Filmes de Kubrick regresan a la pantalla grande

Como parte del contenido alternativo de Cinépolis, seis de las películas más emblemáticas de la cinematografía de Stanley Kubrick regresarán a la pantalla grande.

Los jueves y domingos del 10 de agosto al 17 de septiembre de este año podrán verse los filmes “Barry Lyndon” (10, 11, 12 y 13 de agosto), “Cara de guerra” (17, 18, 19 y 20 de agosto), “Naranja mecánica” (24, 25, 26 y 27 de agosto), “Ojos bien cerrados” (31 de agosto; 1, 2 y 3 de septiembre), “2001: Odisea del espacio (7, 8, 9 y 10 de septiembre) y “El resplandor” (14,15, 16, y 17 de septiembre).

Contenido alternativo de Cinépolis es el espacio dedicado a películas emblemáticas, eventos deportivos, culturales y musicales que ameritan ser vistos en la pantalla grande para ser disfrutados al máximo.

En esta ocasión la cadena de exhibición cinematográfica dedicará el espacio a Kubrick, siendo éste el primer esfuerzo de retrospectiva a la carrera de un cineasta, se informó mediante un comunicado de prensa.

Explorar y entender la condición humana, sus deseos, temores y trastornos, desde ángulos inexplorados, es el sello indiscutible de Kubrick, director, productor, guionista, fotógrafo y editor estadunidense.

Antes de convertirse en cineasta en la década de los 40, fue fotógrafo de la revista “Look”, lo que lo llevó a desarrollar su pasión por la generación de visuales impactantes.

Años después, su experiencia e interés innato por la narrativa le abrieron camino en la industria cinematográfica. (NTX)

Besson espera que Valerian sea remedio a fatiga por secuelas


“Yo soy Valerian y ella es Laureline”, Luc Besson dice con una sonrisa, señalando a su esposa y productora Virginie Besson-Silla. “Ella es la ingeniosa”.

Valerian y Laureline son los personajes principales de su épica de ciencia ficción “Valerian and the City of a Thousand Planets” (“Valerian y la ciudad de los mil planetas”), que se estrena el viernes. Son nombres que la mayoría del público estadounidense no conoce, aunque el cómic francés sobre dos policías intergalácticos del siglo XVIII en el que se basa, “Valérian et Laureline”, ha existido por 60 años y sirvió de influencia para “Star Wars”.

Los cineastas están sentados en su oficina compartida en el puesto remoto de la compañía de Besson EuropaCorp en Beverly Hills, cerca de un mes antes del debut de “Valerian”. Él detrás de un enorme escritorio rectangular de madera, ella al otro lado de la mesa. Besson-Silla también tiene un escritorio, mucho más pequeño, redondo, y ubicado a un lado de la oficina.

“¡Yo prefiero una mesa redonda! Todo el mundo piensa que no fue mi decisión”, dice la productora.

“Ella pudo haber tenido uno más grande”, agrega el director francés, al parecer aún desconcertado por eso.

Es casi otra metáfora de su relación: Besson como la figura pública exuberante que hace grandes declaraciones y aún más grandes películas, y Besson-Silla como quien orquesta las cosas a su propia manera, fuera de la luz pública. Mira a su esposo y mete la cuchara ocasionalmente, a menudo cuando él se voltea a verla en busca de la palabra correcta en inglés.

Fueron colegas antes que nada más. Ahora tienen tres hijos, de 15, 14 y 11 años, y han descubierto que disfrutan siendo socios tanto en la vida como en el trabajo.

“No éramos estúpidos. Hay un riesgo. Nos tomamos nuestro tiempo y entonces muy conscientemente dijimos, ‘Probemos una vez a ver si funciona'”, dijo Besson. “De hecho funciona 10 veces mejor de lo que esperaba”.

“Valerian” es de lejos la película más grande que hayan hecho, con un presupuesto estimado en 180 millones de dólares. Ambos vienen del éxito de “Lucy” y las décadas en las que el benevolente Besson se hizo un nombre con producciones complacientes como “La Femme Nikita” (“Nikita, la cara del peligro”), ”The Professional” (“El profesional”) y “The Fifth Element” (“El quinto elemento”).

Dice que “Valerian” es la película de su vida.

