19º Semana de Cine Alemán

Debido a la actual situación sanitaria, este año la 19° edición de la Semana de Cine Alemán se presentará en línea a través de la plataforma FIlminlatino. Rudolf de Baey, director del Goethe-Institut Mexiko, nos comenta estar muy emocionado y satisfecho con esta colaboración; ya que, a pesar de encontrarnos todavía en etapa de confinamiento, es posible llevar la Semana de Cine Alemán a nuevos espacios de proyección. Y así, como cada edición, dar un vistazo a lo más reciente de la creación fílmica en Alemania. En esta ocasión, presentándose del 4 al 16 de agosto.

Para esta 19° Semana de Cine Alemán, contamos, como cada año y desde la primera edición, con el generoso apoyo del Patronato de la Industria Alemana para la Cultura. El presidente del patronato el Sr. Sébastien Masson, resalta que: “… para el Patronato es una gran alegría pues, apesar de estar en esta situación del Covid, la cual aleja a las personas, en esta ocasión podemos acercarnos a través del cine, pues independientemente de lo que estamos viviendo, no hay otro arte que logra acercarnos los unos con otros como el cine”.

Además: “…Como cada año desde su creación, nos orgullece apoyar la labor invaluable del Goethe-Institut Mexiko en organizar la Semana de Cine Alemán. Agradecemos en particular al Instituto de haber logrado organizar, en este año tan complejo, este evento tan importante para la difusión de la cultura alemana en nuestro país”.

Para esta 19° Semana de Cine Alemán, están programadas 12 películas de producción reciente para exhibirse de forma gratuita a través de Filminlatino en toda la República mexicana.

Jenny Mügel, quien está a cargo de la organización y realización de la Semana de Cine Alemán comenta: “…en el programa de este año mostramos una selección de películas alemanas estrenadas en festivales como la Berlinale, el Festival del Premio Max Ophüls, los Hofer Filmtage, el Filmfest Múnich, el Schlingel y el Dok Leipzig. Nos alegra mucho poder presentar en su gran mayoría el trabajo de jóvenes realizadoras y realizadores, con óperas primas o segundos trabajos, que han llamado la atención en los festivales arriba mencionados”. Además Jenny agrega que, para esta edición, se presenta una temática constante en los trabajos que se exhibirán: ”..uno de los temas que aparece en muchas de las cintas es la migración, causas, efectos, y el impacto en la sociedad alemana y en los proprios refugiados”.

Sobre la programación de la 19° Semana, pueden encontar aquí más información respecto a todo lo que se proyectará:

A treinta años de la reunificación alemana, el documental Progreso en el valle de los despistados junta a ex trabajadores de la fábrica “Fortschritt” (Progreso) con jóvenes refugiados sirios que están alojados en las ruinas de la fábrica y se ven confrontados con semanales manifestaciones xenofóbas. Bajo la mirada crítica del director Florian Kunert, se desconstruyen los hechos del documental con humor y melancolía, lo que le valió muchos entusiasmados comentarios durante su estreno en el Festival de Berlín 2019 así como el premio al mejor mediometraje documental alemán 2019.

La ficción Rebelde por accidente de la directora Randa Chahoud se centra en la historia de un estudiante, que cinco años después de haber llegado de Siria parece muy instalado en su nueva realidad alemana. Sin embargo, cuando pierde contacto con su hermano quien se unió a las fuerzas rebeldes contra el régimen de Assad, se lanza desesperadamente a su búsqueda, encontránosde en medio de la guerra civil y una espiral de violencia.

Desde un punto de vista más amigable, para el público joven la directora Sarah Winkenstette explora en Demasiado lejoslo que significa ser extraño para dos niños – Ben quien tuvo que dejar su pueblo natal en Alemania y se siente fuera de lugar en su nuevo hogar, la nueva escuela y el club de futbol, y Tariq, a quien conoce ahí y que fue igualmente desplazado de su lugar de origen, pero en este caso de Siria.

Demasiado lejos se estrenó en el festival de cine infantil Schlingel en 2019 donde ganó el premio otorgado por el Goethe-Institut Alemania al mejor largometraje alemán para niñas y niños. Este título, se integrará al acervo fílmico del Goethe-Institut Mexiko en el transcurso de este año y estará disponible para cineclubes e instituciones de educación pública – al igual que las películas Vale la palabra dicha de Ilker Catak, Mi final. Tu comienzo de Mariko Minoguchi, Coup de Sven Hill, Cleo de Erik Schmitt y los documentales 800 días solitario. Un día con el cineasta Edgar Reitz de Anne Hepp y En el nombre de Sherezada o el primer biergarten en Teherán de Narges Kalhor.

