Michel Franco,  el mexicano más premiado en Cannes; ‘Las hijas de abril’ gana el premio del Jurado de #UCR

Con su tercer premio en Cannes, Michel Franco se convirtió en el director mexicano más premiado en la historia del festival.

Su película “Las hijas de abril” ganó el premio del jurado en la sección “Un certain regard” (Una cierta mirada) de la 70 edición del festival internacional de cine de Cannes.

El anuncio fue realizado en la ceremonia de clausura de la sección, considerada la segunda más importante del certamen, cuyo jurado fue presidido este año por la actriz Uma Thurman.

El filme mexicano es el cuarto con la que Franco ha participado en el festival de cine de Cannes en donde ha ganado dos premios anteriormente.

En 2012, Franco ganó el premio a la mejor película de “Una cierta mirada” con su largometraje “Después de Lucía” y en 2015 obtuvo el de la mejor dirección por “Chronic” en la sección oficial por la Palma de Oro.

Protagonizada por Ana Valeria Becerril como Valeria, Emma Suárez como su madre y Joanna Larequi como su media hermana Clara, “Las hijas de Abril” presenta la historia de una chica de 17 años que está embarazada.

“No lo abordo desde la perspectiva de cuál sería la solución, simplemente me trato de poner en los zapatos del personaje principal. ¿Qué hace una chavita (chica) de 17 años embarazada que está convencida de que quiere tener a su bebé?”, dijo Franco antes de su participación en el festival. “En este caso al inicio de la película prefiere mantener a su propia madre alejada, pero cuando llega para ayudarle las cosas se complican todavía más”.

La cinta “Lerd” del iraní Mohammad Rasoulof, sobre la influencia de una compañía monopólica en un pueblo remoto, se llevó el premio Un Certain Regard, mientras que el galardón al mejor director fue para el estadounidense Taylor Sheridan por “Wind River”, un thriller sobre un agente novato del FBI que investiga el asesinato de una niña en una reserva indígena.

Jasmine Trinca de la película “Fortunata”, dirigida por el italiano Sergio Castellitto y que versa sobre una estilista en busca de sus sueños, se llevó el premio a la mejor actriz, y la cinta “Bárbara” del francés Mathieu Amalric, sobre una actriz en el proceso de construcción de un personaje, el galardón a la mejor narrativa poética.

El jurado estuvo integrado por el director egipcio Mohammed Diab, el actor francés Reda Kateb, el director belga Joachim Lafosse y el director artístico del festival de cine, Karovy Vary Karel Och, bajo la presidencia de la actriz Uma Thurman. (Agencias)

‘You Were Never Really Here’, la búsqueda oscura y violenta de Joaquín Phoenix


Habiendo presentado ‘We Need to Talk sobre Kevin’ en Cannes en 2011, la directora escocesa Lynne Ramsay regresa a la competencia en Cannes con ‘You Were Never Really Here’, un thriller dramático protagonizado por Joaquin Phoenix.

En su nuevo largometraje, una historia oscura adaptada de la novela homónima de Jonathan Ames, Lynne Ramsay vuelve a examinar las relaciones entre adultos y niños, un tema ya tratado en ‘We Need to Talk About Kevin’, que pintaba la relación ambigua entre una madre Y su hijo violento. La película, que trajo aplausos particulares para la actuación de Tilda Swinton, presentó a la joven actriz Ezra Miller al público.

En ‘You Were Never Really Here’, Joe, un veterano de la guerra, intenta salvar a mujeres del mundo del tráfico sexual en el que están metidas. Pero uno de esos rescates no sale como él pensaba, y el infierno se desata en un burdel de Manhattan, donde la violencia y la corrupción hacen despertar la bestia que lleva dentro. De esta manera la venganza se convierte en su motivación. La joven que intenta salvar es interpretada por Ekaterina Samsonov, quien también aparece en Wonderstruck por Todd Haynes, en Competición.