Aunque siempre fue un seguidor de la serie, no fue sino hasta que trabajó en “The Fifth Element” (1997) con el ilustrador de “Valerian” Jean-Claude Mézières que consideró llevarla al cine.

“Él fue el que dijo, ‘¿por qué no haces Valerian?’. Yo nunca antes lo había pensado”, relató Besson.

El director solo adquirió los derechos 10 años después. Una visita a James Cameron en el plató de “Avatar” le hizo ver que una adaptación cinematográfica de “Valérian et Laureline” era posible, tecnológicamente hablando.

Y se tomaron su tiempo para hacerla. Besson creó él mismo un número de personajes y bosquejos de mundos. Escribió una biblia de cinco páginas en la que describió a todas las criaturas. Ambos se aseguraron una colaboración histórica entre las dos gigantes de los efectos visuales WETA y ILM para que hicieran 2.700 tomas (“The Fifth Element” tuvo unas 200 tomas con efectos visuales). Y él encontró a sus protagonistas perfectos en dos estrellas emergentes: Cara Delevingne para el papel de Laureline y Dane DeHaan para el de Valerian.

“Definitivamente no quiero que Schwarzenegger haga el papel, quiero a alguien humano”, dijo Besson de DeHaan.

La película se filmó en Francia, en unos estudios que Besson ayudó a diseñar.

“Estamos muy orgullosos de haber podido llevar una producción tan grande al país y generar empleo para cientos de personas”, dijo Besson-Silla. “Tenemos unas instalaciones increíbles”.

Y terminaron de rodar tres días antes de lo previsto, lo que Besson dijo que es algo que “jamás se escucha en este tipo de filmes”.

En cuanto al dinero, no está preocupado. Con las ventas internacionales el 90% de la película está cubierta, dijo.

“El riesgo es más psicológico que de dinero. El riesgo es que si fracasamos perdemos nuestra reputación”, señaló Besson. “El riesgo financiero es casi cero”.

“La gente confía en nosotros, ¿sabes? No queremos decepcionarlos”, dijo Besson-Silla.

De principio a fin hicieron la cinta a su manera, incluso dándoles a los artistas de efectos especiales la libertad de experimentar y optando por una distribuidora norteamericana más pequeña, STX Entertainment, cuyo mayor éxito hasta ahora ha sido la comedia de mediano presupuesto “Bad Moms” (“El club de las madres rebeldes”).

“Algunos de los estudios estaban muy interesados en ‘Valerian’ pero temimos que quisieran controlarla, permitir primero sus grandes películas y tratar ‘Valerian’ como controlando al enemigo. Nos sentimos mejor en la posición del contrincante”, dijo Besson siguiendo el consejo de Peter Jackson, quien seleccionó a New Line para distribuir las películas de “Lord of the Rings” (“El señor de los anillos”).

También es realista en cuanto a las posibilidades y la inestabilidad del mercado. “Valerian” se estrena el mismo día que la cinta de guerra “Dunkirk” y la comedia “Girls Trip”.

“Si hay una película unas semanas antes que la de uno que es enorme y a todo el mundo le gusta, uno no existe. Si uno llega después de un desierto de dos meses, entonces uno es el salvador. Existen tantos parámetros. Lo bueno es que podemos oler algo de lasitud… ¿lasitud?”, dice Besson.

Y su esposa agrega: “La gente está un poco cansada de las secuelas”.

“Hay tantas secuelas”, continúa el director. “La gente está cansada de tantos superhéroes. ¡Al menos lo nuestro es algo fresco!”. (AP)

“La 4a compañía” llegará en otoño a las salas

Luego de ser la vencedora de la 59 entrega de los Premios Ariel, la película “La 4a compañía”, dirigida por Amir Galván Cervera y Mitzi Vanessa Arreola, tendrá su estreno comercial en otoño próximo, aseguró la productora Mónica Lozano.

En entrevista con los medios, sostuvo que esa cinta tiene todo para llegar a un público masivo y también al mercado internacional, y comentó que tanto Galván como Arreola preparan una campaña con la que buscan concientizar a la sociedad sobre el problema del autogobierno en las cárceles.

