Stephen King habla de “It” y otras adaptaciones

El escritor vivo con más obras llevadas a la pantalla se presenta por teléfono como “Steve King”.

Más de 60 de sus novelas y cuentos cortos han sido adaptados al cine y la televisión en los últimos 40 años, con una cosecha abundante de estrenos recientes y próximos.

Una versión cinematográfica de la saga “The Dark Tower” (“La Torre Oscura”) y una adaptación televisiva de “Mr. Mercedes” salieron en agosto. Netflix estrenará su adaptación de la novela de King “Gerald’s Game” (“El juego de Gerald”) a fines de mes y una de su novela corta “1922” en octubre. Una versión de su épica de terror “It” (“Eso”) llega a la pantalla grande el viernes.

El celebrado autor, que cumple 70 años este mes, conversó con The Associated Press sobre sus experiencias más aterradoras como escritor y sobre cómo Hollywood maneja su trabajo. A continuación extractos de la entrevista.

AP: ¿Qué tan importante es que esas adaptaciones sean fieles a la obra original?

King: Bueno, para mí no es tan importante, realmente. Creo que son mejores cuando se apegan a los libros porque, no sé, siento interés como su dueño. Siempre pienso que algunas de las adaptaciones que no funcionan tan bien son aquellas en las que compraron el concepto básico pero dijeron, “bueno, le vamos a cambiar esto y aquello”. Así que siempre siento un poco como que compraron mi plataforma de lanzamiento y pusieron su propio cohete, y a veces el cohete ha explotado… Las que más me gustan son las que se apegan más a la historia y aquellas en las que veo cambios y cosas que han sido alteradas y me digo a mi mismo, “desearía haber pensado en eso”.

AP: ¿Siguen sintiéndose suyas estas historias una vez que han sido adaptadas?

King: Sí, siguen sintiéndose mías. “It” se siente muy mía porque se mantiene cercana al libro… Creo que algunas de las reseñas dirán que es una especie de “Stand by Me” (“Cuenta conmigo”) con monstruos. Pero los niños no cambian mucho… Y lo lindo de “It” es que como cinta de terror funciona. Pero una de las razones por las que funciona — la única razón por la que una historia como esta funciona — es que a uno le llegan a importar las personas involucradas. Quiero decir, uno va a ver una película como “Friday the 13th” (“Viernes 13”) y vamos a ser sinceros, uno está esperando ver a 12 jóvenes bien parecidos ser asesinados de 12 maneras interesantes. Esta película no es así. ¡Uno no quiere ver a nadie morir! Uno quiere que sobrevivan.

AP: ¿Alguna vez se aterroriza a usted mismo escribiendo?

King: Sí, de vez en cuando. Hay un par de escenas en “It” que no están en la película… Hay una escena en el libro en la que encuentran un basural con un montón de electrodomésticos desechados y hay un refrigerador… A todos nos han dicho: si estás jugando y ves un refrigerador desechado no te metas, porque los niños pueden meterse y quedar atrapados y morir. Así que puse un refrigerador desechado en el libro y cuando uno de los niños abre la puerta, está lleno de sanguijuelas que comienzan a salir… Eso me asustó, así que, claro que sí. Pero muchas veces uno se siente más poderoso que asustado porque es el que está diseñando los sustos.

AP: Resulta sorprendente que pueda asustarse a sí mismo sabiendo lo que está por venir.

King: Es un poco diferente conmigo porque soy un escritor instintivo; no planeo mucho por adelantado. Sé hasta cierto punto a dónde voy, pero dejo que los detalles aparezcan mientras avanza la historia. Así que un par de veces he logrado asustarme a mí mismo. Cuando estaba trabajando en “The Shining” (“El resplandor”) y escribiendo sobre la mujer en la habitación 217, cuando el pequeño Danny entró y la vio en la bañera me asusté muchísimo.

AP: ¿Le gusta cuando eso sucede?