Nos alegra enormemente que los cinéfilos puedan disfrutar además, de la más reciente película de Caroline Link (única directora alemana premiada con un Oscar), Cuando Hitler robó el conejo rosa, puesta en escena de la novela homónima de Judith Kerr, del clásico de literatura juvenil, así como de País libre de Christian Alvert y La chica melancólica de Susanne Heinrich.

Además del programa que se presenta en línea y con la esperanza de que podamos volver a las cines pronto, decidimos unir esfuerzos con importantes festivales de cine mexicanos y presentar varias películas alemanas, a lo largo del año. Esperamos que después de las funciones en los festivales y, en conjunto con la Cineteca Nacional sea posible presentar algunas películas más en sus salas de cine. Estén pendientes de nuestras redes, habrá algunas joyas todavía por descubrir!

Adiós, Ennio Morricone

Ennio Morricone, el laureado compositor italiano del emblemático spaguetti western “Il buono, il brutto, il cattivo” (“El bueno, el malo y el feo”) y bandas sonoras de clásicos de mafiosos de Hollywood como “The Untouchables” (“Los intocables”) y la épica “Once Upon A Time In America” (”Érase una vez en América”), falleció el lunes. Tenía 91 años.

El Maestro, como se le conocía, murió en un hospital de Roma por complicaciones luego de una cirugía a la que se sometió tras sufrir una caída reciente en la que se fracturó una pierna, dijo su abogado durante años, Giorgio Assumma.

Afuera del hospital, Assumma leyó un mensaje de despedida de Morricone.

“Yo soy Ennio Morricone, y estoy muerto”, comenzaba el mensaje. En el saludo, el compositor explicó que la única razón por la que decía adiós de esta manera, y por la que solicitó un funeral privado, es que “no quiero molestar a nadie”.

En una carrera que abarcó varias décadas y que le valió un Oscar a la trayectoria en 2007, Morricone colaboró con algunos de los directores más reconocidos de Hollywood e Italia, en películas como “The Untouchables” de Brian de Palma, “The Hateful Eight” (“Los 8 más odiados”) de Quentin Tarantino, “La battaglia di Algeri” (“La batalla de Argelia”) de Gillo Pontecorvo y “Cinema Paradiso”, una oda nostálgica a la importancia del cine en un pequeño pueblo italiano, de Giuseppe Tornatore.

La cinta de Tarantino también le mereció el Premio de la Academia a la mejor partitura original en 2016. Al aceptar su premio, Morricone dijo en la ceremonia que “no hay música genial sin una película genial que la inspire”.

En total produjo más de 400 partituras originales para largometrajes.

Sus emblemáticos spaguetti westerns incluyeron trabajos con el fallecido director italiano Sergio Leone, un antiguo compañero suyo de estudios.

Morricone prácticamente reinventó la música para el género western a través de su sociedad con Leone, que incluyó la trilogía de “Dólares” protagonizada por Clint Eastwood como un rápido pistolero solitario, “Per un pugno di dollari” (“Por un puñado de dólares”) en 1964, “Per qualche dollaro in più” (“Por unos dólares más”) en 1965 y “Il buono, il brutto, il cattivo” (“El bueno, el malo y el feo”)” un año después.

Morricone era celebrado por crear con apenas unas pocas notas melodías — como aquellas interpretadas con una armónica en “Once Upon a Time in America” de Leone, de 1984 — que se asociaban de inmediato con la película.

Esa cinta es una saga sobre mafiosos judíos en Nueva York que explora el tema de la amistad, el amor perdido y el paso del tiempo, protagonizada por Robert De Niro y James Wood. Es considerada una de las obras maestras de Leone, en parte gracias a la evocadora música de Morricone, que incluye una exuberante sección con instrumentos de cuerdas.

“La inspiración no existe”, dijo Morricone en una entrevista en 2004. “Lo que existe es una idea, una idea mínima que el compositor desarrolla en el escritorio, y esa pequeña idea se convierte en algo importante”.

En una entrevista posterior, con la televisora estatal de Italia, Morricone citó “el estudio, la disciplina y la curiosidad” como las claves de su genio creativo. “Escribir música, como con todas las artes creativas, deriva de un largo camino” junto con las experiencias de la vida, dijo.

El cineasta italiano Dario Argento describió a Morricone como “un gran fenómeno del mundo musical” que musicalizó cinco de sus películas.