“Quieren que la película se estrene en el marco de un movimiento alrededor de las leyes para transformar esas realidades en las cárceles, donde hay autogobierno. Quieren que se reflexione sobre el tema”, subrayó.

De acuerdo con Lozano, se trata de una película muy importante porque trata sobre la corrupción y el abuso del poder, dos temas relevantes y actuales, aunque empezó en los años ochenta.

La trama retrata la atmósfera de la prisión de Santa Martha Acatitla, en la Ciudad de México, donde se busca reflexionar en torno al sistema penitenciario de la mano del equipo de futbol americano conocido como “Los Perros”.

“Zambrano” es un prisionero cuya ilusión es no olvidar cómo se siente ser libre y para lograrlo sólo tiene al futbol, aunque en su andar perderá la inocencia y dejará en prenda su vida.

A decir de Amir Galván Cervera y Mitzi Vanessa Arreola, para conseguir que les compartieran la historia de ese equipo de futbol y les revelaran de primera mano la manera en que funcionaba, tuvieron un acercamiento de dos años en la cárcel, tiempo durante el cual le impartieron a los presos talleres sobre el cine, sus géneros y temas básicos de apreciación cinematográfica.

Lograr levantar el proyecto no fue fácil, pues mas allá de los conseguir los permisos para entrar a filmar tuvieron que crear círculos de confianza con quienes están ahí.

El elenco de “La 4a compañía”, producida por Mónica Lozano, Michael Merkt, Ozcar Ramírez y los directores, lo integran Adrián Ladrón, Andoni Gracia, Hernán Mendoza, Gabino Rodríguez, Manuel Ojeda, Darío T. Pie, Carlos Valencia y Horacio García Rojas, entre otros actores. (NTX)

Nolan, sobre “Dunkirk”, el futuro del cine y volver a casa 


Christopher Nolan retrata una historia de guerra en formato IMAX con “Dunkirk” (“Dunkerque”): la batalla en la Segunda Guerra Mundial en la que soldados aliados de Bélgica, Gran Bretaña, Canadá y Francia lograron ser evacuados de Dunquerke, Francia, tras ser rodeados por soldados alemanes.

Con sus escasos diálogos, es una experiencia casi totalmente cinematográfica. Nolan la califica como una cinta de “incansable de suspenso”.

Tras haber revertido el tiempo en “Memento” (“Amnesia”) y alterado su progresión en “Interstellar” (“Interestelar”), el realizador buscó hacer algo diferente en “Dunkirk”. La cinta entrelaza tres historias (en tierra, mar y cielo) desde tres cronologías diferentes: una semana, un día y una hora. Se estrena el viernes en Estados Unidos.

A continuación extractos de una entrevista con el director:

– Usted es un defensor de la experiencia de la gran pantalla y por eso suelen preguntarle acerca de sus temores sobre la desaparición de las salas de cine. ¿No le cansa?