King: No en particular, pero es una experiencia intensa. En cierto modo sí me gusta, hay algo excitante al respecto. Pero así es con cualquier tipo de ficción de terror, sea un libro o una película: es estimulante porque, por un lado, uno sabe que está seguro, pero por el otro, cuanto más fuerte la imagen, más aterradora es. Es como construir las atracciones de un parque de diversiones.

AP: Muchos lo consideran uno de los grandes narradores de nuestra era, en la tradición de Edgar Allan Poe o Nathaniel Hawthorne. ¿Se considera a sí mismo en ese contexto?

King: He leído a toda esa gente y respeto su trabajo, y yo hago mi propio trabajo lo mejor que puedo. Trato de no pensar demasiado en el pasado porque hay tanto en qué pensar. Y cada vez que oigo que influí en alguien o que hice que alguien quiera ser narrador, eso me hace feliz. (AP)

Jennifer Lawrence impacta a Venecia con “mother!” 

JILL LAWLESS

VENECIA.— El director Darren Aronofsky dice que su película “mother!”, una delirante pesadilla protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem, es “una montaña rusa”.

Apropiadamente, la cinta encantó a algunos espectadores en el Festival de Cine de Venecia pero también dejó a otros con algo de náuseas.

La historia de terror, que pasa de amenazante a caótica, fue recibida el martes con aplausos y abucheos de los periodistas en el festival italiano, donde es una de las 21 películas que compiten por el León de Oro.

Lawrence y Bardem interpretan a una pareja identificada únicamente como Madre y Él que vive en la clásica casa vieja y aislada de las cintas de terror. Él es un poeta con un bloqueo creativo; ella se dedica a restaurar la casa tras un incendio devastador.

Unos invitados misteriosos, interpretados por Ed Harris y Michelle Pfeiffer, desatan eventos perturbadores que se vuelven cada vez más raros. Imaginen una mezcla entre “Rosemary’s Baby” (“El bebé de Rosemary”) y los infernales paisajes atestados de El Bosco.

Aronofsky, quien ganó en León de Oro en 2008 por “The Wrestler” (“El luchador”), reconoció que la película es “un coctel muy, muy fuerte”.

“Desde luego que habrá gente que no quiera ese tipo de experiencia. Y eso está bien”, dijo a reporteros. “He dejado en claro que este es un paseo en montaña rusa, sólo debes subir si estás listo para dar un giro completo unas cuantas veces”.

Algunos críticos se impresionaron por lo que el Hollywood Reporter calificó como la “bacanal de manicomio” al final de la película. Otros se preguntaron qué significaba todo eso.

Variety concluyó que el filme era impresionante pero vacío, una “pesadilla barroca que no se trata de más nada que sí misma”.

Aronofsky dijo que el punto de la película “es que es un misterio”.

“Sorprende constantemente al público”, dijo. “No sabes hacia dónde va. Y no queríamos que el público se sintiera seguro, porque el personaje de Jennifer en la película nunca se siente seguro”.

Es fácil encontrar una alegoría sobre el medioambiente en la película, con una casa que es invadida, asediada, inundada y quemada.

Aronofsky dijo que la cinta es su “aullido a la luna”, provocado por la angustia ante el estado de la sociedad y en especial el medio ambiente.

Agregó que a pesar de que la mayoría de sus películas requieren años, escribió el primer borrador del guion en cinco días.

“Simplemente brotó de mí”, dijo. “Surgió de vivir en este planeta y de ver lo que está pasando a nuestro alrededor y no poder hacer nada. Tenía mucha rabia y mucha ira, y simplemente quise canalizarlo”.

Los espectadores que esperan naturalismo probablemente deberían quedarse en casa. El mismo Aronofsky dijo que la película es una alegoría. Antes de convertirse en “mother!”, el título tentativo era “Day Six”, el día en que Dios creó a la humanidad, según el Génesis, y le dio el dominio sobre la Tierra.

Esto hace que los personajes sean tanto arquetipos como personas, lo que fue un reto para el elenco. Lawrence, quien ha interpretado a diversas mujeres fuertes, da vida a una ayudante tímida que parece destinada a sufrir.