‘You Were Never Really Here’ marca el regreso de Lynne Ramsay al Festival de Cannes. Habiendo ganado el premio del jurado en dos ocasiones por los cortometrajes ‘Small Deaths’ en 1996 y ‘Gasman’ en 1998; la directora presentó ‘Ratcatcher’ en Un Certain Regard en 1999 antes de entrar en el concurso con ‘We Need to Talk sobre Kevin’ en 2011. La cineasta, que alterna entre cortos y largometrajes, también fue miembro del jurado en 2013 bajo la presidencia de Steven Spielberg.


La directora Lynne Ramsay, izquierda, y el actor Joaquin Phoenix posan para los fotógrafos durante  la foto llamada del film ‘You Were Never Really Here’ en el Festival de Cannes este sábado.

Zandvliet: “Los niños pagan el precio de la guerra”

La cinta danesa nominada al Oscar, “Land of Mine” (“Bajo la arena”), muestra un lado de los nazis pocas veces retratado en el cine: el de un grupo de adolescentes capturados tras la Segunda Guerra Mundial que son obligados a limpiar una playa danesa de miles de minas que dejaron sus compatriotas años antes.

“Siempre he estado interesado en la historia de Europa y leí que forzamos a los soldados alemanes a limpiar las playas”, dijo el director danés Martin Zandvliet en entrevista telefónica con The Associated Press. “No me sorprendió, pero cuando descubrí que violamos la convención de Ginebra a la hacerlo empecé a leer más sobre el tema”.

El hecho de que fueran soldados sin la preparación adecuada no fue lo que sorprendió al director sino su corta edad: “Empecé a ir a los cementerios y veía lo jóvenes que eran estos muchachos, ahí fue cuando decidí hacer una película al respecto”, dijo.

El realizador usó algunos de los nombres de los soldados para la película, aunque les cambió los apellidos. La idea de la justicia y la inocencia de un grupo de soldados tan jóvenes son dos de los grandes temas que generan reflexión en esta historia y su retrato humano de la guerra.

“Claro que no son inocentes, inocentes”, dijo. En el caso de los personajes “escribí sus historias previas y algunos hicieron cosas terribles, pero las hicieron porque les lavaron el cerebro”.

En la actualidad la mayoría de las minas han sido retiradas en Dinamarca, aunque durante el rodaje encontraron una mina real. En la cinta, la imagen de las explosiones es impactante, aterradora y al mismo tiempo cautiva en su brutalidad.

“No usamos efectos generados por computadora para nada, todos son efectos análogos, explosiones reales con harinas y polvos, no hieren a nadie. A los chicos les enseñamos cómo caminar en estas explosiones reales, mostrándoles poco a poco que no era peligroso, el encargado de las explosiones llevó a su propia hija e hizo que caminara por ellas”.

El director también buscó usar el mínimo de edición posible para las detonaciones y en caso de que fuera necesario hacía que los actores volaran un poco por los aires para tener este efecto realista. Por su parte, la fotografía de Camilla Hjelm destaca por su uso de luz natural en exteriores. Hjelm fue galardonada en 2016 con el premio Carlo di Palma de la Academia Europea de Cine por su trabajo en la cinta.

“Mi esposa hizo la fotografía, es una camarógrafa muy talentosa y siempre dijimos que queríamos una imagen lo más bella posible, casi como si fuera una playa paradisiaca”, apuntó el director. “Casi como si los humanos arruinaran al mundo y no al revés”.

La cinta protagonizada por Roland Møller, Louis Hofmann y Joel Basman, cuyo título original es “Under sandet”, se estrena el viernes en México. Estuvo nominada en la categoría de película extranjera en la pasada edición de los Oscar.

“Fue un gran honor y todo el equipo estaba muy contento”, dijo Zandvliet sobre su mención en los Premios de la Academia. “Me da mucho gusto que hayamos estado entre estas cinco películas y ojalá apoye a la cinta para que la vean”.

Para el director de “Funny Man” (2011) y “Applause” (2009), el mensaje de “Land of Mine” es más relevante que nunca ante el cierre de fronteras, la crisis de refugiados y las tensiones por intolerancia racial y religiosa en Europa.