-Sí diría que es agobiante. Ahora es el streaming, antes era la televisión, hace diez años eran los videojuegos. Los videojuegos son geniales, la gente los ama, pero la gente también necesita y ama las lavadoras y se venden muchas de ellas. Simplemente no es relevante; siempre hemos tenido películas hechas para televisión y siempre hemos tenido miniseries, siempre hemos tenido películas que se estrenan directo en televisión. Nosotros hacemos películas para el cine y la experiencia cinematográfica no solo se trata del tamaño de la pantalla o la tecnología detrás de ella, aunque eso es una gran parte. Se trata del público, de la experiencia compartida. Lo que te da el cine es diferente a cualquier otro medio: es una tensión fascinante y maravillosa y un diálogo entre esta experiencia intensamente subjetiva que estás teniendo a partir de las imágenes que el cineasta ha puesto ahí y el hecho extraordinariamente empático de compartirlo con el público que te rodea. Es un medio excepcionar por eso y eso es lo que lo define. ¿Qué es una película? La única definición de una película, realmente, es que se presenta en un cine.
-¿Siempre se concibió como un cineasta inclinado hacia las épicas y las grandes dimensiones?
-El formato IMAX se inventó un año antes de que yo naciera. Cuando yo tenía unos 15 o 16 años vi una película en IMAX, de hecho fue una película Omnimax, y quedé maravillado. Pensé, ¿por qué Hollywood no hace películas así? Desde entonces fue una ambición mía y luego en “The Dark Knight” (“El caballero de la noche”) pude finalmente ser el primer cineasta en usar cámaras IMAX para un largometraje de Hollywood y he seguido construyendo a partir de eso.
-¿Le parece que la historia de Dunkirk sobre vivir un día más para luchar es especialmente relevante hoy?
-Dunkirk es y siempre será una historia extraordinariamente resonante para la humanidad porque es más o menos una especie de test de Rorschach. Lo importante para mí, lo que saco de esa historia que me hace pensar que es muy importante de contar ahora, es que creo que vivimos en una era que subraya en extremo la individualidad, a costa de lo que podemos lograr juntos. Ya sea que hablemos de la industria estadounidense, de considerar como un fetiche a un individuo multimillonario en vez de un sindicato, sólo por dar un ejemplo. Lo que Dunkirk te muestra es que podemos hacer mucho más con heroísmo comunal. Esto es lo que la hace una historia de guerra inusual, de civiles uniendo esfuerzos con el ejército. Pero creo que por eso resuena. Somos más fuertes si trabajamos juntos, y por alguna razón eso ha pasado de moda.
-No le sorprende que haya hecho tres películas consecutivas sobre el regreso a casa?
-El concepto de hogar, no hay nada más universal que eso. No hay nada que trascienda las fronteras internacionales o los prejuicios individuales más que eso. Como cineasta me he interesado en ideas primarias, ideas que son muy sencillas y que pueden resonar e inspirar a la gente de maneras muy sencillas, pero que tienen raíces complejas.
-Ha jugado con el tiempo en películas como “Interstellar” y “Memento”. Es una parte elemental del medio, ¿no?
-Lo es y es un elemento no comprendido del medio. La gramática convencional del cine tiene una perspectiva increíblemente sofisticada para modular la sensación del tiempo en el público. En las películas que he hecho he tratado de agarrarme de lo que en la mayoría de las películas es una sutileza. Está ahí pero el público no es particularmente consciente de ello. He tratado de tomarlo y usarlo como la herramienta que es, porque creo que es una herramienta única del cine: la idea de que podemos ir a una misma sala de cine, ver la misma pantalla por el mismo periodo de tiempo y que podamos ver algo que representa horas o milenios y que nos sintamos a gusto con eso. El cine tiene esa capacidad increíble de cambiar y manipular lo que la gente siente en relación con el tiempo mientras están viendo una película. (AP)

Debuta “War for the Planet of the Apes” y encabeza taquilla 


Impulsada por las buenas críticas, la cinta de ficción “War for the Planet of the Apes” debutó en las salas cinematográficas de Estados Unidos y Canadá, donde se colocó en la cima de la taquilla con unos 56,5 millones de dólares recaudados durante el fin de semana, tumbando del sitio privilegiado a “Spider-Man: Homecoming”.

Aun así, la película abrió bien por debajo de la cinta previa de la franquicia, “Dawn of the Planet of the Apes”, que debutó en 2014 con 72,6 millones de dólares.

Aunque muchos esperaban una competencia más apretada, “Spider-Man” cayó al segundo sitio, con 45,2 millones de dólares, tras debutar en el primer puesto con 117 millones la semana previa.

La cinta de Fox “War of the Planet of the Apes” se puso a la cabeza de lo que ha sido toda una anomalía del verano: la confluencia inusual de varios estrenos de películas aclamadas. Cinco de las seis mejores películas de la taquilla _”War of the Planet of the Apes,” ”Homecoming,” ”Baby Driver,” ”The Big Sick” y “Wonder Woman”_ tuvieron rankings de 92 o más puntos según la página Rotten Tomatoes, mientras que la sexta _”Despicable Me 3″_ fue bien recibida como estreno familiar sólido.

La secuela de Universal “Despicable Me 3” obtuvo 18,9 millones en su tercera semana y se colocó en el tercer lugar, sumando un total de 188 millones de dólares solo en Estados Unidos y Canadá. La comedia de acción de Edgar Wright “Baby Driver” le siguió con 8,8 millones, acumulando un total de 73,2 millones.