“Era un personaje completamente diferente de cualquier cosa que había hecho, pero también era un lado diferente de mí con el que no estaba en contacto y que no conocía todavía”, dijo Lawrence, quien tiene en la vida real una relación con Aronofsky. “Hay una parte de mí con la que Darren me ayudó a entrar en contacto”.

“Fue difícil, fue lo que más trabajo me ha costado sacar de mí”, agregó.

Al igual que la cinta de Aronofsky sobre ballet “Black Swan” (“El cisne negro”), esta película presenta a artistas creativos y de alguna manera monstruosos que usan y consumen a la gente a su alrededor. Y toca la forma en que el éxito y la fama pueden destruir con imágenes sangrientas y perturbadoramente literales.

Lawrence, quien atrajo a legiones de fans a Venecia, como hace a dondequiera que va, dijo que en su vida trata de encontrar el equilibrio entre ser accesible y proteger su espacio privado.

Agregó que la película habla “de la insaciable necesidad que todos tenemos ahora, especialmente con el internet. Simplemente queremos más y más y más”.

Aunque la cinta es oscura e inquietante, Aronofsky se declaró un optimista en cuanto al destino del planeta.

“Estados Unidos es esquizofrénico”, dijo. “Vamos de apoyar el acuerdo climático de París a retirarnos ocho meses después”.

“Es trágico, pero de muchas maneras hemos revelado quién es el enemigo y cómo podemos atacarlo”. (AP)

Dench y Mirren, dos reinas de la actuación lucen en Venecia

JILL LAWLESS

VENECIA.— Fue un día de majestuosidad el domingo en la 74ª edición del Festival de Cine de Venecia: una monarca británica en pantalla y dos reinas de la actuación, Judi Dench y Helen Mirren, en la alfombra roja.

Dench interpreta a la siempre reinante Victoria en “Victoria & Abdul”, dirigida por Stephen Frears y donde se muestra la relación entre la monarca y Abdul Karim, un indio que era su ayudante y se volvió su maestro.

La actriz de 82 años dijo antes del estreno que ella le debe su carrera profesional a Victoria, quien reinó de 1837 a 1901.

“Realmente no tenía carrera de qué hablar” antes de interpretar a la monarca en el drama de 1997 “Mrs. Brown” que le mereció a Dench su primera de siete nominaciones a los premios Oscar.

Si acaso Dench necesitara consejos sobre cómo interpretar a la realeza, podría recurrir a Helen Mirren, quien presentó el domingo la película “The Leisure Seeker”, de Paolo Virzi. Mirren ha interpretado en otras ocasiones a la actual monarca británica, la reina Isabel II, en “The Queen” y la obra de teatro “The Audience”.

“Es bueno ser reina”, dijo Mirren en conferencia de prensa por su película. “Uno siempre recibe disfraces muy hermosos cuando eres la reina y casi siempre se nos quedan algunas líneas”.

Los dos filmes de Dench sobre Victoria se centran en las relaciones cercanas que tuvo la monarca viuda con hombres que trabajaban para ella. (AP)

Clooney estrena “Suburbicon” en Festival de Venecia

JILL LAWLESS

VENECIA.— Simpático, apuesto, George Clooney desplegó todo su encanto en el Festival de Venecia el sábado, pero que nadie se engañe.

El actor dijo que trabajo más reciente como director, “Suburbicon”, es una película iracunda para un país iracundo: el suyo. Es un relato retorcido acerca del corazón sombrío del sueño americano.

“Muchos estamos furiosos: furiosos con nosotros mismos, furiosos con el rumbo que ha tomado el país, furiosos con el rumbo que ha tomado el mundo”, dijo Clooney a la prensa en Venecia, donde “Suburbicon” compite por el León de Oro, el premio máximo de la muestra.

“Creo que nunca he visto al país tan furioso, y he vivido la época de Watergate”, añadió. “En este momento pende una sombra negra sobre el país”.