“Creo que es aterrador cómo nos tratamos ahora, y lo poco que aprendimos de una guerra que pasó hace apenas 70 años. Este ha sido el más largo periodo de paz que ha tenido Europa en mucho tiempo y creo que deberíamos revisar cómo es nuestra relación”, apuntó Zandvliet, quien se encontraba en Copenhague realizando la postproducción de “The Outsider”, una historia de mafia en Japón de la década de 1950 protagonizada por Jared Leto. “El mundo ha aumentado mucho más el terror que el amor y la esperanza… Desafortunadamente los niños pagan el precio de las guerras de los adultos”. (AP)

El camino de Francia en mayo a Los Ángeles…

El camino de Francia en mayo a Los Ángeles en febrero es largo, pero el Festival de Cine de Cannes ha sido históricamente un semillero de campañas para los Premios de la Academia.

Los Oscar no suelen estar en la mente de los cineastas o asistentes en Cannes; el festival representa sus propios logros, como un espectáculo tan prestigioso o más, para muchos, que el de Hollywood. El potencial para el Oscar, sin embargo, nace a menudo en Cannes, donde el talento muchas veces hace un espacio para saludar a la Asociación de la Prensa Extranjera, que entrega los Globos de Oro.

Ninguna cinta ganadora de la Palma de Oro se ha alzado con el Oscar a la mejor película desde “El artista” de 2011. Y, en todo caso, festivales de otoño como Toronto, Venecia y Nueva York se han reafirmado como el principal camino a los Premios de la Academia _ un camino que han seguido filmes galardonados como “Moonlight” (“Luz de luna”), ”Birdman” y “12 Years a Slave” (“12 años esclavo”).

Aun así, Cannes impulsó el año pasado las campañas de eventuales nominadas como “Hell or High Water” (a mejor película), las actrices Isabelle Huppert (“Elle”) y Ruth Negga (“Loving”), “The Lobster” (a mejor guion) y la ganadora del Oscar a mejor cinta en lengua extranjera “El viajante”. El festival de 2015 produjo casi 20 candidaturas, incluyendo para “Mad Max: Fury Road” (“Mad Max: Furia en el camino”), ”Carol”, ”Inside Out” (“Intensa Mente”) y “El hijo de Saúl”.

Puede que este año el evento en la Riviera francesa, que termina el domingo con la entrega de la Palma de Oro y otros premios, no produzca tantos candidatos, pero las ovaciones a un número de actores y películas pueden servir como un indicador.

ADAM SANDLER — Cuando Sandler se sumerge en un drama suele recibir elogios. Pero más allá de sus papeles en “Punch-Drunk Love” (“Embriagado de amor”) y “Spanglish”, su tierna interpretación de un padre recién divorciado en “The Meyerowitz Stories (New and Selected)” de Noah Baumbach fue elogiada como un nuevo clímax en la carrera del comediante. El estreno de Netflix también podría despertar interés por Dustin Hoffman, que con su clásica distinción hace del quisquilloso padre de Sandler en el filme.

NICOLE KIDMAN — La pregunta no es tanto si Kidman volverá a los Oscar el próximo año sino con qué película. Tuvo dos en la competencia en Cannes: la continuación de “The Lobster” de Yorgos Lanthimos, “The Killing of a Sacred Deer”, y “The Beguiled” de Sofia Coppola, una nueva versión del thriller de la guerra civil de Don Siegel “El engaño” de 1971. Aunque la nominación para “The Lobster” sugiere un apoyo considerable para las comedias dementes de Lanthimos, la hermosa pieza de época “The Beguiled”, en la que Kidman interpreta a la directora de un internado para niñas en Virginia, es probablemente la mejor apuesta. Si la cinta, que se estrena el 30 de junio, recibe el impulso suficiente, podría generar atención para otros también, como Colin Farrell (quien actúa con Kidman en “Sacred Deer”), Kirsten Dunst y Coppola.