Otro ingreso notable en este fin de semana fue de la elogiada comedia romántica de Kumail Nanjiani “The Big Sick”, que se expandió a 2.600 salas luego de tres semanas de proyecciones limitadas. La cinta de las productoras Lionsgate-Amazon Studios producida por Judd Apatow recaudó 7,6 millones, un éxito extraño para una comedia en un verano que ha estado repleto de decepciones.

El filme de terror “Wish Upon”, de Broad Green Pictures, fue el otro estreno del fin de semana, y obtuvo 5,5 millones de dólares.

El próximo fin de semana podría continuar con la buena racha de estrenos con buenas críticas. La cinta de Christopher Nolan sobre la Segunda Guerra Mundial “Dunkirk” llegará a las salas y ya cuenta con excelentes reacciones tempranas.

Ja 

A continuación la lista de las diez películas con los mayores ingresos de viernes a domingo en los cines de Estados Unidos y Canadá, según la firma especializada comScore. Entre paréntesis las cifras internacionales, en caso de estar disponibles:
1. “War for the Planet of the Apes”, 56,5 millones de dólares (46 millones de dólares a nivel global).
2. “Spider-Man: Homecoming”, 45,2 millones (72,3 millones)
3. “Despicable Me 3”, 18.,9 millones (71 millones)
4. “Baby Driver”, 8,8 millones (6,2 millones)
5. “The Big Sick”, 7,6 millones
6. “Wonder Woman”, 6,9 millones (3,3 millones)
7. “Wish Upon”, 5,6 millones
8. “Cars 3”, 3,2 millones (20,1 millones)
9. “Transformers: The Last Knight”, 2,8 millones (6,7 millones)
10. “The House”, 1,8 millones

George Romero, padre del cine zombi, muere a los 77 años

Geroge Romero, el padre del cine zombi, falleció el domingo a la edad de 77 años; su filme “Night of the Living Dead” y otras cintas convirtieron a las películas de zombis en críticas a la sociedad.

Romero murió luego de luchar contra un cáncer de pulmón, informó su familia en un comunicado proporcionado por su manager Chris Roe. La familia dijo que murió escuchando la música de la cinta “The Quiet Man”, una de sus películas favoritas, a lado de su esposa Suzanne Desrocher y de su hija Tina Romero.

A Romero se le atribuye haber reinventado el cine zombi con su debut como director en 1968 y un clásico en la actualidad “Night of the Living Dead”. La película fijó los patrones que los imitadores han seguido: los zombis se mueven despacio, buscan carne humana y solo pueden morir con un disparo en la cabeza. Si uno de ellos muerde a un humano, éste muere y se convierte en zombi.

Sin embargo, los zombis de Romero eran más que simples caníbales. Eran metáforas sobre conformidad, racismo, de la cultura del consumismo, militarización, de diferencias de clases y de otros males sociales.

“Los zombis pueden ser lo que sea”, contó Romero a The Associated Press en 2008. “Pueden ser una avalancha o un huracán. Es un desastre allá afuera. Las historias son sobre cómo las personas fallan en responder de la manera adecuada. Fallan en abordarlo. Siguen tratando de quedarse donde están, en lugar de reconocer que probablemente sea muy grande para que intentemos mantenerlo. Esa es la parte que siempre he disfrutado”, dijo.

La muerte de Romero se sintió inmediatamente a través de un amplio espectro de fanáticos del terror y cineastas. Stephen King lo llamó su colaborador favorito y dijo: “Nunca habrá otro como tú”. El cineasta mexicano Guillermo del Toro expresó que “La pérdida es tan enorme”.

“Night of the Living Dead” tuvo un presupuesto de 100.000 dólares y mostró a unos personajes macabros que trataban de alimentarse con los humanos escondidos en una casa de Pensilvania. En 1999 la Biblioteca del Congreso introdujo la obra maestra en blanco y negro al Registro Nacional de Películas. (AP)

Buñuel, una mirada subversiva


Considerado como uno de los mejores directores de cine, artífice de filmes surrealistas como “Los olvidados”, “Simón en el desierto” y “Viridiana”, Luis Buñuel sigue vigente a 34 años de su fallecimiento.

De las 32 películas que integran la filmografía de Buñuel como director, 21 fueron realizadas en México, dejando así un legado invaluable para la cultura nacional.

