comedia romántica del 2004 “Wimbledon”. Y la más memorable quizás sea “The Royal Tenenbaums” (“Los excéntricos Tenenbaums”) de Wes Anderson, que incluyó un flashback en el cual el tenista profesional interpretado por Luke Wilson sufre un colapso y comete 72 errores no forzados y, a mitad de partido, se quita los zapatos y las medias.

Pero “Borg/McEnroe” y “Battle of the Sexes” son las primeras grandes producciones que intentan llevar a las estrellas del tenis a la pantalla. “Battle of the Sexes”, con Emma Stone y Steve Carell, tiene mayores esperanzas. La cinta dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris (“Little Miss Sunshine”) recibió reseñas positivas y generó rumores de Oscar a su paso por el Festival de Cine de Telluride esta semana, previo a su debut en Toronto. (AP)

Jim Carrey desnuda su alma en el documental “Jim and Andy” 

JILL LAWLESS

VENECIA.— Jim Carrey, el actor cómico que llegó a ser uno de los más grandes astros de Hollywood en los 90, no existe.

Así lo dice el propio Carrey, quien llegó al Festival de Cine de Venecia esta semana con “Jim and Andy”, un documental sobre su experiencia interpretando al comediante Andy Kaufman en la cinta biográfica de 1999 “Man on the Moon” (“El lunático”).

El megaexitoso artista Jim Carrey, dijo, es “un personaje que me ha estado interpretando toda la vida”.

El comentario estuvo acorde con el espíritu subversivo de “Jim and Andy”, que hace uso de docenas de horas de filmación entre bambalinas durante el rodaje de “Man on the Moon”.

Carrey se mantuvo todo el tiempo metido en el personaje de Kaufman, una experiencia que admitió que “fue psicótica en ocasiones”.

“No siento para nada que yo hice la película”, dijo el actor el martes en Venecia. “Siento que Andy la hizo”.

El documental mezcla imágenes nunca antes vistas de la época con entrevistas recientes en las que Carrey medita sobre la experiencia, su carrera y la naturaleza de la identidad.

El resultado es una reflexión fascinante sobre identidad, fama y creatividad, incluso para quienes no estén familiarizados con el trabajo de Kaufman.

Conocido por su papel de Latka Gravas en la serie de comedia “Taxi”, Kaufman fue un provocador que trajo un espíritu anárquico a la escena de la comedia con rutinas que expandieron los límites e incluyeron imitaciones deliberadamente débiles, chistes y episodios de lucha con oponentes femeninas. Murió de cáncer pulmonar en 1984, a los 35 años.

Cuando hizo “Man on the Moon”, Carrey era una gran estrella que devengaba millones de dólares por comedias como “Ace Ventura: Pet Detective” (“Ace Ventura: Un detective diferente”), “The Mask” (“La máscara”) y “Dumb and Dumber” (“Una pareja de idiotas”).

Pero, como revela en el documental, se sentía vacío.

El director de “Jim and Andy”, Chris Smith, dijo que su conversación reveladora con Carrey fue como “la entrevista que uno siempre quiere pero nunca consigue”.

“Creo que volvía de un periodo en el que estuvo fuera del mapa y todavía tenía mucho que decir”, dijo Smith, quien también hizo los documentales “American Movie” y “The Yes Men”.

“Uno ve a una persona que logró todo lo jamás pudo haber deseado y llegó al otro lado, pero que aún era infeliz. Y esa es una idea muy desgarradora”.

En las imágenes tras bambalinas, el resto del elenco y el director Milos Forman parecen alternativamente entretenidos, confundidos y preocupados por la transformación total de Carrey en Kaufman. Entonces hay imágenes perturbadoras del alter ego de Kaufman Tony Clifton, un cantante de bar maleducado que se aparece de vez en cuando — interpretado por Carrey, pero a veces también por el amigo y colaborador de Kaufman Bob Zmuda.