Cuando se acercaba a los 90 años, Morricone compuso la música para “The Hateful Eight”, la épica de Tarantino de 2015 filmada en 70-mm y su primer trabajo en décadas para un western. También era la primera vez que Tarantino usaba una partitura original.

Al aceptar el Globo de Oro en nombre de Morricone, Tarantino lo llamó su compositor favorito.

“Cuando digo ‘compositor favorito’, no quiero decir compositor de películas… Hablo de Mozart, hablo de Beethoven, hablo de Schubert”, dijo Tarantino.

El jefe de estado de Italia, el presidente Sergio Mattarella, escribió en un mensaje de condolencias a la familia del Morricone: “Tanto un músico refinado como un músico popular, dejó una profunda huella en la historia de la música de la segunda mitad de los 1900”.

Las bandas sonoras de Morricone, dijo Mattarella, “contribuyeron enormemente a diseminar y reforzar el prestigio de Italia en el mundo”.

Su estilo era amplio, lleno de tonadas memorables e instrumentos y arreglos inusuales, y a menudo producía grandes emociones.

Su música enfatizaba los típicos silencios de los spaghetti westerns, con los personajes enmarcados en primeros planos, mirándose unos a otros a la espera del próximo movimiento. El aullido de coyote, las armónicas y el inquietante silbido en “El bueno, el malo y el feo” se volvieron característicos de Morricone, y la banda sonora una de las más reconocibles del cine.

Minutos antes de entregarle su Oscar a la trayectoria, Eastwood recordó que cuando escuchó por primera vez la banda sonora de “Por un puñado de dólares” pensó: “¿Qué actor no querría llegar cabalgando al pueblo con ese tipo de música sonando al fondo?”

Fue una noche memorable para Morricone, quien había sido nominado al Premio de la Academia en cinco ocasiones (“The Hateful Eight” fue su sexta) pero hasta entonces nunca lo había ganado.

Nacido en Roma el 10 de noviembre de 1928, Morricone era el mayor de cinco hijos. Su padre era trompetista.

Luego de estudiar trompeta y composición en el conservatorio de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia en la capital italiana, comenzó a trabajar como trompetista y luego como arreglista para compañías discográficas.

“Empecé trabajando en piezas de música muy fáciles para la radio, la televisión y luego el teatro, y entonces poco a poco empecé a componer música para cine”, dijo a la AP en 2016.

En 1961 escribió su primera partitura para una película, una comedia agridulce ubicada en los últimos momentos del fascismo llamada “Il Federale” (“El federal”). Esa década también colaboró con Pontecorvo, primero en “La battaglia di Algeri” (“La batalla de Argelia”), el clásico en blanco y negro que retrata el levantamiento argelino contra los franceses; y luego en “Queimada” (“La quemada”), una historia de colonialismo protagonizada por Marlon Brando.

Morricone recibió su primera nominación al Oscar a la mejor música original por “Days Of Heaven” (“Días de gloria”), una cinta de 1978 del director estadounidense Terence Malick. Además de “The Hateful Eight”, las otras fueron por “The Mission” (“La misión”) de 1986, “The Untouchables” de 1987, “Bugsy” de 1991 y “Malena” de 2000.

Poco después de recibir el Oscar a la trayectoria, Morricone dijo en chiste que habría estado contento sin la codiciada estatuilla: “Me hubiera quedado en compañía de los ilustres no ganadores”.

Pero también reconoció que pensaba que “The Mission”, con el memorable y dulce tema “Gabriel’s Oboe”, mereció el Premio de la Academia. Ese año el galardón fue para “’Round Midnight” (“Cerca de la medianoche”), de Herbie Hancock.

Sumamente versátil, Morricone también orquestó temas pop italianos que incluyeron clásicos perdurables, como una versión del eterno éxito de verano “Sapore di Sale”, escrito por el famoso trovador italiano Gino Paoli.

Otro renombrado maestro, Riccardo Muti, citó su “amistad y admiración″ por Morricone. Muti recordó el lunes que cuando dirigió la pieza del compositor “Voci dal Silenzio”, la obra evocó “verdaderas emociones” en la audiencia tanto en Chicago, donde Muti dirige la orquesta sinfónica, como durante una presentación en Ravenna, Italia.

Muti llamó a Morricone un compositor “extraordinario” para el cine y de música clásica.