ROBERT PATTINSON — La excompañera de Pattinson en “Twilight” (“Crepúsculo”), Kristen Stewart, ha usado Cannes para mostrar otro lado de sí misma en filmes como “Clouds of Sils Maria” (“Las nubes de María”) y “Personal Shopper” (“Fantasmas del pasado”). Ahora Pattinson lo hace también. Su estilo desaliñado y sucio como un asaltante de bancos de Queens en “Good Time” de Benny y Josh Safdie fue de inmediato elogiado como lo mejor que del actor de 31 años ha hecho en su carrera.

WIND RIVER — Como guionista de “Hell or High Water” y “Sicario”, los relatos de Texas de Taylor Sheridan ya le han merecido una reputación para los dramas policiacos intensos. “Wind River”, que se estrenó primero en Sundance en enero, marca tres éxitos consecutivos para el realizador, que ahora debuta como director. La película sigue la investigación de un asesinato en una reserva indígena y es protagonizada por Jeremy Renner, quien también se destaca con su actuación.

THE FLORIDA PROJECT — La cinta previa de Sean Baker, “Tangerine”, no llegó a los Oscar, aunque sí quedó en múltiples listas de las 10 mejores películas y recibió premios de la crítica, pese a haberse filmado con un iPhone. Para “The Florida Project”, Baker usó una cámara de 35mm para narrar la historia de un par de niñas pobres de 6 años que viven en moteles baratos de Orlando a las sombras de Walt Disney World. Fue uno de los pocos éxitos de fugitivos en el festival.

WONDERSTRUCK —”Wonderstruck” de Todd Haynes no contará con actuaciones de artistas de renombre como su último filme, “Carol”, con Cate Blanchett y Rooney Mara. Pero “Wonderstruck”, su adaptación de la novela juvenil de Brian Selznick, narra con meticulosa destreza dos historias paralelas, una en 1927 y la otra en 1977. Gran parte del filme transcurre sin diálogos — por lo que se la ha comparado con “The Artist” — y Haynes usa todas sus habilidades cinemáticas para crear su magia. La música de Carter Burwell, además, es digna de reconocimiento. (AP)

“Mis comentarios fueron mal citados; seguiré trabajando”: David Lynch


Veinticinco años después de abandonar sus últimos secretos, la obra maestra de David Lynch regresa para una tercera temporada, anteriormente desconocida, con algunos de los actores originales. Este inesperado regreso al centro del escenario para el agente del FBI Dale Cooper y el misterioso bosque Twin Peaks también ha llevado al cineasta de nuevo a la luz de las estrellas.

Una entrevista mística con el gran hombre.

¿Fue este regreso a Twin Peaks alojado en su subconsciente, como se insinúa en el último episodio, transmitido hace veinticinco años?

Tal vez en mi subconsciente, pero ciertamente no conscientemente. En mi mente, había puesto un punto final final a la serie. Pero siempre creí que nunca dejaría de pensar en Twin Peaks a lo largo de los años, de preguntarme por su argumento y de imaginar lo que podría suceder realmente a sus personajes. La idea de un nuevo proyecto basado en la serie vino a mí hace cinco años.

¿Qué es lo que te hizo querer volver a su laberinto de misterios?

La única manera que puedo explicar este retorno es el amor que tengo por ese universo. De repente, revisar Twin Peaks me pareció lo mejor que pude hacer. Esta tercera temporada coincide casi exactamente con la fecha Laura Palmer hace con Dale Cooper en el último episodio que se emitió. Sé que hay muchas teorías que circulan en Internet sobre un seguimiento planeado hace veinticinco años, pero mi única consideración fue mi amor por el universo de Twin Peaks.

Escribir el guión duró tres años. ¿Cómo lo hicieron usted y Mark Frost?

Nos conocimos ocasionalmente, pero la mayor parte de nuestra colaboración estaba en Skype. Gradualmente creamos dieciocho episodios que, desde nuestro punto de vista, forman una película de dieciocho horas dividida en dieciocho partes. No tuvimos ningún problema en volver al mundo de Twin Peaks. Trabajar en la serie de nuevo fue, para mí, un viaje maravilloso por un camino agradable, de principio a fin.