Luis Buñuel Portolés nació el 22 de febrero de 1900 en Calanda, Turuel (España), y a lo largo de su carrera dirigió en Francia, España, Estados Unidos y México.

Siempre trabajó con escaso presupuesto y pocos medios materiales, lo cual no fue obstáculo para que creara unos 30 filmes, de los que se decía eran “arte con basura”.

El llamado “Alquimista del Cine” estudió con los jesuitas y posteriormente se licenció en Filosofía y Letras, tras abandonar la carrera de ingeniero agrónomo.

En la residencia de estudiantes de Madrid hizo amistad con el pintor Salvador Dalí y el poeta Federico García Lorca, debido a que su gran afición era la literatura, por lo que conoció a los más importantes literatos del momento y publicó cuentos y poesías. Sus ideas fueron utilizadas por Buñuel en sus películas.

En 1925 decidió dedicarse al cine y viajó a París, ahí trabajó como asistente y ayudante de dirección en tres filmes. Ingresó en la Académie du Cinema de París, y dos años después escribió su primer guión para el primer centenario de la muerte del pintor español Francisco de Goya, pero no se hizo por falta de presupuesto.

Después rechazó hacer otro guión sobre la obra de Ramón Gámez de la Serna, “El mundo por 10 céntimos”. La influencia de Ramón, a quien conoció en su época de estudiante, se manifestó en su obra, destacando su visión fetichista y el culto por los objetos.

El año clave fue 1928 con la colaboración de Dalí, al crear “Un perro andaluz”, película que fue considerada de manera unánime una de las mejores de la historia y máxima exponente del cine surrealista, aunque en su tiempo fue duramente criticada, incomprendida e incluso prohibida.

Buñuel y Dalí volvieron a colaborar en 1930 en la película “La edad de oro”, que se estrenó en Londres el 2 de enero de 1931. De nuevo el filme fue prohibido durante 50 años y duramente criticado, incluso se habló de excomunión.

En 1932, Buñuel se alejó de la estética surrealista y dirigió “Las Hurdes/tierra sin pan”. Fue censurado porque se le consideró denigrante para España.

Hasta 1947 no dirigió ningún filme y se limitó a hacer trabajos como guionista, productor e incluso labores de doblaje de películas estadunidenses al francés y español.

En 1937 escribió para la Paramount el guión “La duquesa de Alba y Goya”, y Dalí pintó su retrato llamado “El sueño”. Además de que el gobierno republicano le encargó la programación cinematográfica del pabellón español de la Exposición Internacional de París.

Para 1941, Buñuel ingresó al Museo de Arte Moderno de Nueva York como productor asociado, donde ocupó con posterioridad otros cargos, hasta que se vio obligado a dimitir, víctima del escándalo provocado por la publicación de una biografía de Dalí.

En 1944, la Warner Brothers lo contrató como director de doblaje en Hollywood, y un año más tarde se trasladó a México, país en el que vivió 36 años. Reapareció en las labores de dirección en 1947 con “Gran casino”, protagonizada por Jorge Negrete y la argentina Libertad Lamarque. La película fue un notable fracaso comercial y le costó tres años de inactividad.

En 1949 estrenó “El gran calavera” con notable aceptación comercial, y en 1950 hizo lo mismo con “Los olvidados”, lo que provocó duros cuestionamientos hacia su persona.

Sin embargo, fue una película con gran éxito de crítica en Europa, a tal punto que triunfó en el Festival de Cannes de 1951, por lo que recibió los premios de Dirección y de la Crítica Internacional.

Posteriormente, contó con el apoyo público de personajes vinculados al mundo de la cultura, entre ellos Octavio Paz, Premio Nobel de Literatura 1990; Iris Barry y Henri Langlois.

Otros filmes que rodó fueron: “El bruto”, “Las aventuras de Robinson Crusoe”, “Él”, “La ilusión viaja en tranvía”, “Abismos de pasión” y “Ensayo de un crimen”, que le abrió las puertas en el cine de Francia.

En 1960, Buñuel realizó “La joven”, su segunda película en inglés. También dirigió la obra “Don Juan Tenorio”, en el Teatro Manolo Fábregas de la Ciudad de México.