Hace unos años, cuando le preguntaron en la televisión estatal italiana si había algún director con el que le hubiera gustado trabajar pero no pudo, Morricone dijo que Stanley Kubrick lo invitó a musicalizar “A Clockwork Orange” (“La naranja mecánica”), pero que esa colaboración no se dio debido a un compromiso previo con Leone.

Le sobrevive su esposa Maria Travia, a quien mencionó al recibir su Oscar en 2016. Casados en 1956, la pareja tuvo cuatro hijos: Marco, Alessandra, Andrea y Giovanni.

Williams y Morricone, Premio Princesa de Asturias

Los compositores John Williams y Ennio Morricone serán homenajeados con Premios Princesa de Asturias por sus respectivos trabajos para el cine.

El jurado que otorga estos reconocimientos dijo el viernes pasado que el músico estadounidense y el italiano han enriquecido cientos de películas con su talento.

“Mientras Morricone construyó su reputación poniendo música desde Europa al lejano oeste americano, Williams trasladó el espíritu de la tradición sinfónica vienesa a grandes éxitos de Hollywood. Si hay algo que tiene en común la extensa y variadísima obra de ambos compositores es su deslumbrante capacidad para traspasar géneros y fronteras”, señaló el jurado en su decisión.

Williams, de 88 años, ha compuesto las bandas sonoras de “Star Wars” (“La guerra de las galaxias”), “Jaws” (“Tiburón”), “Indiana Jones” y las tres primeras de películas de “Harry Potter”.

Morricone, de 91 años, ha creado a lo largo de siete décadas más de 400 partituras para producciones de cine y televisión que incluyen “The Untouchables” (“Los intocables”) y más recientemente “The Hateful Eight” (“Los 8 más odiados”), de Quentin Tarantino.

“Williams y Morricone muestran un dominio absoluto tanto de la composición como de la narrativa, aunando emoción, tensión y lirismo al servicio de las imágenes cinematográficas”, destacó el jurado presidido por Miguel Zugaza Miranda y que incluyó entre sus miembros al exintegrante de Mecano José María Cano.

“Sus creaciones llegan incluso a transformarlas y trascenderlas, sosteniéndose por sí mismas como magníficas obras sinfónicas que se encuentran entre el repertorio habitual de las grandes orquestas”, añadió.

El premio de 50.000 euros (56.700 dólares) se entrega anualmente en ocho categorías de las artes, ciencias sociales y el deporte. Lo otorga la Fundación Princesa de Asturias, que lleva el nombre de la princesa Leonor, heredera al trono de España.

La ceremonia de premiación suele celebrarse a final de año en Oviedo, en el norte del país. (Agencias)

El compositor y director estadounidense John Williams dirige a la Orquesta Filarmónica de Orlando.

La edición fantasma del Festival de Cannes

Desde un cine vacío en París, los organizadores del Festival de Cine de Cannes anunciaron el miércoles las películas que habrían exhibido en mayo de no haberse cancelado el evento debido a la pandemia del coronavirus.

Fue una especie de ejercicio de “lo que podría haber sido” para Cannes, que los últimos 73 años ha sido la plataforma anual más prestigiosa y elegante para la industria del cine global. El festival, originalmente programado para mediados de mayo, en un principio consideró posponer hasta julio, pero al final se rindió y canceló la edición de 2020.

Oír qué se habría estrenado en la Crosiette este año dio una idea tentadora de lo que pudo ser: dos películas del director de “12 Years a Slave” (“12 años esclavo”) Steve McQueen, “Mangrove” y “Lover’s Rock”, dijo el director del festival Thierry Fremaux, así como “The French Dispatch” de Wes Anderson y la cinta animada de Pixar “Soul”, de Pete Docter.

Fremaux anunció 56 películas seleccionadas de un récord de 2.067 propuestas que recibieron pese a la crisis sanitaria. “Puedo ver que el cine está vivito y coleando”, dijo Fremaux, sentado en el escenario del cine UGC Normandie en París junto al presidente del festival, Pierre Lescure.

Entre las cintas seleccionadas se encuentran la española “El olvido que seremos” de Fernando Trueba, director de “Chico & Rita” y “Belle Epoque”, así como la ópera prima del brasileño Joao Paulo Miranda Maria, “Casa de antiguidades”.

El anuncio de la selección, que normalmente se hace en abril en una conferencia de prensa ante un gran grupo de periodistas internacionales, se presentó en vez en una entrevista televisiva que se transmitió por Canal Plus. Lescure destacó que la situación sin precedentes tenía un lado positivo: estaba mucho más tranquilo y Fremaux no tenía que responder preguntas de varias naciones cuyas películas fueron ignoradas.