“Suburbicon”, un film noir satírico, es protagonizado por Matt Damon y Julianne Moore como residentes de un poblado suburbano idílico _y totalmente blanco_ que estalla de furia ante el arribo de una familia negra.

El guión de los hermanos Coen toma una narración sobre divisiones raciales inspirada _de manera negativa_ en la campaña presidencial de Donald Trump.

“Durante la campaña escuché muchos discursos sobre construcción de muros y culpar a las minorías de todos los males”, dijo Clooney.

El actor y su socio productor Grant Heslov se pusieron a pensar en otros momentos de la historia estadounidense caracterizados por el ascenso de las fuerzas divisionistas.

Recordaron los sucesos de 1957 en Levittown, Pennsylvania, una población suburbana modelo cuyos habitantes blancos estallaron ante el arribo de una familia negra.

Unieron esa idea a un guión no producido de Joel y Ethan Coen sobre un barrio similar donde un crimen toma un rumbo horrible y a la vez absurdo.

Las escenas de furia blanca en la película recuerdan las manifestaciones del mes pasado en Charlottesville, Virginia.

“Desgraciadamente, estos asuntos nunca pasan de moda en nuestro país”, dijo Clooney antes del desfile por la alfombra roja y el estreno. “Seguimos tratando de exorcizar esos problemas. Todavía tenemos mucho que hacer por nuestro pecado original de esclavitud y racismo”.

En un plano, “Suburbicon” es una comedia en la que los planes cuidadosamente elaborados de un directivo empresario (Damon) se descarrían de manera sangrienta.

Pero las inquietudes sociales de Clooney, reveladas en películas como “Good Night, and Good Luck” y “The Ides of March”, nunca están lejos de la superficie.

Clooney se preocupó de que “Suburbicon” no fuera una polémica ni “una lección de cultura cívica”.

“Queríamos que fuese graciosa, queríamos que fuese maliciosa, pero queríamos que fuese furiosa”, dijo. “Y la furia iba en aumento a medida que rodábamos”. (AP)

“Foxtrot” indaga en dolor de una familia y trauma israelí

JILL LAWLESS

VENECIA.- La última vez que el director israelí Samuel Maoz fue al Festival de Venecia, ganó el premio máximo con su primer largometraje.

Ocho años después regresa con apenas su segunda película, “Foxtrot”, elogiada por la crítica y que podría valerle su segundo León de Oro.

“Esta vez espero disfrutarlo”, dijo Maoz.

Hubo un mal augurio. Su equipaje no llegó con él a Venecia, donde “Foxtrot” tuvo su estreno de gala el sábado.

Maoz lo acepta con resignación. Sabe perfectamente que hay muchas cosas fuera de nuestro control.

“Foxtrot” es una poderosa alegoría sobre el destino y la impotencia de la gente para manejarlo.

Un matrimonio pudiente de Tel Aviv (Lior Ashkenazi y Sarah Adler) recibe la información de que su hijo, un soldado, ha muerto en combate.

Los padres quedan apabullados por el dolor, y la película explora cómo los traumas dejan huellas en individuos y sociedades y se transmiten a las generaciones posteriores.

Maoz triunfó en Venecia en 2009 con “Lebanon”, un retrato claustrofóbico de la tripulación de un tanque israelí, inspirado en las experiencias del director como joven soldado. “Foxtrot” también hunde sus raíces en un episodio de su vida.

“Cuando mi hija mayor iba a la escuela, nunca se despertaba a tiempo, y para no llegar tarde me pedía que llamara un taxi”, dijo Moaz.

“Este hábito nos costaba bastante dinero y a mí me parecía una mala educación, de modo que una mañana me enojé y le dije que tomara el bus como todo el mundo.

“Unos 20 minutos o media hora después que salió, escuché en la radio que un terrorista se inmoló con una bomba” en el bus que ella debía tomar y que había decenas de muertos, prosiguió.

Pasó “una hora horrible” durante la cual no pudo comunicarse con su hija.