Regresó a España para preparar el rodaje de “Viridiana”, protagonizado por Silvia Pinal, filme con el que obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes y el Gran Premio del Humor Negro en París.

Los años posteriores filmó y dirigió “El ángel exterminador”, “Diario de una camarera”, “Llanto por un bandido”, “El monje”, “La vía láctea”, “Tristana”, “El discreto encanto de la burguesía”, con la que se convirtió en el primer director español en ganar un Oscar, “El fantasma de la libertad”, “Ese oscuro objeto del deseo” y “Simón del desierto”.

Además, intervino como actor en diversas películas, como “Llanto por un bandido”, de Carlos Saura, y “En este pueblo no hay ladrones”, de Alberto Isaac.

Se casó con Jeanne Rucar, joven francesa a quien conoció cuando estudiaba anatomía en París, y que había sido medalla de bronce en los Juegos Olímpicos de 1924 en gimnasia artística. Con ella tuvo dos hijos, Jean Louis y Rafael; el primero nació en la capital francesa y el segundo en Nueva York.

En 1980 realizó su último viaje a España y fue operado de la próstata, y en 1981, 50 años después de haber sido prohibida, se reestrenó en París “La edad de oro”.

Ese mismo año fue hospitalizado por problemas de la vesícula, y en 1982 publicó sus memorias, recogidas a lo largo de los años por Carriére y tituladas “Mi último suspiro”.

Luis Buñuel falleció en la Ciudad de México el 29 de julio de 1983 a causa de una insuficiencia cardíaca, hepática y renal provocada por un cáncer.

Sus últimas palabras fueron para su mujer Jeanne: “Ahora sí que muero”. Se mantuvo fiel a su ideología hasta el final. Ese mismo año fue nombrado doctor Honoris Causa por la Universidad de Zaragoza.

En 2013 que se celebró el 30 aniversario luctuoso del cineasta, tuvo lugar en la Ciudad de México un ciclo de actividades en la Cineteca Nacional y la Casa Buñuel, con la proyección del filme “Él”.

En 2014 se publicó el cómic-book “Los Caballeros de la Orden de Toledo”, novela gráfica que tiene como protagonistas a Salvador Dalí, Federico García Lorca y Luis Buñuel.

Los comics, escritos por el guionista Javierre con dibujos de Juanfran Cabrera, están ideados para publicar cinco números de 32 páginas cada uno, con periodicidad bimestral, en los que se narra el paso de los artistas por la Residencia de Estudiantes de Madrid a principios de los años 20 del siglo pasado. (NTX)

Tim Burton dirigirá de “Dumbo”, a estrenarse en 2019

La película “live action” de “Dumbo” ya está en producción y contará con la dirección del visionario Tim Burton y un elenco conformado por los actores Colin Farrell, Danny DeVito, Eva Green y Michael Keaton. 

La nueva versión del cuento clásico de Disney de 1941 se estrenará el 29 de marzo de 2019, se informó durante la D23 Expo que organiza Disney, la cual se lleva a cabo este fin de semana en Anaheim, California.

Durante la presentación, también se dieron a conocer las primeras imágenes.

Ehren Kruger y Justin Springer están a cargo de la producción a partir de un guión de Kruger, mientras que Nigel Gostelow es el productor ejecutivo, se indicó mediante un comunicado de prensa. 

“Dumbo” será filmado completamente en Inglaterra, tanto en los estudios Pinewood como en los Cardington Studios. Este remake presenta a “Holt Farrier” (Farrell), un ex-estrella de circo que encuentra su vida revuelta cuando regresa de la guerra.

El dueño del circo “Max Medici” (DeVito) recluta a “Holt” para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas sobredimensionadas lo convierten en una risa en un circo ya luchando.

Pero cuando los hijos de “Holt” (Parker y Hobbins) descubren que Dumbo puede volar, el empresario persuasivo “V.A. Vandevere” (Keaton) y una artista aérea llamada “Colette Marchant” (Green) se involucran para volverlo una “estrella”.