Fremaux no distinguió qué películas habían sido elegidas para la selección principal, en la que unas 20 a 25 cintas compiten por la Palma de Oro; para la sección Un Certain Regard o para estrenarse fuera de competencia. Algunos realizadores, dijo, optaron por esperar para probar suerte en Cannes el próximo año.

La selección anunciada incluye 16 películas dirigidas por mujeres, dos más que en 2019. Cannes, donde sólo una cineasta (Jane Campion) ha ganado la Palma de Oro, ha sido criticado en múltiples ocasiones por la falta de directoras.

Spike Lee, cuyo filme anterior “BlacKKKlansman” (“El infiltrado del KKKlan”) se estrenó en Cannes, iba a presidir el jurado que habría designado el premio mayor del festival. El año pasado este fue para “Parasite” (“Parásitos”) de Bong Joon Ho, que terminó por ganar el Oscar a la mejor película.

“Esta ocasión, todos podrán dar su propia Palma de Oro”, dijo Fremaux.

También se destacan entre las cintas anunciadas: “Summer of ’85” de Francois Ozon, “True Mothers” de Naomi Kawase, “Heaven” de Hong Sang-soo, “Another Round” de Thomas Vinterberg, “DNA” de Maïwenn, y “Peninsula” de Sang-ho Yeon.

Estas películas podrán promocionarse como parte de la selección oficial del Festival de Cine de Cannes 2020. Si son aceptadas en otros lugares, podrán tener sus estrenos en festivales de otoño como Toronto, Telluride, Nueva York y San Sebastián, asumiendo que estos sigan en pie.

El sello de aprobación Cannes será especialmente provechoso para las películas de los cineastas menos conocidos, como las 15 de directores debutantes anunciadas el miércoles.

“Los apoyaremos”, dijo Fremaux. “Sus nombres están en el mapa ahora”.

Origen, expansión y consecuencias de la Covid-19, en El Aleph, Festival de Arte y Ciencia

A partir de hoy y hasta el 31 de mayo, participarán en línea 170 especialistas de 20 países

En uno más de los múltiples esfuerzos de la Universidad Nacional para conocer, comprender, analizar y hacer frente a la pandemia que afecta al mundo y a México, hoy inicia el evento más importante de carácter académico y artístico que se haya organizado sobre el origen, expansión y consecuencias de la enfermedad del coronavirus: El Aleph. Festival de Arte y Ciencia. Las Posibilidades de la Vida: COVID-19 y sus Efectos.

Con este encuentro, que será inaugurado por el rector Enrique Graue Wiechers, la UNAM abre espacios y oportunidades para que los universitarios y la sociedad en general conozcan las propuestas y respuestas que, desde sus diversas áreas del conocimiento, 170 especialistas de 20 países plantean a los retos que esta emergencia global impone.

El Aleph, que tendrá 110 actividades a distancia, se extenderá hasta el 31 de mayo como parte de la programación #CulturaUNAMenCasa; y contará también con la participación del coordinador de la Investigación Científica, William Lee; la coordinadora de Humanidades, Guadalupe Valencia García; la coordinadora para la Igualdad de Género, Tamara Martínez Ruíz, y el coordinador de Difusión Cultural, Jorge Volpi.

Entre los participantes en estos diez días de festival se encuentran la filósofa estadounidense Judith Butler; la premio Nobel israelí Ada Yonath; los filósofos Jean-Luc Nancy (Francia) y Markus Gabriel (Alemania); el artista Eduardo Kac; y los científicos mexicanos Antonio Lazcano (biólogo), Gerardo Herrera (físico) y Rafael Navarro (astrobiólogo).

La propuesta artística considera la participación del bailarín y coreógrafo suizo Gilles Jobin; del bioartista Eduardo Kac; del escritor israelí Etgar Keret; de la escritora y curadora sudafricana Anthea Buys, y de los artistas visuales Dr. Lakra (México) y Pere Mas (España). El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) destinará su #Sala10 a la pieza “El pueblo que falta”, de la artista española Cristina Lucas.

Seis ejes

Seis ejes definen las actividades que integran la programación: Origen, que abordará el inicio y las investigaciones en torno a los virus; Epidemia y pandemia, enfocado al crecimiento exponencial de la enfermedad y a los modelos matemáticos empleados en su medición; Posibilidades de medicamentos y estrategias sociales, en el que se analizarán las medidas de higiene preventivas, las propuestas de medicamentos y vacunas.