La película, cuyo título completo es “Jim & Andy: The Great Beyond — the story of Jim Carrey and Andy Kaufman with a very special, contractually obligated mention of Tony Clifton”, es una especie de casa de la risa con perspectivas cambiantes.

Carrey, de 55 años, dijo que hablar con Smith le ayudó a entender el tiempo que interpretó a Kaufman como un paso en su viaje espiritual.

Dijo que hacer de Kaufman fue “una versión extrema de permitirse alejarse de uno mismo”.

“Uno se subyuga a otro personaje, y al hacerlo al final se da cuenta — cuando te toma un mes volver a ti —de qué diablos está hecho uno mismo para empezar”.

Desde finales de los años 90, Carrey ha hecho algunas películas más provocadoras, como “The Truman Show” o “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (“Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”), y menos cintas en general.

Ahora pasa gran parte del tiempo pintando y haciendo esculturas. Dice que el actor megaexitoso Jim Carrey era una creación que derivó de una necesidad de aprobación que tuvo desde niño.

“Desde muy temprano como que el ego se apoderó de mí y dijo, ‘Dios mío, en la sala soy chistoso como mi papá, la gente dice que soy especial'”, contó Carrey.

“Es como un perro que necesita un hueso — yo necesito recostarme sobre mi espalda y que alguien me sobe la barriga y me diga que soy algo especial”, añadió. “Ahora no necesito eso”.

Dijo que los “remanentes” del viejo Jim Carrey están ahí, pero que está tratando de superarlos. Ve su carrera como “algo genial que sucedió” y no le preocupa cómo sea recordado.

“No me importa”, dijo. “Esto es lo que importa, esto ahora. Se acabó”.

Aunque no está constantemente feliz, trata de estar en paz.

“La tristeza ahora es solo mal tiempo”, dijo Carrey. “La tristeza es lluvia: viene y no se posa sobre mí el tiempo suficiente para sumergirme, simplemente pasa”. (AP)

Stephen King habla de “It” y otras adaptaciones

El escritor vivo con más obras llevadas a la pantalla se presenta por teléfono como “Steve King”.

Más de 60 de sus novelas y cuentos cortos han sido adaptados al cine y la televisión en los últimos 40 años, con una cosecha abundante de estrenos recientes y próximos.

Una versión cinematográfica de la saga “The Dark Tower” (“La Torre Oscura”) y una adaptación televisiva de “Mr. Mercedes” salieron en agosto. Netflix estrenará su adaptación de la novela de King “Gerald’s Game” (“El juego de Gerald”) a fines de mes y una de su novela corta “1922” en octubre. Una versión de su épica de terror “It” (“Eso”) llega a la pantalla grande el viernes.

El celebrado autor, que cumple 70 años este mes, conversó con The Associated Press sobre sus experiencias más aterradoras como escritor y sobre cómo Hollywood maneja su trabajo. A continuación extractos de la entrevista.

AP: ¿Qué tan importante es que esas adaptaciones sean fieles a la obra original?

King: Bueno, para mí no es tan importante, realmente. Creo que son mejores cuando se apegan a los libros porque, no sé, siento interés como su dueño. Siempre pienso que algunas de las adaptaciones que no funcionan tan bien son aquellas en las que compraron el concepto básico pero dijeron, “bueno, le vamos a cambiar esto y aquello”. Así que siempre siento un poco como que compraron mi plataforma de lanzamiento y pusieron su propio cohete, y a veces el cohete ha explotado… Las que más me gustan son las que se apegan más a la historia y aquellas en las que veo cambios y cosas que han sido alteradas y me digo a mi mismo, “desearía haber pensado en eso”.

AP: ¿Siguen sintiéndose suyas estas historias una vez que han sido adaptadas?