“Después de una hora, regresó a casa. Llegó tarde al bus que explotó; lo vio salir de la estación y tomó el siguiente”.

De allí proviene la narración de un padre que provoca sin quererlo una tragedia familiar.

El filme es una comedia desoladora por su retrato de los aspectos burocráticos e hipócritas de las fuerzas armadas y el efecto embrutecedor de décadas de conflicto para el país y su pueblo.

El ejército, en el cual deben revistar casi todos los jóvenes de ambos sexos, “es una parte tan integral de nuestro estado”, dijo Moaz.

La actitud de Moaz hacia su patria se expresa en una imagen del filme. Muestra en la pantalla de una laptop el anuncio de la muerte de un joven soldado, y junto a ella una frutera con naranjas.

“Creo que es la historia de mi país: naranjas y anuncios de muertes”, dijo. (AP)

Fonda y Redford sorprenden a Venecia

JILL LAWLESS

VENECIA. — Las estrellas veteranas son las que más han brillado en el Festival de Cine de Venecia y las que más se han divertido también.

Unos juguetones Robert Redford y Jane Fonda encendieron el festival el viernes junto con su más reciente historia de romance “Our Souls at Night”.

Más de cinco décadas después de que compartieron por primera vez créditos, se reúnen en el drama producido por Netflix como una pareja de vecinos viudos que entablan una relación.

A juzgar por la reacción del público maravillado por estos famosos en Venecia, la química que se inició en 1967 con la comedia romántica “Barefoot in the Park” (“Descalzos en el parque”), una de sus interpretaciones románticas más memorables.

Fonda dijo que le encanta el hecho que “estas películas marquen el principio y el final de nuestras carreras”.

En “Barefoot in the Park”, dijo a reporteros, “interpretamos a una joven pareja que se acaba de casar y ahora interpretamos el amor en las personas mayores, y el sexo en las personas mayores”.

“Aunque en mi opinión Ritesh cortó la escena de sexo demasiado pronto”, agregó Fonda, sobre el director Ritesh Batra.

En cuanto a Redford dijo: “Vivo para tener escenas de sexo con él”.

Redford, de 81 años, y Fonda, de 79, recibieron premios a la trayectoria de parte del festival el viernes.

Forman parte de todo un contingente de estrellas mayores que llegarán a Venecia, el cual se celebrará hasta el 9 de septiembre. Judi Dench, Helen Mirren, Donald Sutherland y Michael Caine también tendrán participaciones en pantalla y en la alfombra roja.

Redford produjo “Our Souls at Night”, la cual está basada en una novela de Kent Haruf. Dijo que lo hizo en parte porque la industria obsesionada con la juventud no hace suficientes películas para un público mayor.

Fonda señaló que la representación de la gente mayor está mejorando, como su serie de Netflix “Grace and Frankie”, en la que interpreta a una mujer que tras años de matrimonio queda nuevamente soltera.

“Ya he tenido tres amantes en esa serie”, dijo. “Estoy muy feliz de que le estemos dando un rostro cultural a las mujeres mayores”.

Además agregó que el amor y el sexo mejoran con la edad “primero que nada porque nos atrevemos a más cosas ¿qué tenemos que perder? Mi piel cuelga y también la de él”.

Los íconos de la pantalla dijeron que les encantó trabajar juntos nuevamente y su cercanía se proyecta en el filme.

“Quería hacer otra película con ella antes de morir”, dijo Redford.

Fonda dijo que sus personajes solían estar enamorados de los de Redford, y “quería ver cómo era enamorarme otra vez de él”.

“Fue divertido besarlo cuando estaba en mis 20 y besarlo nuevamente en mis casi 80”.  (AP)

Conmueve tragedia del conflicto en el Congo a Venecia

La tragedia del conflicto en el Congo, el más sanguinario desde la Segunda Guerra Mundial y también el menos conocido por los medios occidentales, fue presentada en la Muestra de Cine de Venecia con un documental del fotoperiodista estadunidense Daniel McCabe.