El virus del miedo, que plantea la proliferación de noticias falsas y el pánico que generan; Un día después, centrado en las consecuencias económicas y sociales, así como en el estrés postraumático que dejará la pandemia, y La vida, que disertará sobre las posibilidades de la subsistencia en situaciones límite, la resiliencia, el arte y los recursos internos para enfrentar las crisis.

El programa, dirigido por Juan Ayala, secretario de Programación de Cultura UNAM, con la curaduría del divulgador José Gordon y la asesoría científica del físico José Franco, incluye videoconferencias, mesas redondas, talleres, ciclos de cine, galerías digitales, conciertos y danza que se transmitirán a través del sitio web del festival: http://culturaunam.mx/elaleph/

Todos los días habrá entrevistas de expertos, que serán transmitidas por TV UNAM de las 18:30 a las 19:00 horas, y de las 17:00 a las 17:30 horas por Radio UNAM.

También será posible disfrutar parte de la programación en las páginas de Teatro UNAM, Libros UNAM, Música UNAM, MUAC y Filmoteca de la UNAM.

Más información en: http://www.culturaunam.mx y https://unam.blob.core.windows.net/docs/programacion_mensual/programacion_mensual.pdf

#UNAMosAccionesContralaCovid19

HOME MICROSITIO COVID

Cannes alberga a personas sin hogar

Las estrellas están varadas en casa, la playa que sirve como telón de fondo permanece cerrada y la prestigiosa sede del Festival de Cine de Cannes ahora sirve como albergue para personas sin hogar.

Cannes debió estar abarrotada de luminarias del cine el martes, cuando iba a inaugurarse el festival anual. Pero en estos tiempos de coronavirus, la Riviera francesa se ha convertido en una ciudad fantasma.

El festival de cine más grande del mundo se canceló por primera vez desde la Segunda Guerra Mundial.

Un par de residentes con máscaras está sentado al borde del paseo marítimo vacío para tomar el sol de la mañana, sus pies colgando sobre la arena junto a un letrero que dice “Acceso y nado prohibido”. Un grupo de personas mayores juegan a la petanca en silencio junto a las calles vacías.

La emblemática valla publicitaria reservada cada año para el festival le da en vez en grandes letras “GRACIAS” a los trabajadores de la salud que lidian con la pandemia.

“Estoy agobiado por un gran sentimiento de melancolía y nostalgia”, dijo el delegado general de Cannes Thierry Fremaux a la publicación Screen Daily sobre la suspensión del festival. “Cannes sólo se había cancelado una vez, por la Segunda Guerra Mundial, y se interrumpió una vez en mayo del 68”.

“Nunca habría podido imaginar algo así. ¿Quién podría haber previsto que tantos países alrededor del mundo iban a ser alcanzados por la epidemia?”, agregó Fremaux.

Mientras la cancelación representa un duro golpe para las estrellas y directores de cine a los que promueve y homenajea, también ha devastado a montones de negocios y contratistas anónimos que dependen del festival.

“Para nosotros es realmente una gran pérdida. El festival representa una gran parte de nuestros ingresos anuales, así que es un problema muy serio”, dijo Joseph Rappa, propietario de un kiosco de golosinas.

Para otros, es aún peor.

Pierre Dambrine trabaja construyendo puestos de películas dentro del Palacio del Festival, el complejo de edificios retro donde se realizan las proyecciones y ceremonias de premiación.

“No hay más trabajo en absoluto. No sabemos para nada cuándo se reanudarán las cosas”, dijo Dambrine.

Desde marzo, el gobierno local cambió la función del complejo de edificios del festival para recibir a personas sin hogar. Cada día decenas de nuevos residentes pueden verse caminando en un área cercada donde periodistas solían entrevistar a actores como Marion Cotillard y Leonardo DiCaprio.

Algunas tiendas comenzaron a reabrir en Francia el lunes. En Cannes, algunas boutiques de lujo como Valentino y Saint Laurent iban a abrir el martes, pero el ánimo sigue decaído. El famoso Hotel Martinez, donde se hospedan muchas estrellas en Cannes durante el festival de 12 días, permanecerá cerrado por lo menos un mes más.

Fremaux ha expresado pesimismo sobre el futuro inmediato de la industria del cine, pero dijo que se recuperará.

Señaló que la cancelación de eventos este año no impedirá que el festival reconozca al talento cinematográfico, y que los organizadores de Cannes planean anunciar una selección oficial de 2020 a principios de junio.