King: Sí, siguen sintiéndose mías. “It” se siente muy mía porque se mantiene cercana al libro… Creo que algunas de las reseñas dirán que es una especie de “Stand by Me” (“Cuenta conmigo”) con monstruos. Pero los niños no cambian mucho… Y lo lindo de “It” es que como cinta de terror funciona. Pero una de las razones por las que funciona — la única razón por la que una historia como esta funciona — es que a uno le llegan a importar las personas involucradas. Quiero decir, uno va a ver una película como “Friday the 13th” (“Viernes 13”) y vamos a ser sinceros, uno está esperando ver a 12 jóvenes bien parecidos ser asesinados de 12 maneras interesantes. Esta película no es así. ¡Uno no quiere ver a nadie morir! Uno quiere que sobrevivan.

AP: ¿Alguna vez se aterroriza a usted mismo escribiendo?

King: Sí, de vez en cuando. Hay un par de escenas en “It” que no están en la película… Hay una escena en el libro en la que encuentran un basural con un montón de electrodomésticos desechados y hay un refrigerador… A todos nos han dicho: si estás jugando y ves un refrigerador desechado no te metas, porque los niños pueden meterse y quedar atrapados y morir. Así que puse un refrigerador desechado en el libro y cuando uno de los niños abre la puerta, está lleno de sanguijuelas que comienzan a salir… Eso me asustó, así que, claro que sí. Pero muchas veces uno se siente más poderoso que asustado porque es el que está diseñando los sustos.

AP: Resulta sorprendente que pueda asustarse a sí mismo sabiendo lo que está por venir.

King: Es un poco diferente conmigo porque soy un escritor instintivo; no planeo mucho por adelantado. Sé hasta cierto punto a dónde voy, pero dejo que los detalles aparezcan mientras avanza la historia. Así que un par de veces he logrado asustarme a mí mismo. Cuando estaba trabajando en “The Shining” (“El resplandor”) y escribiendo sobre la mujer en la habitación 217, cuando el pequeño Danny entró y la vio en la bañera me asusté muchísimo.

AP: ¿Le gusta cuando eso sucede?

King: No en particular, pero es una experiencia intensa. En cierto modo sí me gusta, hay algo excitante al respecto. Pero así es con cualquier tipo de ficción de terror, sea un libro o una película: es estimulante porque, por un lado, uno sabe que está seguro, pero por el otro, cuanto más fuerte la imagen, más aterradora es. Es como construir las atracciones de un parque de diversiones.

AP: Muchos lo consideran uno de los grandes narradores de nuestra era, en la tradición de Edgar Allan Poe o Nathaniel Hawthorne. ¿Se considera a sí mismo en ese contexto?

King: He leído a toda esa gente y respeto su trabajo, y yo hago mi propio trabajo lo mejor que puedo. Trato de no pensar demasiado en el pasado porque hay tanto en qué pensar. Y cada vez que oigo que influí en alguien o que hice que alguien quiera ser narrador, eso me hace feliz. (AP)

Jennifer Lawrence impacta a Venecia con “mother!” 

JILL LAWLESS

VENECIA.— El director Darren Aronofsky dice que su película “mother!”, una delirante pesadilla protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem, es “una montaña rusa”.

Apropiadamente, la cinta encantó a algunos espectadores en el Festival de Cine de Venecia pero también dejó a otros con algo de náuseas.

La historia de terror, que pasa de amenazante a caótica, fue recibida el martes con aplausos y abucheos de los periodistas en el festival italiano, donde es una de las 21 películas que compiten por el León de Oro.

Lawrence y Bardem interpretan a una pareja identificada únicamente como Madre y Él que vive en la clásica casa vieja y aislada de las cintas de terror. Él es un poeta con un bloqueo creativo; ella se dedica a restaurar la casa tras un incendio devastador.

Unos invitados misteriosos, interpretados por Ed Harris y Michelle Pfeiffer, desatan eventos perturbadores que se vuelven cada vez más raros. Imaginen una mezcla entre “Rosemary’s Baby” (“El bebé de Rosemary”) y los infernales paisajes atestados de El Bosco.

Aronofsky, quien ganó en León de Oro en 2008 por “The Wrestler” (“El luchador”), reconoció que la película es “un coctel muy, muy fuerte”.