Exhibido fuera de concurso y titulado “This is Congo”(Este es el Congo), el filme explica las causas históricos de una guerra sin fin que dura ya 20 años y en la que han muerto más de 5 millones de personas.

Para lograr su objetivo McCabe utiliza los testimonios de cuatro personajes:

Mamadou Ndala, joven comandante del ejército; el coronel “Kasongo”, alias elegido por un alto oficial que prefiere mantener el anonimato; Bibiane “Mama Romance”, que trafica con piedras preciosas para mantener a sus hijos y de Hakiza Nyantaba, sastre obligado a abandonar su casa con la màquina de coser que le permite seguir trabajando.

“Sus historias me parecen universales. Ellos actúan impulsados por una gran fuerza de voluntad y un deseo de paz. Pese a que su participación en el documental ponía sus vidas potencialmente en peligro, valientemente quisieron compartir con el mundo la situación dramática de su país”, dijo McCabe.

En rueda de prensa manifestó su deseo de que “This is Congo”les haga justiia, “porque se lo merecen”.

La voz en off del actor Isaach De Bankolé hace el análisis de una situación aparentemente sin salida, en parte resultado de la colonización belga, de la explotación del país por las grandes potencias y de la corrupción heredada del ex dictador Mobutu Sese Seko y ahora encarnada en el presidente Joseph Kabila.

McCabe, fotoperiodista que vive en Nueva York, explicó que habiendo trabajado en la República Democrática del Congo pudo vivir en primera persona la complejidad de la situación.

“Diseñé el proyecto de un filme conceptual que explorase las causas del conflicto y su relación con el Congo moderno”, señaló.

Dijo que en 2011 tejió una amplia red dentro de la región minera de Kivu, en la búsqueda de historias que describieran las condiciones que han perpetuado el conflicto.

Un año después, durante la rebelión del llamado grupo M23, logró el acceso a los campamentos de refugiados, a los grupos rebeldes y al controvertido Ejército Nacional.

“En ese periodo conocimos a los cuatro personajes que se convertirían en la base del documental. Ello permitió dar vida a una historia universal de esperanza, lucha y corrupción”, señaló. (NTX)

Presenta Weiwei en Venecia documental sobre drama de la inmigración

El drama de la inmigración en sus complejas y vastas proporciones desembarcó hoy en la Muestra de Cine de Venecia con el documental “Human flood” (“Marea humana”), del artista disidente chino Ai Weiwei.

El filme, presentado en la principal sección de concurso de la “Mostra”, es el resultado de un viaje a través de 23 países, entre ellos Afganistán, Alemania, Bangladesh, Francia, Irak, Israel, Italia, Kenia, México y Turquía, los “focos calientes” de un fenómeno que involucra a 65 millones de personas.

Weiwei dedica su obra a esa “marea humana” obligada a abandonar sus casas para escapar de hambrunas, crisis económicas, cambios climáticos, desempleo o guerras, en el que es considerado el mayor desplazamiento humano desde la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

“’Human flood’ es un recorrido personal, un intento de comprender las condiciones de la humanidad de nuestros días”, declaró Weiwei durante la presentación de la cinta a la prensa.

El artista residente en Berlín realizó cientos de entrevistas a los propios inmigrantes y expertos en el que –dijo- fue un intento de abordar el problema en su complejidad global.

El documental inicia en la isla griega de Lesbos, donde Weiwei estuvo en diciembre de 2015 para ver de cerca la llegada de migrantes a las costas europeas.

“Todos los días vemos y leemos noticias sobre la tragedia. Al final todas las noticias son iguales. Nuestro documental es diferente, busca dar a la crisis de refugiados un contexto más histórico y hablar de humanidad y vida cotidiana”, agregó.

Para lograr ello, Weiwei y su “troupe” viajaron por el mundo, visitaron ciudades y pueblos en ruinas por la guerra, campos de refugiados, puertos y pasos fronterizos.