Festival de Cine de Locarno apoyará a realizadores independientes

Con el fin de fomentar el cine de autor independiente, el equipo del Festival de Cine de Locarno anunció la iniciativa Locarno 2020-For the future of films, luego de la cancelación de la edición 73 del encuentro debido a las restricciones impuestas por las autoridades federales suizas de no permitir eventos masivos por la actual contingencia sanitaria.

Marco Solaro, presidente del encuentro fílmico, en un comunicado, manifestó que con esta iniciativa se pretende confirmar el compromiso tanto con el público como con la industria, y “este proyecto busca darle una forma fresca, por medio de otras plataformas y escenarios, a los valores que han identificado la historia del festival durante décadas”.

Locarno 2020-For the future of films enfocará sus esfuerzos en apoyar a cineastas independientes que hayan tenido que suspender sus proyectos de manera forzada debido a la contingencia, a través de premios especiales en el marco del festival.

Al respecto, Lili Hinstin, directora artística del festival, expuso en el mismo comunicado que el proyecto cinematográfico está para ayudar a los cineastas; “organizar estrenos digitales en agosto no nos pareció la mejor manera de hacerlo; nuestro papel es ser el enlace entre las películas, la industria y la audiencia y por eso hemos buscado mejores alternativas para continuar con esa misión”.

Hinstin anunció que siguen trabajando en las medidas que aplicarán: “desarrollaremos un proyecto coherente en línea con la historia del festival; la solidaridad será el común denominador por el bien del público y de los cineastas”.

La iniciativa ofrecerá contenido especial tanto a profesionales del cine como al público en general a través de diversas plataformas todavía por anunciarse. Locarno 2020 prevé apoyos destinados a la industria cinematográfica independiente afectada por las restricciones derivadas de la pandemia.

Gustave Flaubert, hacía la pureza de la literatura

El escritor Gustave Flaubert, quien falleció hace 140 años, el 8 de mayo de 1880 en Ruan, Francia, se propuso crear una literatura que fuera simplemente literatura, sin la intervención de las ideas, pensamientos u opiniones del escritor; que la ficción fluyera como tal, aunque estuviera sustentada en el entorno de quien escribe novela o cuentos. A partir de esta premisa, creó el movimiento conocido como Realismo, en oposición hasta en el lenguaje a lo que consideraba los excesos del Romanticismo.

Se trata de una de las glorias de la literatura universal, de cuyo universo creativo sus obras más conocidas son Madame Bovary (1856), La educación sentimental (1869), Salambó (1862) y Tres cuentos (1877). En sí, publicó poco porque una de sus características era dedicar mucho tiempo a cada uno de sus textos; escribía con una gran paciencia y corregía sin descanso. Era un perfeccionista que mantuvo como principio rector encontrar la palabra justa en cada momento. Su musa era el trabajo diario y la búsqueda de la perfección por medio de la razón, nada más.

No se cansaba de buscar le mot juste, alcanzar el más preciado de los trofeos de un escritor de excelencia: el estilo, en el que convergen elementos como el lenguaje, el ritmo, la estructura o el punto de vista narrativo, es decir el personaje omnisciente que está en todas partes y en ninguna, que no es otro que el narrador, pero depurado de sus ideas, filias y fobias, para que entonces el resultado sea literatura pura.

Este ideal de la perfección, del buen gusto, del preciosismo, coincidía con sus ideas políticas. Flaubert era contrario a lo vulgar, que no encontraba solamente en otras literaturas sino en la misma vida de su época. Se oponía, por ejemplo, a la burguesía porque, a pesar de sus abundantes recursos, no tenían buenos gustos en ningún sentido. Tampoco veía bien el derecho de todos al voto y veía con temor el crecimiento de la clase obrera, por los mismos motivos: la falta de educación y, como consecuencia, de criterio de elección.

Por su convicción literaria, para Flaubert cada novela, cada cuento, era una vida que se sostenía por sí misma; cada historia habitaba en un universo propio, y dentro de ellas los personajes corrían la misma suerte, eran singulares, únicos, seres que debían vivir su vida, tener sus aventuras, sufrir las consecuencias de su pasado, su presente y la búsqueda de su futuro. En ese sentido, el escritor no debía intervenir por ellos, como tampoco parecerles agradables o despreciables; eran tal como son.

Para sostener esta verdad, el creador del Realismo –diferente del Naturalismo que en sus días defendieron sus coterráneos Émile Zola u Honoré de Balzac, pues no se proponía explicar a la sociedad sino describir con palabras los acontecimientos, manteniéndose neutro ante ellos– dedicó mucho tiempo a la observación y a la descripción narrativa de lo que veía a su alrededor: caracteres de las personas, sus formas de vestir, maneras en que se expresaban, gestos corporales, etcétera. Siempre encontrando las palabras justas para cada uno, pues buscaba no repetirse, por eso tardaba tanto en publicar.