“Desde luego que habrá gente que no quiera ese tipo de experiencia. Y eso está bien”, dijo a reporteros. “He dejado en claro que este es un paseo en montaña rusa, sólo debes subir si estás listo para dar un giro completo unas cuantas veces”.

Algunos críticos se impresionaron por lo que el Hollywood Reporter calificó como la “bacanal de manicomio” al final de la película. Otros se preguntaron qué significaba todo eso.

Variety concluyó que el filme era impresionante pero vacío, una “pesadilla barroca que no se trata de más nada que sí misma”.

Aronofsky dijo que el punto de la película “es que es un misterio”.

“Sorprende constantemente al público”, dijo. “No sabes hacia dónde va. Y no queríamos que el público se sintiera seguro, porque el personaje de Jennifer en la película nunca se siente seguro”.

Es fácil encontrar una alegoría sobre el medioambiente en la película, con una casa que es invadida, asediada, inundada y quemada.

Aronofsky dijo que la cinta es su “aullido a la luna”, provocado por la angustia ante el estado de la sociedad y en especial el medio ambiente.

Agregó que a pesar de que la mayoría de sus películas requieren años, escribió el primer borrador del guion en cinco días.

“Simplemente brotó de mí”, dijo. “Surgió de vivir en este planeta y de ver lo que está pasando a nuestro alrededor y no poder hacer nada. Tenía mucha rabia y mucha ira, y simplemente quise canalizarlo”.

Los espectadores que esperan naturalismo probablemente deberían quedarse en casa. El mismo Aronofsky dijo que la película es una alegoría. Antes de convertirse en “mother!”, el título tentativo era “Day Six”, el día en que Dios creó a la humanidad, según el Génesis, y le dio el dominio sobre la Tierra.

Esto hace que los personajes sean tanto arquetipos como personas, lo que fue un reto para el elenco. Lawrence, quien ha interpretado a diversas mujeres fuertes, da vida a una ayudante tímida que parece destinada a sufrir.

“Era un personaje completamente diferente de cualquier cosa que había hecho, pero también era un lado diferente de mí con el que no estaba en contacto y que no conocía todavía”, dijo Lawrence, quien tiene en la vida real una relación con Aronofsky. “Hay una parte de mí con la que Darren me ayudó a entrar en contacto”.

“Fue difícil, fue lo que más trabajo me ha costado sacar de mí”, agregó.

Al igual que la cinta de Aronofsky sobre ballet “Black Swan” (“El cisne negro”), esta película presenta a artistas creativos y de alguna manera monstruosos que usan y consumen a la gente a su alrededor. Y toca la forma en que el éxito y la fama pueden destruir con imágenes sangrientas y perturbadoramente literales.

Lawrence, quien atrajo a legiones de fans a Venecia, como hace a dondequiera que va, dijo que en su vida trata de encontrar el equilibrio entre ser accesible y proteger su espacio privado.

Agregó que la película habla “de la insaciable necesidad que todos tenemos ahora, especialmente con el internet. Simplemente queremos más y más y más”.

Aunque la cinta es oscura e inquietante, Aronofsky se declaró un optimista en cuanto al destino del planeta.

“Estados Unidos es esquizofrénico”, dijo. “Vamos de apoyar el acuerdo climático de París a retirarnos ocho meses después”.

“Es trágico, pero de muchas maneras hemos revelado quién es el enemigo y cómo podemos atacarlo”. (AP)

Dench y Mirren, dos reinas de la actuación lucen en Venecia

JILL LAWLESS

VENECIA.— Fue un día de majestuosidad el domingo en la 74ª edición del Festival de Cine de Venecia: una monarca británica en pantalla y dos reinas de la actuación, Judi Dench y Helen Mirren, en la alfombra roja.

Dench interpreta a la siempre reinante Victoria en “Victoria & Abdul”, dirigida por Stephen Frears y donde se muestra la relación entre la monarca y Abdul Karim, un indio que era su ayudante y se volvió su maestro.