De Jordania a Berlín, pasando por Turquía, Italia, Bangladesh, Irak, Afganistán o África subsahariana hasta llegar a la frontera entre México y Estados Unidos para filmar a lo largo del muro que ya existe y el presidente Donald Trump quiere ampliar .

De esas incursiones el equipo reunió casi mil horas de material que quedaron resumidas en los 140 minutos de duración del largometraje.

Se trata de panorámicas humanas vistas desde todos los ángulos (gracias a la ayuda de drones) insertadas en contextos de dolor y desesperación.

“He buscado casi desesperadamente lanzar un grito y hacerme oir para decir al mundo: miren lo que está pasando”, dijo el artista conocido por sus videoinstalaciones, proyectos arquitectónicos y por su activismo civil.

Explicó que el filme fue realizado con la profunda cionvicción del valor de los derechos humanos.

“En estos tiempos de incertidumbre necesitamos mayor tolerancia, compasión y confianza poque la humanidad es una sola”, sentenció y consideró que una solución al problema deberá venir de la paticipación “de todos” y no solamente de iniciativas desde lo alto de los gobiernos.

El documental es una producción alemana que compite por el León de Oro en la muestra veneciana. (NTX)

HBO da luz verde a tercer temporada de True Detective

HBO anunció que dio luz verde a la tercera temporada de True Detective, la cual será protagonizada por Mahershala Ali y escrita por su creador: Nic Pizzolatto.

Mahershala Ali, ganador del Oscar al mejor actor secundario por Moonlight en la pasada edición, interpretará a Wayne Hays, un detective de policía de Arkansas que debe resolver un crimen macabro en la zona de la meseta de los Ozarks.

“Nic ha escrito unos guiones verdaderamente buenos”, ha explicado Casey Bloys, presidente de programación de HBO, al contar las novedades de esta nueva temporada.

El responsable de la dirección será Jeremy Saulnier, quien en 2016 llamó la atención de la crítica por “Green Room”, una película de terror de bajo presupuesto.

Saulnier estaría detrás de las cámaras junto con Nick Pizzolatto, quien, además de ser el guionista, no quiere perder el control absoluto de la historia.

Sólo el guión del cuarto capítulo de la tercera temporada de True Detective no será firmado por Pizzolatto, sino por David Milch (Deadwood, Luck), quien fue incorporado al proyecto aprovechando que tiene un contrato con el canal, con el objetivo de ayudar a Pizzolatto a desarrollar el esquema de la temporada.

En HBO habían advertido que True Detective no estaba cancelada, sino simplemente estaban esperando que el creador Nic Pizzolatto tuviera una idea suficientemente contundente para desarrollarla.

Todo indica que el creador se ha inspirado porque ya se ha dado luz verde de forma oficial a la tercera temporada.

Pizzolatto, creador de True Detective, había escrito una novela y un libro de cuentos antes de crear True Detective.

El autor, que nunca había trabajado en televisión antes de escribir la serie, fue subido al altar por la crítica por la primera temporada de la serie y vapuleado por el resultado de la segunda temporada, por lo que fue señalado por la falta de experiencia y, sobre todo, porque le hacía falta otra voz en la sala de guionistas que le permitiera mejorar sus textos.

Por ello, HBO incorporó a David Milch al proyecto para que Pizzolatto tuviera otra voz en la sala de guionistas.

Aún no se conoce la fecha tanto del rodaje como de estreno, aunque HBO recientemente no tiene mucha prisa por la emisión de sus series dramáticas.

Por ejemplo, Westworld tuvo mucho éxito en 2016 y no estrenará temporada hasta 2018. Además, se desconoce si Juego de tronos se emitirá antes de 2019 y True detective está ausente de su programación desde el verano de 2015.

Guillermo del Toro seduce a Venecia con “The Shape of Water”

JILL LAWLESS

VENECIA.— “The Shape of Water” (“La forma del agua”) de Guillermo del Toro es una especie acuática de “La Bella y la Bestia”, un cuento de hadas transgresivo sobre el amor de una mujer por una criatura escamosa de las profundidades amazónicas.