¿En qué momento se estableció el tono de la trama?

Consideramos el sabor que queríamos dar a esta tercera temporada durante todo el proceso de elaboración. Cada uno de los lugares elegidos para filmar le dio a la serie una atmósfera particular a través de sus detalles, su luz, su acústica y el comportamiento de los individuos que viven allí. Todas estas percepciones produjeron ideas; Lo más importante para nosotros era permanecer fieles a ellos.

¿Qué nuevos elementos narrativos incluye esta nueva temporada?

La narración sigue siendo la misma, pero las herramientas para hacerlo han cambiado. Las primeras dos temporadas fueron filmadas en una película. Esta vez disparamos digitalmente. Así que utilicé todos los medios técnicos disponibles posibles para llevar mis ideas a la vida. En los primeros años del cine, los directores tuvieron que lidiar con ciertas limitaciones técnicas, pero lograron contar sus historias con los medios que tenían disponibles.

¿Podría decir algunas palabras sobre el debate de 35mm / digital?

Digital y 35 mm cada uno tiene sus ventajas y desventajas, pero nada será tan maravilloso como el cine. Dicho esto, el digital está mejorando cada día y su acabado ya se ve muy bien. Permite al director mantener una gran cantidad de control sobre su película.

El elenco reúne a más de 200 actores. ¿No tenías miedo de arruinar la serie?

Hay un riesgo esperando en cada esquina de la calle, pero no debes pensar en eso; Usted tiene que ir donde las ideas le llevan. El mayor desafío que debemos enfrentar siempre como artistas es construir cada pieza de nuestro trabajo de la mejor manera posible y nunca desviarnos de nuestra meta final hasta que lleguemos allí. La trama de esta historia necesitaba un reparto tan grande.

¿Qué tan importante es el largometraje Twin Peaks, Fire Walk with Me, para entender esta secuela?

El público no necesita haber visto las dos temporadas anteriores, o el largometraje, para obtener la nueva trama. Por otro lado, el proceso será más fácil para quienes están familiarizados con ellos, porque tendrán más información para ayudarlos a entender.

¿Qué dice esta nueva temporada de Twin Peaks sobre el hombre que eres hoy?

¡Puedes decirme qué clase de hombre me he convertido después de haberlo visto!

¿Twin Peaks marca realmente el final de su carrera cinematográfica, como anunció?

No. Mis comentarios fueron mal citados. No dije que dejaría de hacer películas, sólo que nadie sabe qué nos depara el futuro.

Entonces, ¿podemos esperar que Laura Palmer y Dale Cooper vuelvan a aparecer en veinticinco años?

Si lo hacen, realmente seré muy viejo; Pero estoy seguro de que ¡seguiré trabajando! (Benoit Pavan)

#Cannes2017: Restauran ‘Belle de jour’, la obra maestra de Buñuel

Filmada principalmente en París, durante la época del gaullismo (1966), la legendaria Belle de Jour fue adaptada de una novela de Joseph Kessel, con el guión escrito por Jean-Claude Carrière.

La obra maestra de Luis Buñuel narra la famosa historia de una mujer burguesa fascinada con la idea de prostituirse, y cuenta con la estrella Catherine Deneuve, que había brillado recientemente en Les Demoiselles de Rochefort. 

Algunas anécdotas del gran éxito masoquista del surrealista español.

Joseph Kessel
Un famoso reportero, Joseph Kessel es una figura emblemática de los años sesenta. Su novela, que tiene lugar en 1923 cuando el surrealismo acaba de emerger, relata los vagabundeos de una mujer burguesa que se prostituye en burdeles. Luis Buñuel tuvo la idea de adaptarlo a los tiempos actuales, sin trajes.