La historia clásica de Walt Disney “Dumbo”, que se estrenó el 23 de octubre de 1941, ganó un Oscar y fue nominada a Mejor Canción Original por “Baby mine”. (NTX)

Cinta canadiense “Qué pesado este fastidio” llega este domingo a la Cineteca Nacional


El filme “Qué pesado este fastidio”, del cineasta canadiense Kazik Radwanski, se proyectará a partir de este domingo en la Cineteca Nacional como parte del 37 Foro Internacional.

Del 16 al 21 de julio, la sala Salvador Toscano albergará el segundo largometraje de Radwanski, quien resalta el concepto de la frustración paterna dentro del núcleo familiar. 

Nominada a Mejor Película Canadiense en los Premios de la Crítica de Toronto 2017, “Qué pesado este fastidio” introduce la experiencia del director al lidiar con trastornos psicológicos.

Además, la improvisación actoral edifica el carácter naturalista de esta pieza cinematográfica, generando así un ambiente de tensión casi palpable en el espectador.

De acuerdo con la sinopsis difundida mediante un comunicado de prensa, “Erwin” parece llevar una vida tranquila y normal: está casado, tiene dos hijos, va al trabajo y pasa su tiempo libre jugando rugby.

Sin embargo, está demasiado cansado, a tal grado que se queda dormido en cualquier lugar.

Parece que no tiene la fuerza necesaria para enfrentar la vida, tal vez por eso encuentra refugio en su adicción a los videojuegos.

El filme cuenta con las actuaciones de Erwin Van Cotthem (“Erwin”), Kate Ashley (“Kate”), Seth Kirsh (“Seth”), Andrew Latter (“Andrew”), Matt Johnson (“empleado de tienda”) y Deragh Campbell (“maestra”). (NXT)

“SNL” y “Westworld” encabezan nominaciones a premios Emmy

“Saturday Night Live”, impulsado por sketches descabellados que atacan al gobierno de Donald Trump, recibió 22 nominaciones a los premios Emmy, incluyendo una para Alec Baldwin por su colorida interpretación del mandatario estadounidense y otra para Melissa McCarthy por su frenética versión del secretario de prensa Sean Spicer.

El veterano programa de variedades de la NBC empató con el drama de ciencia ficción “Westworld”, que también obtuvo 22 candidaturas el jueves, para encabezar conjuntamente las nominaciones a la 69na edición de los Emmy, que se entregan en septiembre.

Entre otros grandes nominados, “Feud: Bette and Joan” y “Stranger Things” recibieron 18 postulaciones cada uno, “Veep” 17, y “Big Little Lies” y “Fargo” 16.

La debutante “This is Us” obtuvo 11 menciones, incluyendo la primera a mejor serie de drama para un canal de señal abierta desde que “The Good Wife” lo hiciera en 2011. La historia de la NBC sobre una extensa familia, que ha sido un éxito entre los televidentes y la crítica, también le mereció nominaciones a Sterling K. Brown y Milo Ventimiglia, ambos en la categoría de mejor actor.

“Veep”, la comedia más nominada, podría alzarse con su tercer Emmy consecutivo a mejor serie de comedia y darle a su estrella, Julia Louis-Dreyfus, la oportunidad de expandir su récord como la actriz de comedia más galardonada. Tiene cinco Emmys por “Veep” y uno por “New Adventures of Old Christine”.

Los votantes del Emmy mostraron su disposición a reconocer a nuevas voces del humor. “Atlanta” de Donald Glover recibió una candidatura a mejor serie de comedia, al igual que “Master of None”, protagonizada por Aziz Ansari, y “black-ish”.

Una vieja favorita, “Modern Family”, apenas recibió un puñado de nominaciones además de mejor serie de comedia, incluida una para Ty Burrell como mejor actor de reparto. La estrella colombiana de la serie, Sofía Vergara, esta vez no figuró.

“Game of Thrones” de HBO, que dominó los Emmy el año pasado con 23 nominaciones y 12 premios que incluyeron su segundo consecutivo a mejor serie de drama, no era elegible para esta edición. “Orphan Black” tampoco compite por la misma razón, con lo que su estrella Tatiana Maslany no podrá repetir su victoria como mejor actriz.

La ceremonia de entrega de los premios Emmy se transmitirá el 17 de septiembre por la CBS y contará con Stephen Colbert como anfitrión. (AP)