Como las mejores fábulas, está también arraigada a la vida real: la historia de una migrante del sur que enfrenta una recepción hostil en un país tan obsesionado con la seguridad como es Estados Unidos.

“Creo que la fantasía es un género muy político”, dijo Del Toro el jueves en el Festival de Cine de Venecia, donde “The Shape of Water” tiene su estreno mundial. Es una de las 21 películas que compiten por el codiciado León de Oro, el máximo honor del evento.

“Los cuentos de hadas nacieron en tiempos de grandes dificultades. Nacieron en tiempos de hambruna, peste y guerra”, añadió.

El filme, que combina elementos de cintas de monstruos con thriller noir y musicales de Hollywood, desafía las categorizaciones, aunque Del Toro hizo un intento al sugerir que es “como Douglas Sirk reescribiendo ‘Teorema’ de Pasolini con un pez”.

Algunos críticos la califican como la mejor película de Del Toro desde “El laberinto del fauno”, de 2006. El Daily Telegraph la resumió como “una verdadera cinta de la serie B que te coagula la sangre y que también es, de alguna manera, un melodrama brillantemente serio e infinitamente hermoso”. Screen International la calificó de “exquisita … del Toro en su momento más dulce y conmovedor”.

Ubicado en Baltimore a principios de la década de 1960, el filme sigue a Sally Hawkins en el papel de Elisa, una huérfana muda que trabaja limpiando un laboratorio de alta seguridad. Elisa establece un vínculo con una criatura capturada que está en el centro de un enfrentamiento entre Estados Unidos y la Unión Soviética durante la Guerra Fría.

“Es una película ubicada en 1962, pero es una película sobre hoy en día”, dijo Del Toro a los reporteros en una conferencia de prensa en Venecia. “Es sobre los problemas que tenemos hoy. Cuando Estados Unidos habla de ser grande de nuevo, pienso que sueña con un Estados Unidos que estuvo en gestación en el 62, un Estados Unidos que era futurista, lleno de promesa… pero que al mismo tiempo tenía racismo, sexismo, clasismo”.

Del Toro dijo que la criatura, fluidamente interpretada por Doug Jones, es el único personaje sin nombre en la película porque representa “muchas cosas para mucha gente”.

Para la solitaria Elisa, “es la primera vez que alguien, o algo, la mira del modo en que uno mira a una persona a la que quiere”. Para el personaje de Michael Shannon, el despiadado agente gubernamental Strickland, la criatura es “una cosa oscura y sucia que viene del sur” y debe ser eliminada.

“Yo soy mexicano, y sé lo que es que te vean como ‘el otro’ sin importar las circunstancias en las que estás”, dijo el director. Y el personaje de la criatura encarna esa otredad.

La cinta cuenta con cálidas actuaciones de Octavia Spencer y Richard Jenkins como amigos de Elisa, y una cautivadora interpretación de Hawkins, quien crea un personaje profundo, apasionado y compasivo sin decir una sola palabra.

Hawkins dijo que cuando Del Toro le habló por primera vez de esta película, ella estaba trabajando en su propio proyecto sobre “una mujer que no sabe que es una sirena”. Algunas de esas ideas alimentaron al personaje de Elisa.

“Fue sencillamente sincronismo”, dijo. “Fue muy extraño. Estas cosas rara vez suceden y cuando pasan uno sabe que es algo especial”.

“The Shape of Water” incluye una rica mezcla de ingredientes característicos de Del Toro, desde espías rusos hasta interludios musicales. Su mensaje predominante, dice el cineasta, es “elegir el amor por encima del miedo”.

“Vivimos tiempos en los que el temor y el cinismo son usados de una manera muy ubicua y persuasiva”, dijo Del Toro. “Nuestra primera tarea cuando nos despertamos es creer en el amor”.

“Es la fuerza más grande del universo”, aseguró. “Los Beatles y Jesús no pueden estar equivocados _ No los dos al mismo tiempo”. (AP)