La burguesía

Luis Buñuel procedía de una familia burguesa tradicional. Belle de Jour es una película sobre la burguesía, filmada en una ciudad donde están representadas todas las clases sociales: París. El director de cine plantea la pregunta: ¿Qué es hoy la burguesía en París? Aunque la película se encuentra en un espacio cerrado, el escenario de París también tiene su importancia.

El daylily

La Belle de Jour (daylily) sólo florece durante el día. Séverine Sérizy, la joven burguesa encarnada por Catherine Deneuve, sólo ofrece sus encantos entre las dos y las cinco de la tarde en el burdel de Madame Anaïs. (Redacción)

Asistente poco conocido de Kubrick es saludado en Cannes 


Ningún lugar en la Tierra es más devoto al cine de autor que el Festival de Cine de Cannes. Los directores son alabados con prolongadas ovaciones, mientras las estrellas de cine desfilan bajo una tormenta de flashes por la alfombra roja.

Pero así como el talento conocido es adorado, quienes contribuyen casi en el anonimato suelen ser olvidados. Una película en Cannes, “Filmworker”, rinde homenaje a uno de los colaboradores menos conocidos y más trabajadores de uno de los más grandes visionarios del séptimo arte.

La cinta, dirigida por Tony Zierra, es sobre Leon Vitali, quien por años fue la mano derecha de Stanley Kubrick. Pese a su proximidad especial con el realizador y sus significativas contribuciones a su filmografía, Vitali era— hasta el estreno de “Filmworker” — una figura casi totalmente ignorada en la historia del cine.

Aún más extraordinario es cómo se convirtió en el leal asistente de Kubrick. Vitali era un actor con una notable y ascendente carrera a quien Kubrick seleccionó para el papel de Lord Bullingdon, el arrogante yerno del personaje principal de Ryan O’Neal, en “Barry Lyndon”. Era su papel más grande hasta la fecha, un gran impulso a su carrera, pero a Vitali lo que más le interesaba era aprender de Kubrick y su arte.

Tras pasar algo de tiempo en las salas de edición de sus próximos filmes, Vitali convenció a Kubrick de su seriedad. Y así de fácil dejó de lado la actuación para dedicarse a trabajar con Kubrick las dos siguientes décadas, hasta la muerte del director en 1999.

Con una devoción servil, desde la mañana hasta la noche (y a veces más), Vitali trabajó como un todólogo para Kubrick. Entrenó a actores, supervisó restauraciones, pidió catering y siguió instrucciones tan obsesivas del cineasta como montar un monitor de video para poder seguir los pasos de su gato moribundo.

“Hice un cambio verdaderamente radical en mi vida y eso fue cuando dije ‘estoy más interesado en eso’ de lo que estaba en la actuación”, dijo Vitali en una entrevista, sentado afuera de un hotel en Cannes. “Esa es la decisión consciente más grande que yo haya tomado. Hubo algunos sacrificios, pero también hubo recompensas”.

“Filmworker”, que busca distribución en Cannes, es una oda a la dedicación resuelta y modesta de “las personas en los créditos”, como dijo Zierra — los soldados de infantería esenciales pero rara vez celebrados del cine. Vitali sacrificó su propia fama para comprometerse a ayudar a realizar la visión de Kubrick, aun cuando eso a menudo significó sufrir la famosa quisquillosidad del director cascarrabias y sus ocasionales regaños.

Vitali tuvo una ventana a una de las mentes más brillantes del cine y desempeñó un papel fundamental en “The Shining” (“El resplandor”), “Full Metal Jacket” (“Nacido para matar”, o “Cara de guerra”) y “Eyes Wide Shut” (“Ojos bien cerrados”). (En esta última, varios de los personajes enmascarados fueron interpretados por el asistente).

Pero el humilde Vitali, que entonces tenía tres hijos pequeños, también renunció a muchas cosas en su vida al servicio de Kubrick. El astro de “Full Metal Jacket” Matthew Modine lo recuerda como una figura tipo Igor con su “Sí, amo”.