Su obra más encumbrada es Madame Bovary, novela que los expertos han declarado como el inicio de la literatura moderna y que narra la historia de Emma Bovary, mujer inconforme con su vida –su tiempo y su espacio–, con lo que le da su esposo, Charles Bovary, por lo que busca llenarlo, hacerlo perfecto, con sueños y aventuras que la saquen del tedio diario. Así, mantiene relaciones amorosas con Léon Dupuis y Rodolphe Boulanger, pero finalmente los hechos la alcanzan y ella decide suicidarse, lo que provoca posteriormente la muerte de su marido.

Así, un hecho que fue real, un drama de la vida diaria sirve al escritor para hacer una obra literaria, deteniéndose en las descripciones de las cosas comunes y los detalles. Sin embargo, hay que apuntar, al mismo tiempo –como han encontrado los estudiosos– el escritor trasladó su disgusto con la época que le tocó vivir, la del crecimiento de la burguesía y la clase trabajadora con sus malos modales, así como una crítica a las novelas románticas y sus excesos sentimentalistas.


No obstante, cabe aclarar, Flaubert no era del todo un gruñón ni un ermitaño, era una buena compañía y realizó frecuentes viajes acompañados de amigos, periplos que le sirvieron para sus incansables observaciones y descripciones de lugares y personas. También mantuvo una prolija correspondencia con autores de su época, en particular con la escritora Georges Sand (Amantine Aurore Lucile Dupin de Dudevant), por quien lloró tras su muerte. Otra de sus grandes amistades fue Guy de Maupassant, considerado su discípulo.

De su vida sentimental, aunque nunca se casó y, por lo tanto, no tuvo descendencia, se le conocen al menos dos grandes romances, o por lo menos amores platónicos. Uno con Louise Colet y otro con Elisa Schlésinger. Flaubert vivió la mayor parte de su vida en Ruan, donde nació el 12 de diciembre de 1821, y sus últimos años los pasó en la finca que su padre había comprado en esa población normanda, en donde se enclaustraba a la hora de leer, responder correspondencia y escribir. Fue ahí donde murió el 8 de mayo de 1880.(NTX)

Gustave Flaubert French Novelist, 1821-1880 http://www.lebrecht.co.uk

Escritores y agentes culturales se suman a “La libertad es una librería”

Una invitación colectiva a la lectura, sus universos y todo aquello que rodea al campo editorial, conforma la campaña “La libertad es una librería”, iniciativa del Instituto Cervantes para reunir voces destacadas y profesionales del mundo de la cultura.

La convocatoria tomó el nombre de un verso Joan Margarit (premio Cervantes 2019) para animar con mensajes y reflexiones al público a volver a los libros y volcarse en esta actividad en momentos de incertidumbre y desasosiego, frente a lo que se vive en todo el mundo a causa del COVID-19.

“No hay nada como los libros, qué mejor sitio de libertad, de conocimiento y de amor que las librerías”, expresó el periodista y editor Arsenio Escolar; “la librería es un espacio cultural de debate, encuentro y reflexión, por eso en esta situación lo que recomiendo fundamentalmente es que apostemos decididamente a las librerías, pues en ellas está nuestra memoria y libertad”, compartió el escritor y crítico Manuel Rico Rego.

En estas pequeñas cápsulas, Carlos Pardo refirió: “las librerías son bienes esenciales que mantienen viva la cultura de una ciudad, de un país, de un pequeño pueblo; digamos que la literatura se mantiene viva sobre todo gracias al contacto directo y a esos intermediarios que crean juicio, que son los libreros”.

Por su parte, Menchu Gutiérrez sostuvo que “la crisis no es otra que la enfermedad a la que hoy todos nos enfrentamos; para mí un libro es este alimento que entra en resonancia con nosotros, hoy es el recordatorio de que ningún hombre es una isla”.

Entre el 13 de abril y el 1 de mayo se contó con la participación de casi 80 escritores, editores, libreros, políticos, intelectuales, críticos, representantes de entidades de gestión y otros actores de la vida cultural en España, entre ellos Rosario Álvarez Blanco, Jorge Eduardo Benavides, Ignacio Elguero, Soledad Gallego-Díaz y Joaquín Sabina. (NTX)