La actriz de 82 años dijo antes del estreno que ella le debe su carrera profesional a Victoria, quien reinó de 1837 a 1901.

“Realmente no tenía carrera de qué hablar” antes de interpretar a la monarca en el drama de 1997 “Mrs. Brown” que le mereció a Dench su primera de siete nominaciones a los premios Oscar.

Si acaso Dench necesitara consejos sobre cómo interpretar a la realeza, podría recurrir a Helen Mirren, quien presentó el domingo la película “The Leisure Seeker”, de Paolo Virzi. Mirren ha interpretado en otras ocasiones a la actual monarca británica, la reina Isabel II, en “The Queen” y la obra de teatro “The Audience”.

“Es bueno ser reina”, dijo Mirren en conferencia de prensa por su película. “Uno siempre recibe disfraces muy hermosos cuando eres la reina y casi siempre se nos quedan algunas líneas”.

Los dos filmes de Dench sobre Victoria se centran en las relaciones cercanas que tuvo la monarca viuda con hombres que trabajaban para ella. (AP)

Clooney estrena “Suburbicon” en Festival de Venecia

JILL LAWLESS

VENECIA.— Simpático, apuesto, George Clooney desplegó todo su encanto en el Festival de Venecia el sábado, pero que nadie se engañe.

El actor dijo que trabajo más reciente como director, “Suburbicon”, es una película iracunda para un país iracundo: el suyo. Es un relato retorcido acerca del corazón sombrío del sueño americano.

“Muchos estamos furiosos: furiosos con nosotros mismos, furiosos con el rumbo que ha tomado el país, furiosos con el rumbo que ha tomado el mundo”, dijo Clooney a la prensa en Venecia, donde “Suburbicon” compite por el León de Oro, el premio máximo de la muestra.

“Creo que nunca he visto al país tan furioso, y he vivido la época de Watergate”, añadió. “En este momento pende una sombra negra sobre el país”.

“Suburbicon”, un film noir satírico, es protagonizado por Matt Damon y Julianne Moore como residentes de un poblado suburbano idílico _y totalmente blanco_ que estalla de furia ante el arribo de una familia negra.

El guión de los hermanos Coen toma una narración sobre divisiones raciales inspirada _de manera negativa_ en la campaña presidencial de Donald Trump.

“Durante la campaña escuché muchos discursos sobre construcción de muros y culpar a las minorías de todos los males”, dijo Clooney.

El actor y su socio productor Grant Heslov se pusieron a pensar en otros momentos de la historia estadounidense caracterizados por el ascenso de las fuerzas divisionistas.

Recordaron los sucesos de 1957 en Levittown, Pennsylvania, una población suburbana modelo cuyos habitantes blancos estallaron ante el arribo de una familia negra.

Unieron esa idea a un guión no producido de Joel y Ethan Coen sobre un barrio similar donde un crimen toma un rumbo horrible y a la vez absurdo.

Las escenas de furia blanca en la película recuerdan las manifestaciones del mes pasado en Charlottesville, Virginia.

“Desgraciadamente, estos asuntos nunca pasan de moda en nuestro país”, dijo Clooney antes del desfile por la alfombra roja y el estreno. “Seguimos tratando de exorcizar esos problemas. Todavía tenemos mucho que hacer por nuestro pecado original de esclavitud y racismo”.

En un plano, “Suburbicon” es una comedia en la que los planes cuidadosamente elaborados de un directivo empresario (Damon) se descarrían de manera sangrienta.

Pero las inquietudes sociales de Clooney, reveladas en películas como “Good Night, and Good Luck” y “The Ides of March”, nunca están lejos de la superficie.

Clooney se preocupó de que “Suburbicon” no fuera una polémica ni “una lección de cultura cívica”.

“Queríamos que fuese graciosa, queríamos que fuese maliciosa, pero queríamos que fuese furiosa”, dijo. “Y la furia iba en aumento a medida que rodábamos”. (AP)