“Honestamente puedo decir que nunca me senté y pensé: ¿valió la pena? Me sentaba y pensaba que no había nada que pudiera hacer al respecto”, dijo Vitali. “A veces las cosas no están en tu poder. Eres llevado hasta ahí”.

Vitali vio “Filmworker” durante su estreno en Cannes acompañado de sus tres hijos, ahora adultos. Cuando la película terminó, el teatro se puso de pie y lo saludó con un aplauso entusiasta y sustancioso mientras Vitali sonreía y asentía con gratitud. Fue uno de los momentos más emotivos del festival: un minuto bajo los reflectores para un modesto “trabajador del cine”.

“Supongo que estaba un poco en estado catatónico”, dijo Vitali. “Fue maravilloso estar ahí con mis tres hijos. Sinceramente, no me esperaba ese tipo de acogida”.

Zierra calificó el momento como “la última escena” de su película. “El fin”, dijo el director, “fue esa noche”. (AP)

Entre abucheos y aplausos #Cannes2017 debate el auge de Netflix


El Festival de Cine de Cannes ha servido este año como una consulta popular en torno a Netflix, con votos registrados en abucheos y aplausos, y algunas de las figuras más grandes del cine expresando a viva voz sus opiniones.

Como el festival de cine más grande y prestigioso del mundo, Cannes a menudo ha sido una especie de ayuntamiento ostentoso en la Riviera francesa que mide las fluctuaciones de la industria del cine. Este año, el impacto sísmico de Netflix y sus crecientes ambiciones con el séptimo arte han sido protagonistas.

El festival por primera vez tiene dos películas de Netflix compitiendo por la codiciada Palma de Oro, su máximo premio: “Okja” del director surcoreano Bong Joon-ho y “The Meyerowitz Stories (New and Selected)” de Noah Baumbach, protagonizada por Adam Sandler. Estas selecciones desataron protestas de los exhibidores franceses, aterrados con la idea de que uno de los más grandes honores del cine vaya a una película que no se exhibirá en pantalla grande.

Cuando no se pudo alcanzar un acuerdo entre Netflix y los cines franceses, el Festival de Cannes declaró que el próximo año las películas realizadas solo para streaming no se aceptarán en la competencia. Pero esa medida ha hecho poco por apaciguar las pasiones alrededor de Netflix o las ansiedades por el futuro de la experiencia cinematográfica.

El logotipo de Netflix, que aparece antes de sus dos películas, ha sido recibido con vítores y abucheos. Cuando la proyección de “Okja” tuvo que ser interrumpida por un error técnico, el festival emitió rápidamente un comunicado prometiendo que no se trató de ningún juego sucio contra Netflix.

Cuando se trata de Netflix, en Cannes no están tranquilos.

“Mientras esté con vida, lucharé por una cosa que temo que las nuevas generaciones no conocen: … la hipnosis de la gran pantalla para el espectador”, declaró el presidente del jurado, el realizador español Pedro Almodóvar, al inaugurar el festival.

La experiencia de Netflix en Cannes, que culminó en una fiesta en una villa el domingo por la noche, llevará sin duda al gigante del streaming a reconsiderar sus estrategias para el festival. Ted Sarandos, director de contenido de Netflix, dijo a la publicación Variety que un regreso a Cannes era “menos atractivo” por el cambio en las reglas.

El distanciamiento lleva a una pregunta: ¿Quién necesita más del otro, Cannes o Netflix?

Por gran parte de sus 70 años de historia, Cannes ha sido un lugar importante e influyente para que estrellas, cineastas y compañías de cine reclamen su derecho en la industria. Netflix, como su rival de streaming Amazon Studios, ha hecho de los festivales un foco, adquiriendo películas de Sundance a Venecia y usando los reflectores de lugares como Toronto y Cannes para lanzar sus cintas. La naturaleza global de Cannes hace que este festival sea ideal para Netflix, que se ha expandido a 190 países.

Netflix también se está embarcado en su más ambiciosa incursión en el cine de alto presupuesto, con producciones que incluyen “War Machine” de Brad Pitt este viernes, “Okja” en junio, y “Bright”, con Will Smith, en diciembre. Smith, un miembro del jurado de Almodóvar, habló a favor del servicio.

“En mi casa, Netflix no ha sido más que un total beneficio”, dijo el actor.

Otros también lo elogiaron.

“Bong logró hacer lo que él hizo con este filme — su tamaño, su alcance — como resultado de que ellos le dieran una especie de carta blanca y el presupuesto que necesitaba para hacerlo, cuando otras personas no lo hicieron”, dijo el astro de “Okja” Jake Gyllenhaal.

Nuevos jugadores como Netflix y Amazon les han dado a los cineastas una opción necesaria a los limitantes estudios de Hollywood, que notablemente este año no tienen presencia en el festival de Cannes. Y Netflix, que recientemente superó los 100 millones de suscriptores (cerca de la mitad en Estados Unidos), está lista para seguir aprovechando las carencias de los estudios.

Grandes cadenas de cine se han negado a proyectar películas de Netflix si éstas están simultáneamente disponibles para streaming, una movida que Netflix ha criticado. Amazon, que también tiene varias películas en Cannes, ha sido menos perturbadora al presentar sus cintas en cines mucho antes de que lleguen a los suscriptores de Amazon Prime. Todd Haynes, cuya entrada en Cannes “Wonderstruck” en un estreno de Amazon, dijo que su división de cine está integrada por “verdaderos cineastas”.

Pero los estrictos guardianes franceses de la tradición dictan que cualquier filme que se exhiba en las salas de cine debe esperar tres años antes de llegar a los servicios de streaming.

“Si vas a Nueva York, hay menos salas de cine que en el pasado. En Roma hay muy pocos cines. En Francia tenemos muchos. ¿Por qué? Porque existe un sistema que protege todos estos cines”, dijo Thierry Fremaux, director de Cannes, quien calificó la controversia de Netflix como “el inicio de una nueva discusión”.

Al entrar el festival en su segunda semana el lunes, el furor había comenzado a disminuir. Después de todo, las películas de Netflix, hechas por directores de renombre internacional, terminaron siendo bastante buenas.

Quizás Cannes y Netflix sí pueden coexistir. (AP)

 

 

‘Happy End’: un retrato de la “ceguera de la humanidad” ante la migración

Ganador dos veces de la Palma de Oro con ‘The White Ribbon’ (‘Das Weisse Band’, 2009) y ‘Love’ (‘Amour’, 2012), el director austriaco Michael Haneke presentó este lunes, en La Croisette, ‘Happy End’, filmada en la Costa de Ópalo en el norte de Francia con dos de sus actores favoritos: Jean-Louis Trintignant y Isabelle Huppert.

De acuerdo con los organizadores del Festival, la crisis migratoria en Europa sirve a Haneke como un prisma para resaltar el cinismo prevaleciente de nuestros tiempos.

A nadie puede extrañarle lo imposible que es imaginar que la crisis migratoria tenga un final feliz, ya que los migrantes están condenados a vagar en la selva de Calais.

Para hacer frente a esta realidad, Michael Haneke ha elegido representar la salvaje indiferencia de una familia burguesa en el norte de Francia, la cual vive fuera de la realidad social de su entorno.

 

Jean-Louis Trintignant asume el papel del patriarca cínico, Isabelle Huppert y Mathieu Kassovitz juegan el rol de sus hijos. Toby Jones, la joven Fantine Harduin y la actriz belga Laura Verlinden completan el retrato de familia.

En palabras de Isabelle Huppert, esta película es “más factual que psicológica”. Se ocupa de la “ceguera de la humanidad” más que del sufrimiento real de los migrantes.

Ésta es la cuarta colaboración de Michael Haneke con la actriz francesa.

En cuanto al veterano actor Jean-Louis Trintignant, ésta es su segunda colaboración con el director austriaco; la primera fue en ‘Love’.

El actor considera a Haneke “uno de los más grandes directores del mundo”.